Escultura Italiana del Renacimiento: Panorama Histórico y Cultural (Siglos XV y XVI)

Características Generales

Al igual que en la arquitectura, Florencia fue la cuna del Renacimiento en el siglo XV. Influyó el hecho de que en Italia el gótico nunca fue un estilo que penetrase profundamente, también influyó el naturalismo del gótico del siglo XIV, o la pervivencia de monumentos de la antigüedad tomados como modelos. Se esculpieron tanto esculturas de bulto redondo como relieves, realizando puertas monumentales de bronce, altares, tumbas, fuentes, púlpitos, etc.

El arte continuó siendo religioso, aunque comienzan a surgir elementos profanos y alegorías, el retrato y la escultura ecuestre. Durante el románico y el gótico el arte pretende explicar a través de la piedra a los feligreses los misterios de la religión, sin embargo ahora se preocupa por crear una obra estéticamente bella. Como consecuencia tiende hacia un realismo idealizado influido por las ideas estéticas del movimiento neoplatónico. Así, el hombre y la naturaleza se convierten en el centro del arte, y por ello el cuerpo desnudo se considera como una muestra de la belleza.

Se utilizaron el mármol y el bronce, aunque en algunas ocasiones se utilizó la madera o el barro cocido en su color natural, o bien se pinta o vidria.

Evolución y Etapas: Artistas y Obras Más Significativas (Siglo XV)

• Ghiberti: El primer gran escultor, trabajó fundamentalmente con el bronce aunque tenía una formación de orfebre. En 1401 ganó el concurso para la realización de las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia (las primeras durante el gótico por Andrea Pisano). El tema del concurso fue el sacrificio de Isaac, y en él se impuso a Brunelleschi, Jacopo della Quercia, etc. En estas puertas se mantuvo la costumbre gótica de enmarcar las escenas en unas formas cuadrifolias. El tema con el que se decoraron fue la vida de Cristo junto con algunos doctores de la Iglesia y evangelistas. Tras este éxito le encargaron la realización de las terceras puertas (“Puertas del paraíso”) y se decoraron con diversas escenas del Antiguo Testamento enmarcadas dentro de unos paneles cuadrangulares; estas quedaron a su vez enmarcadas por pequeños nichos con estatuas, cabezas humanas, medallines, pájaros, motivos vegetales, etc. Las escenas son tratadas de un modo casi pictórico, teniendo en cuenta la perspectiva, valorando los contrastes de luces y sombras, reduciendo el modelado hacia el fondo para conseguir una sensación de profundidad, teniendo en cuenta el movimiento, etc.
• Jacopo della Quercia: Realizó las puertas de la iglesia de San Petronio de Bolonia que se decoraron con diversas escenas del Génesis, y de la infancia de Jesús. En sus escenas se anticipan los trabajos de Miguel Ángel al interesarse por la monumentalidad de los hercúleos desnudos y conceder escaso interés al estudio del paisaje. También realizó la tumba de Ilaria del Carretto en Lucca, y la fuente Gaia en Siena.
• Donatello: Centró su trabajo en el estudio del hombre procurando representar todos los estados de ánimo, por eso es uno de los aspectos que más preocupan a Donatello junto con el naturalismo y los estudios anatómicos. Destacan la cantoría para la catedral de Florencia; el San Jorge donde muestra la juventud viril del héroe cristiano; el profeta Habacuc donde representa la vejez; la Magdalena penitente donde muestra el deterioro del cuerpo humano, la figura de Judith y Holofernes, etc. En sus relieves recurre a la técnica del schicciato, es decir, a la representación de un bajorrelieve mediante formas aplastadas o aplanadas, lo que permite dar al espectador una sensación de profundidad potenciado al aplicar además las leyes de la perspectiva.
• Luca della Robbia: Se distingue por sus trabajos en barro cocido y esmaltado, por sus figuras blancas sobre fondos azules enmarcados por orlas a base de motivos vegetales. Sus temas más frecuentes son vírgenes con el Niño, ángeles, etc. con un aspecto dulce y sonriente. Realizó para la catedral de Florencia una nueva cantoría en mármol que se diferencia de la de Donatello por paneles y equilibrio sosegado mientras que la de Donatello por su enorme dinamismo, además de no estar pulida. Le sucedieron su sobrino Andrea y el hijo de éste Giovanni distinguidos por el fuerte sentimentalismo y amaneramiento.
• Andrea Verrochio: Destacan la figura de David, la incredulidad de Santo Tomás y la escultura del condotiero Colleoni en Venecia.
• Antonio Pollaiolo: Como escultor trabajó en bronce, realizó las tumbas de los papas Sixto IV e Inocencio VIII, y el grupo escultórico de Hércules y Anteo.
• Otros escultores fueron Agostino di Duccio que refleja el schicciato en la decoración del Templo de Malatesta en Rimini; Desiderio da Settignano, Bernardo y Antonio Rosellino, Benedetto da Maiano, Mino da Fiesole, Pietro Lombardo, etc.

Escultura Italiana del Siglo XVI

Aquí Roma también desbancó a Florencia. Los bajorrelieves prácticamente van a desaparecer prefiriéndose bulto redondo de gran monumentalidad.

• Miguel Ángel: La primera mitad del siglo XVI estuvo dominada por la figura de Miguel Ángel que representó los sentimientos más diversos. Inició su carrera artística en Florencia, trasladándose luego a Bolonia y luego a Roma donde pudo contemplar las mejores colecciones de escultura clásica. De esta época es su escultura representando a la Piedad. Hacia 1503 termina la escultura de David en Florencia. En 1501 empieza el proyecto de Mausoleo para la tumba del papa Julio II, iba a ser un conjunto colosal con varios pisos y unas cuarenta esculturas debajo de la cúpula de la basílica de San Pedro pero al final fue reduciéndose y terminó convertido en un modesto monumento colocado en la iglesia de San Pietro in Vincoli. Para esto realizó las figuras de Moisés, Lía y Raquel y de algunos esclavos en los que se denota una cierta influencia por la escultura de la antigüedad clásica. Entre 1520 y 1534 trabajó en los sepulcros de los Medici en Florencia donde aparecen Juliano como un general romano y Lorenzo en una actitud pensativa. Sobre las urnas esculpió cuatro vigorosas figuras desnudas alegóricas que representan el día, la noche, el crepúsculo y la aurora concebidos con forma piramidal. En los últimos años de su vida la amargura y el pesimismo dominaron el espíritu de Miguel Ángel y se puede ver en la Piedad de la catedral de Florencia y la Piedad Rondanini muy diferentes a la Piedad que realizó para la basílica de San Pedro que está imbuida de una belleza clásica.
• El resto no tienen la importancia de Miguel Ángel. Algunos imitaron el colosalismo de Miguel Ángel como Bandinelli o Ammannati mientras que otros como Cellini van a tender hacia el virtuosismo.
• Giambologna: Fue el principal representante del manierismo en Italia. Entre sus obras destaca el grupo del “Rapto de las sabinas” donde domina el movimiento helicoidal y las líneas sinuosas o en forma de ese, o las esculturas de Mercurio, Hércules, etc.