Arte Gótico: Arquitectura, Escultura y Pintura

Arquitectura Gótica: La Catedral

El arte gótico se manifiesta en las catedrales, que simbolizan la nueva civilización urbana y la presencia de la iglesia. En Europa, destacan las de Notre Dame de París, Chartres, Reims y Amiens en Francia; Salisbury en Inglaterra; Burgos, Toledo y León en España; y Colonia y Estrasburgo en Alemania.

El gótico surge con la introducción del arco ojival y la bóveda de crucería, lo que permite mayor altura, luminosidad y ligereza en las construcciones. Las bóvedas evolucionan incorporando más nervios, como las estrelladas y de abanico. Gracias a los arbotantes, los muros pueden ser más delgados y llenarse de grandes vidrieras.

Las catedrales tienen planta de cruz latina con tres o cinco naves y una cabecera con girola y capillas. En el interior destacan las arcadas, el triforio y las ventanas superiores. La fachada principal se estructura en tres niveles con portadas monumentales, rosetones y torres cuadradas. Se incorporan elementos decorativos como pináculos, gárgolas y esculturas en portadas y arquivoltas.

Evolución de la Arquitectura Gótica

La arquitectura gótica se desarrolló en tres etapas:

• Gótico inicial (siglo XII): Surge en el norte de Francia con catedrales como Notre Dame de París. Los muros aún son gruesos y cumplen una función sustentante, dando sensación de robustez.
• Etapa clásica (siglo XIII): Es la fase de esplendor con catedrales como Chartres, Reims, Amiens y la Sainte Chapelle. Se eliminan las tribunas, se amplían las ventanas gracias a los arbotantes y se enfatiza la verticalidad. En España destacan las catedrales de Burgos, Toledo y León.
• Gótico flamígero (siglo XV): Se caracteriza por una mayor ornamentación con formas curvas semejantes a llamas. Se incorporan arcos conopiales y carpaneles, bóvedas estrelladas y tracerías recargadas con motivos vegetales y heráldicos.

La Arquitectura Gótica en Francia

1. Catedral de Reims (siglo XIII)

   Ejemplo destacado del gótico francés junto con Chartres y Amiens. Se caracteriza por su altura, ligereza y luminosidad, con numerosos rosetones y ventanales. Su fachada occidental es armoniosa y regular, con tres portadas ricamente decoradas, un gran rosetón sobre un friso escultórico y dos torres gemelas de 86 metros con tracerías.

2. Sainte Chapelle de París (siglo XIII)

   Templo-relicario gótico dentro del antiguo Palacio Real. Tiene dos plantas: la inferior para el pueblo y la superior como relicario real. Su estructura se basa en arcos apuntados y bóvedas de crucería decoradas con estrellas doradas. Destaca por el predominio del vano sobre el muro, con grandes ventanales y un rosetón que llenan el interior de luz coloreada según la hora del día.

La Arquitectura Gótica en España

Catedral de León (siglo XIII)

Inspirada en la catedral de Reims, fue diseñada por los arquitectos de la catedral de Burgos, el Maestro Enrique y Juan Pérez. Su planta basilical cruciforme tiene tres naves, un amplio transepto y una monumental cabecera con cinco capillas poligonales. Destaca por sus 737 vidrieras que cubren 1800 m², creando una atmósfera de luz y color. Al exterior, cuenta con arbotantes dobles, pináculos y dos torres con agujas desiguales.

Gótico Hispano-Flamenco (siglo XV)

También llamado gótico isabelino o estilo Reyes Católicos, fusiona el gótico flamígero con elementos mudéjares. Sus principales focos fueron Toledo y Burgos.

Iglesia del Convento de San Juan de los Reyes (Toledo)

Obra de Juan Guas, es el mejor ejemplo del gótico toledano. Mandada construir por los Reyes Católicos, iba a ser el panteón de Isabel I. De una sola nave con capillas entre contrafuertes, presenta bóvedas de crucería y estrelladas, con una decoración muy elaborada.

Escultura Gótica

La escultura gótica mantiene la función educativa del románico, pero presenta varias diferencias:

• Liberación del marco arquitectónico: Las estatuas, especialmente en las portadas, se despegaban del soporte arquitectónico, como las estatuas-columna.
• Naturalismo: Las figuras adquieren mayor expresividad y humanización. Los gestos se suavizan, se muestran más naturales y comunicativos, como el Cristo humanizado (Beau Dieu) que sufre en la cruz. La Virgen Blanca de Toledo es un ejemplo de la representación más natural y delicada de la Virgen, con un toque de coquetería.
• Portadas monumentales: Se decoran más que en el románico, con una estructura organizada:
  • Tímpano: Tema principal.
  • Jambas: Apóstoles y profetas, evolucionando a esculturas de bulto redondo.
  • Parteluz: Frecuente representación de la Virgen con el Niño.
  • Arquivoltas: Figuras pequeñas bajo ménsulas.

Además de las portadas, también se esculpen retablos y sepulcros fuera del marco arquitectónico.

Principales Obras

La Catedral de Reims (siglo XIII) incluye dos grupos, La Anunciación y La Visitación, ubicados en la jamba derecha de la fachada occidental. Estas esculturas muestran la evolución del estilo gótico, con el primero, La Anunciación, perteneciendo al inicio del gótico y el segundo, La Visitación, a la etapa clásica.

• La Visitación: Representa el encuentro entre María e Isabel, con figuras en contrapposto y rostros expresivos, mostrando un mayor naturalismo y movimiento en las figuras.
• La Anunciación: La Virgen y el ángel son representados de forma más sensible, con un gesto amable y una sonrisa que refleja el gusto cortesano de la época.

El Tímpano de la portada del Sarmental de la Catedral de Burgos (hacia 1240) muestra la influencia francesa en la escultura gótica en España, destacando el programa iconográfico en altorrelieve. En el centro, Cristo en Majestad se bendice y sostiene el libro de los evangelios, flanqueado por los cuatro evangelistas y sus símbolos. Los Doce Apóstoles están representados sentados y conversando, mientras las arquivoltas contienen figuras de ángeles, ancianos del Apocalipsis, reyes bíblicos y santos. En la parteluz, se incluye una figura del obispo don Mauricio, quien inició la construcción de la catedral.

Pintura Gótica

La pintura gótica se realizaba principalmente en cuatro soportes: fresco mural (escaso, salvo en Italia), miniaturas en libros litúrgicos, vidrieras y pintura sobre tabla (en retablos). Se utilizaba principalmente la técnica del temple, donde el huevo o la cola animal eran los aglutinantes, y en el siglo XV se introdujo la técnica al óleo. Las características de la pintura gótica incluyen un dibujo detallado, búsqueda de volumen en las figuras a través de gradaciones tonales y luz simbólica para destacar las formas. La temática era principalmente religiosa, centrada en la vida de Jesús, la Virgen y los Santos.

El Estilo Gótico Flamenco del Siglo XV (Primitivos Flamencos)

La pintura gótica flamenca se desarrolló en Flandes y estuvo ligada al auge de la burguesía comerciante. Sus obras, generalmente de pequeño tamaño, fueron creadas para oratorios privados o casas burguesas, siendo el tríptico el formato más común. La técnica predominante fue el óleo sobre tabla, perfeccionada por los hermanos Van Eyck, que ofrecía colores más brillantes y permitía pintar en capas y hacer retoques.

Los temas combinaban lo religioso con lo cotidiano, representando personajes sagrados en escenarios cotidianos, y objetos comunes con significados simbólicos. Las características formales incluyen un realismo acentuado, un detallismo minucioso, interés por los paisajes, y un modelado perfecto con luz y color que daban volumen a las figuras y profundidad al espacio.

Principales Pintores

• Jan van Eyck (1390-1441)

  El pintor Jan van Eyck es considerado el iniciador y máximo representante de la pintura gótica flamenca del siglo XV y perfeccionó la técnica del óleo, que ofrecía colores brillantes, permitía pintar por capas y facilitaba los retoques, lo que permitía un gran nivel de realismo. Su estilo se caracteriza por representar el mundo cotidiano con minuciosidad, aunque a menudo con significados simbólicos de carácter religioso. Una de sus obras más destacadas es “El Matrimonio Arnolfini” (hacia 1434), que muestra a un hombre y una mujer cogidos de la mano en una estancia amueblada, con un perro a sus pies. El espejo convexo refleja no solo a los protagonistas, sino también a otros dos personajes. La obra tiene un significado profundo más allá de la apariencia, representando el matrimonio como un acto simbólico de fidelidad, con el perro simbolizando la fidelidad y los esposos descalzos representando lo sagrado del sacramento. Esta pintura refleja el estilo flamenco del siglo XV, con un gran gusto por los detalles y el naturalismo, e interpreta la vida cotidiana con una dimensión religiosa.

• El Bosco (Hieronymus van Aken, 1450-1516)

  El Bosco es el pintor más original de la pintura flamenca del siglo XV y principios del XVI, conocido por su estilo único y fantástico, lleno de monstruos, figuras extrañas y una compleja simbología. Su obra está llena de alegorías morales y se interpreta generalmente como una crítica a los vicios y corrupciones de la humanidad, especialmente a los placeres materiales. Es considerado un precursor de la pintura surrealista.

  Una de sus obras más destacadas es el tríptico “El jardín de las delicias” (1515), que se interpreta como una sátira moral sobre el destino de la humanidad. La obra se divide en tres partes:

  • Postigos (tríptico cerrado): Representa la creación del mundo, aludiendo al tercer día del Génesis, con un globo terráqueo dentro de una esfera transparente.
  • Tabla izquierda (El Paraíso): Muestra a Dios, Adán y Eva en el Paraíso, con un paisaje lleno de animales exóticos y el árbol del bien y del mal.
  • Tabla central (El Jardín del Edén): Representa un jardín poblado de figuras humanas entregadas a los lugares carnales, simbolizando la caída humana en el pecado, aunque con una sensación de disfrute y fascinación en los pecados.
  • Tabla derecha (El Infierno musical): Un mundo oscuro y violento donde se muestran los castigos que sufren las almas por sus pecados.

  La obra combina el placer y el castigo, reflejando la ortodoxia religiosa del pintor, pero con un enfoque crítico y alegórico hacia la condición humana.

Definiciones Gótico

• Arbotante: Arco en una iglesia gótica que transfiere el empuje lateral de la bóveda al contrafuerte exterior, también canaliza agua hacia las gárgolas.
• Chapitel: Remate piramidal de una torre, a veces en forma bulbosa o cónica, muy utilizado en el arte gótico. Los chapiteles estrechos y altos son llamados aguja o flecha.
• Doselete: Dosel ornamental en arquitectura gótica, usado para realzar la importancia de estatuas, sepulcros, o elementos como pulpitos.
• Gárgola: Desagüe en forma de figura (humana o fantástica) que canaliza el agua de los tejados para evitar que resbale por las paredes.
• Gablete: Elemento triangular decorativo con tracerías que enmarca elementos arquitectónicos como portadas y arcos, característicos del gótico.
• Pináculo: Elemento piramidal colocado sobre los contrafuertes para aumentar su estabilidad y peso, decorando y reafirmando la verticalidad de los edificios góticos.
• Pintura al óleo: Técnica pictórica que utiliza aceite como aglutinante, permitiendo brillo, detalles precisos y capas de color que ofrecen luminosidad y efectos de transparencia.
• Políptico: Pintura dividida en varios paneles, con un panel principal y laterales, usada comúnmente en retablos góticos. Se puede denominar díptico, tríptico, etc.
• Retablo: Obra de arte en madera detrás del altar, con una estructura que contiene pinturas y esculturas. En el gótico, se organiza en paneles verticales y horizontales.
• Rosetón: Gran ventana circular con tracerías y vidrieras, típica de las catedrales góticas.
• Tracería: Decoración arquitectónica calada, perforada con motivos geométricos o vegetales, común en el gótico, especialmente en ventanas o rosetones.

Renacimiento Italiano

El Quattrocento (Siglo XV)

El Quattrocento es una etapa de indagación y experimentación del nuevo lenguaje artístico. Tuvo en la Florencia de los Médicis su foco más importante.

Características

• Preferencia por líneas rectas.
• Uso de órdenes clásicas (dórico, jónico, corintio, toscano y compuesto) en arquitectura civil y religiosa.
• Arco de medio punto, bóvedas de cañón, arista y cúpulas de media naranja.
• Fachadas horizontales decoradas con muros almohadillados, guirnaldas y medallones.
• Interiores con motivos clásicos como grutescos y amorcillos.
• Plantas de templos con precisión matemática, como la cruz griega o latina.
• Materiales como ladrillo, sillar almohadillado, mampuesto y mármol.
• Diversidad de edificios: iglesias, palacios, villas, hospitales y bibliotecas.

Autor Principal

Filippo Brunelleschi (1377-1446)

Filippo Brunelleschi fue un arquitecto clave del Renacimiento italiano, considerado el primer arquitecto plenamente renacentista. Recuperó elementos de la arquitectura clásica, como arcos de medio punto, pilastras acanaladas y cúpulas semiesféricas, incorporando las leyes de proporción y perspectiva.

Obras destacadas:

• Cúpula de la catedral de Santa María de las Flores (1420-1436) en Florencia: Con 42 m de diámetro y 114 m de altura, esta cúpula recupera la tradición romana del Panteón de Agripa y simboliza la riqueza de Florencia. Su éxito influyó en otras construcciones, incluida la cúpula de la basílica de San Pedro.
• Iglesia de San Lorenzo (1422-1470) e Iglesia del Santo Espíritu: Iglesias con planta de cruz latina, sin elementos góticos, utilizando formas clásicas como columnas corintias y arcos de medio punto.
• Capilla Pazzi (1443): Situada en la Iglesia de Santa Croce, su planta rectangular está cubierta por una bóveda reforzada por nervios. Su fachada es considerada la primera renacentista de Italia.

Escultura en el Quattrocento

Características

• Materiales: Se prefirió el mármol y el bronce, influenciados por los modelos clásicos.
• Naturalismo: Se buscó la semejanza realista entre la obra y su modelo, contrastando con el misticismo medieval.
• Figura humana: Se ajustó a un sistema de proporciones clásicas, centrándose en la perfección de las formas.
• Independencia de la escultura: La escultura se desarrolló por separado de la arquitectura, permitiendo figuras en bulto redondo.
• Perspectiva y realismo: La aplicación de la perspectiva en el relieve incrementó el realismo.
• Estudio anatómico y desnudo: Se destacó el estudio de la anatomía humana y el desnudo.
• Diversidad de temas: Se abordan temas religiosos, mitológicos, funerarios, retratos y estatuas ecuestres.

Principal Autor

Donatello (1386-1466)

Donatello fue el escultor más importante del Quattrocento italiano, destacado por su naturalismo y su capacidad para transmitir gran expresividad y emoción en sus obras. Su principal enfoque fue la figura humana, representando la belleza y fidelidad en todas las edades.

• David (1446): Estatua de bronce que muestra al joven David tras vencer a Goliat, con un estilo idealizado y sereno influenciado por la escultura clásica. Fue un encargo de la familia Médici y se convirtió en símbolo del poder de Florencia.
• Condotiero Gattamelata (1453): Primer retrato ecuestre del Renacimiento, inspirado en el retrato romano de Marco Aurelio, y realizado en bronce sobre un pedestal de mármol.

El Cinquecento (Siglo XVI): La Pintura

Características:

• Uso de la pintura al óleo, introducida por los flamencos, que permite colores más ricos y la posibilidad de retoques.
• Representación de figuras humanas bellas e idealizadas con influencias del arte clásico.
• Composiciones simétricas y ordenadas, generalmente triangulares, buscando armonía y proporción.
• Fondos de paisajes o arquitecturas en perspectiva para realzar la monumentalidad de los personajes.
• Uso de claroscuro para crear volumen y sfumato para difuminar los contornos.

Autores Principales

• Leonardo da Vinci (1452-1519)

  Leonardo da Vinci, modelo de hombre renacentista, creó una nueva perspectiva aérea y utilizó el sfumato para dar a sus obras una atmósfera misteriosa.

  • Virgen de las Rocas (1483): Composición triangular con la Virgen, el Niño, San Juanito y un ángel, con un paisaje montañoso representado con perspectiva aérea.
  • La Última Cena (1495-1498): Pintura mural en el refectorio de Santa María delle Grazie en Milán, donde Cristo es el centro de una composición simétrica y ordenada, con la perspectiva lineal en el fondo.

• Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)

  • Decoración del Muro de la Cabecera (1533-1541): Pintadas al fresco por encargo de Clemente VII, El Juicio Final representa la resurrección de los muertos, con figuras dramáticas y violentos escorzos. Cristo y la Virgen aparecen en movimiento, rodeados de santos y ángeles. Esta obra anticipa el barroco con su ambiente de caos y violencia. Tras el Concilio de Trento, se modificó la obra para cubrir desnudos considerados inmorales.

Escuela Pictórica Veneciana del Cinquecento

En Venecia, la pintura renacentista se caracteriza por:

• Perfeccionamiento de la técnica al óleo.
• Uso del lienzo en lugar de la tabla como soporte.
• Desarrollo de la perspectiva aérea.
• Revolución en el uso del color, con colores luminosos que emiten luz propia.
• Esta pintura influiría en el Barroco y en el Siglo de Oro de la pintura española.

Definiciones Renacimiento

• Almohadillado: Sillar con juntas biseladas o rehundidas que da relieve, usado como símbolo de riqueza y poder. El almohadillado rústico tiene una cara saliente e inacabada.
• Escorzo: Técnica que representa objetos en posiciones oblicuas o perpendiculares para crear profundidad y resaltar el volumen.
• Lienzo: Tela usada como soporte para la pintura, generalmente de lino, algodón o cáñamo.
• Manierismo: Etapa tardía del Renacimiento (Siglo XVI) que refleja la crisis de valores y la angustia social de la época, apartándose de las normas clásicas con un arte más intelectual y dramático.
• Orden gigante: Columnas o pilastras de gran tamaño que abarcan varias plantas, creando efectos monumentales y verticales arquitectónicos.
• Perspectiva: Recurso para representar el espacio tridimensional en una superficie plana.
  • Perspectiva lineal: Líneas convergentes en un punto de fuga para crear profundidad.
  • Perspectiva aérea: Los objetos lejanos pierden intensidad y definición, creando una sensación de atmósfera y profundidad.
• Plateresco: Estilo arquitectónico español del Renacimiento, fusionando elementos góticos y clásicos con una decoración minuciosa similar al trabajo de los plateros.
• Sfumato: Técnica de Leonardo da Vinci para difuminar los contornos de las figuras, integrando las luces y sombras de forma natural.
• Serpentinata: Representación de figuras humanas contorsionadas, típicas del manierismo, que transmiten movimiento y desequilibrio.
• Terribilitá: Concepto usado en la escultura de Miguel Ángel que expresa una poderosa emoción dramática en sus figuras.