El Jazz: Evolución y Figuras Clave
El Jazz puso a disposición de los aficionados a 70 músicos. Todos los elementos de la música moderna estaban presentes. El mundo de la música había cambiado, y el negocio llegaba a un público mayor. Desaparecen grandes figuras del jazz y los jóvenes se vendían por dólares al rock. La música afroamericana no estaba muerta, no cesaban de surgir nuevas formas y músicos, como la “salsa” neoyorquina. La evolución de los sonidos, con la adición de nuevos instrumentos y técnicas que progresaron con rapidez, fue una nueva etapa de transición en la que el Jazz fue aceptado de un modo mayoritario.
Evolución del Cine Español en la Transición
En los años 60, de la Escuela Oficial de Cine saldrían nuevos directores: Mario Camus, Miguel Picazo, Carlos Saura. Fernando Fernán Gómez realizaría El extraño viaje. Orson Welles rodó Campanadas a medianoche. En la Escuela de Barcelona destacan Vicente Aranda o Gonzalo Suárez, con sus obras más importantes en los 80. En los 70 se suprime la censura y se permiten manifestaciones culturales en otras lenguas españolas. Triunfan fenómenos populares del destape y el landismo. En los primeros años de la democracia se tratan temas polémicos, se revisa la historia nacional reciente en películas de calidad como Canciones para después de una guerra o El espíritu de la colmena. Recreaciones de los años grises de la dictadura como Pim, pam, pum… ¡fuego!. Visiones del franquismo como La escopeta nacional. Los cambios políticos se reflejan en los filmes.
El Resurgir del Cine Norteamericano: La Obra de Francis Ford Coppola
El Nuevo Hollywood supuso la aparición de una nueva generación de directores educados en escuelas de cine, que absorben técnicas creadas en los 60, por ejemplo: Francis Ford Coppola, George Lucas, Steven Spielberg. Crean productos que rinden homenaje a la historia del cine e innovan sobre géneros y técnicas. Francis Ford Coppola inició su carrera en 1963 como director de Dementia 13. Dirigió más de una veintena de películas, entre las que destaca Apocalypse Now. Sus obras más reconocidas son El Padrino y El Padrino II. La primera es el filme más reconocido y elogiado de todos los tiempos, ganadora del Óscar a la Mejor Película y al Mejor Guion Adaptado. Fundó con George Lucas American Zoetrope. El Padrino combina violencia, valores y lealtad dentro de una familia mafiosa italo-americana, conserva el estilo tradicional del género de gángsters, y logra plasmar su visión creando un cine innovador e inquietante.
El Flamenco: Orígenes y Evolución
El Flamenco data del siglo XVIII. En los últimos años ha ganado popularidad en todo el mundo. Su origen no está claro, pero la opinión más extendida es que surgió de la unión y mestizaje en Andalucía de pueblos musulmanes, judíos y castellanos. Es la conjunción del cante, el toque y el baile, creando un lenguaje propio. Se ha extendido a América. En Japón, desde 1920 hasta los años 60 ganó popularidad. Su popularidad en el extranjero se debe a varios factores: entra en las academias de baile, el sustrato musical popular que origina la música flamenca llega a Madrid, la primera decantación del baile flamenco ‘clásico’, la primera industria cultural de Andalucía, los festivales flamencos internacionales, y la conexión del flamenco y el jazz con el público joven. Fue declarado Patrimonio de la Humanidad en 2010.
Claves de la Pintura Hiperrealista y el Pop Art: Hockney, López y Naranjo
El Arte Pop es interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo Abstracto. Antecedentes: El arte pop tiene como referencia el Dadaísmo. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, y más directamente el Neo-Dada americano con Jasper Johns y Robert Rauschenberg. El movimiento Pop como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1960 en los Estados Unidos. El Pop Art se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación. Buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes.
David Hockney
Pintor, dibujante, fotógrafo y escenógrafo inglés que fue un importante contribuidor del movimiento de Arte Pop en la década de 1960, es considerado uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX. En sus obras encontramos claves del movimiento Pop. A Bigger Splash (1967) es una de sus pinturas más conocidas. La ironía y el ingenio de Hockney y los diseños de fuerte expresividad, le llevaron a finales de la década de 1960 a un estilo más naturalista, con superficies planas de pintura acrílica y gran profusión de líneas de esmerado dibujo.
El Hiperrealismo
Es una tendencia de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 1960 que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
Antonio López
Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas, con una plasmación lenta. Busca aspectos cotidianos, que recoge con detallismo. Sus preferencias son vistas de Madrid y retratos de sus familiares.
Eduardo Naranjo
Máximo representante del realismo mágico onírico actual, jamás exento de enorme verismo, belleza y poesía. Este artista posee un hiperrealismo onírico que de forma fantasmagórica muestra las figuras que evocan sueños. Naranjo incorpora la fantasía y una simbología extremadamente lírica a sus composiciones. Estos cuadros, desprovistos de parafernalia, cultivan los momentos más íntimos.
Escultura: Chillida, Oteiza e Ibarrola
Eduardo Chillida
Escultor español, con trabajos en hierro y en hormigón. Sus primeras esculturas eran obras figurativas. En 1949, Metamorfosis se vuelve abstracta. En 1951 inicia su trabajo con el hierro. Se preocupa por los espacios abiertos, la búsqueda de la creación e invención. En sus obras plantea un problema espacial, por ejemplo: Peine del viento, Música de las esferas, Oyarak, Espacios sonoros. El viento y el agua forman parte de la escultura. En las puertas de Aránzazu busca chatarras y desechos industriales. En 1957 comienza una etapa de experimentación. Hasta entonces utilizaba líneas horizontales, verticales y curvas, y ahora ritmos lineales movidos e inquietos, por ejemplo: Yunque de sueños, Hierros de temblor, Rumor de límites.
Jorge de Oteiza
Escultor español, exponente de la Escuela Vasca de Escultura. Realiza la estatuaria para el friso y la fachada de la Basílica de Nuestra Señora de Aránzazu, donde pone en práctica sus teorías. Con un tema religioso, experimenta con el constructivismo y se embarca en su Propósito Experimental. En 1959 abandona la actividad escultórica. Realiza una operación al situar su obra en la tradición geométrica europea. Recupera estéticas geométricas, y su influencia en la cultura vasca genera las bases de la escuela de escultura vasca.
Agustín Ibarrola
Escultor y pintor. Conoció a Jorge Oteiza, quien influyó sobre su producción y su mentalidad artística. Se introdujo en el constructivismo y aprendió la mentalidad de creación artística conjunta. Realizó exposiciones en España y París, donde conoció a artistas españoles que fundaron el Equipo 57. Descubre la técnica del grabado y se integra en Estampa Popular. Esta es su época del constructivismo. En los años 60, debido a su actividad política y social, se retira realizando obras pictóricas y escultóricas. El Bosque de Oma es su trabajo más conocido.