Iglesia de San Lorenzo: Un Icono del Renacimiento
Edificio: Iglesia de San Lorenzo
Autor: Filippo Brunelleschi (Florencia, 1377-1446)
Cronología: 1421-1470
Tipología: Iglesia
Material: Piedra
Estilo: Renacentista
Localización: Florencia
Descripción formal
El exterior de la Iglesia de San Lorenzo es relativamente tosco, sobre todo su fachada, en la que nunca se llegó a colocar el revestimiento de mármol que le correspondía según los planes iniciales.
En su interior, la planta de cruz latina se articula en tres naves y capillas laterales, transepto y ábside central flanqueado por dos sacristías. La nave central es el doble de alta y ancha que las laterales, y su separación se realiza a partir de columnas de orden corintio que soportan arcos de medio punto.
En las naves laterales, las capillas también se abren a través de arcos de medio punto, y encima, los óculos o ventanas circulares dejan entrar la luz natural. En el crucero se levanta una cúpula semiesférica.
El conjunto de la Iglesia de San Lorenzo está pensado para que todas las líneas de perspectiva converjan en el altar, y para que el visitante, situado en medio de la nave central, perciba un lado como espejo del otro. Para lograrlo, el arquitecto italiano se basó en la simetría y la matemática, y en la armonía de la complementariedad del cuadrado y el círculo.
En su concepción general, la Basílica de San Lorenzo de Florencia fue la primera iglesia plenamente renacentista; se recuperó a conciencia el lenguaje clásico y se intentó mostrar un ejemplo de equilibrio y de sobriedad constructiva en la que se tuvo en cuenta la medida del hombre.
Cúpulas Renacentistas: Santa Maria del Fiore y San Pedro del Vaticano
Cúpula de Santa Maria del Fiore
Autor: Filippo di Ser Brunelleschi (Florencia 1377 – 1446)
Cronología: 1420-1436
Tipología: Arquitectura
Material: Ladrillo, piedra y mármol
Medidas: 45,5 m (diámetro), 54 m (alto contando el tambor)
Estilo: Renacentista
Localización: Florencia
A partir de un tambor octogonal, la cúpula se erige en ocho segmentos en forma de vela que se unen por la parte superior confluyendo en la linterna, con la única decoración de ocho costillas de mármol en el exterior.
La estructura se basa en la superposición de dos cúpulas, una interna y una externa, que equilibran su fuerza mutuamente y que, a la vez, están abrazadas por una espiral de obra en forma de espina de pez, que es la columna vertebral de toda la estructura. Toda la cúpula está organizada a partir de la sección áurea, consiguiendo una armonía estructural perfecta que se amolda a los cánones renacentistas.
En 1466, Andrea del Verrocchio fundió la bola de bronce que corona la linterna.
La cúpula de Brunelleschi es desde su inauguración en 1436 el elemento esencial y vertebrador del cielo florentino y la figura central de toda la ciudad, por sus dimensiones y perfil.
La cúpula realiza la función esencial de cobertura del crucero de la catedral y a la vez fue concebida como símbolo inequívoco del poder de la ciudad gobernada por los Medici en el siglo XV.
Modelos e Influencias
La cúpula de Brunelleschi tiene su modelo de inspiración en la cúpula del Panteón de Roma.
Por otro lado, la cúpula de Brunelleschi fue fuente de inspiración de todas las cúpulas realizadas a posteriori, tanto en Florencia, como en toda Europa, pero sobre todo lo fue para Miguel Ángel, cuando este se planteó la construcción de la cúpula de San Pedro del Vaticano.
Cúpula de San Pedro del Vaticano
Autor: Miguel Ángel Buonarroti
Tipología: Arquitectura
Material: Piedra, obra, travertino y otros materiales
Medidas: 42 m (diámetro), 130 m (alto) (incluido el tambor)
Estilo: Renacentista
Localización: San Pedro del Vaticano (Roma)
Para la construcción de su cúpula, Miguel Ángel ideó una doble cúpula hemisférica inspirada en la cúpula de Brunelleschi para la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. En una célebre frase, Miguel Ángel dijo: “voy a Roma a hacer su hermana más grande, sí, aunque no más bella”.
Miguel Ángel prácticamente terminó la estructura del tambor en vida, asegurándose la continuidad de su proyecto de cúpula. A su muerte, en 1564, se empezaba la construcción de la cúpula encima del tambor y fue el arquitecto Giacomo della Porta, ayudado de Domenico Fontana, quien la terminó en 1603 aproximadamente con la colocación de la esfera en bronce y la cruz superior. Los trabajos se alargaron hasta 1612 con la decoración en mosaico del interior.
Giacomo della Porta modificó un tanto el proyecto original de Miguel Ángel, disminuyendo la curvatura de las dos cúpulas para aligerar el peso lateral de la enorme mole y mejorar su visibilidad. El tambor tiene un zócalo que ejerce de base de dieciséis contrafuertes radiales que contrarrestan estructuralmente el peso de la cúpula.
La cúpula de San Pedro del Vaticano, como sede de la Iglesia, fue pensada con grandilocuencia por su arquitecto para ser la más grande de Roma y de toda Europa. Su concepción como elemento de unión entre el poder terrenal y el poder celestial procuraba, a la vez, mostrar la grandeza del primero de estos dos. La cúpula debía ser el faro guía de toda la cristiandad.
Modelos e Influencias
Como símbolo de la Iglesia universal, la cúpula de Miguel Ángel en San Pedro del Vaticano después de su terminación tuvo, evidentemente, continuación y fue modelo para todas las cúpulas construidas posteriormente. Siendo una de las imitaciones más destacadas, la realizada en la de la catedral de San Pablo de Londres, obra de Christopher Wren, con una apariencia mucho más esbelta debido a su doble tambor.
Fachada de la Universidad de Salamanca: Plateresco en su Máxima Expresión
Autor: Atribuida a Juan de Talavera
Cronología: 1512-1533
Material: Piedra de la cantera de Villamayor, Salamanca
Estilo: Plateresco
Localización: Salamanca
Descripción formal
Esta fachada, cumbre del estilo plateresco, se articula como si de un retablo se tratara. Sobre dos puertas de acceso nos encontramos con tres cuerpos y sus correspondientes cinco calles donde se despliega un programa escultórico presidido por un medallón con los retratos de los Reyes Católicos, padres de Juana I de Castilla, que fue quien financió la obra.
Una serie de motivos heráldicos y figurativos completan el discurso iconográfico en el que aparece el escudo de armas de los Austrias en las que destacan el águila bicéfala y el toisón de oro. Otras figuras hacen referencia a personajes mitológicos, históricos o contemporáneos sobre los que no hay una certeza de identificación.
La fachada de la Universidad de Salamanca integrada en el edificio de las Escuelas Mayores debía de constituir el centro de referencia del edificio.
El poder adquirido por las universidades en el periodo renacentista en Castilla es muy grande. La función y el significado de la fachada de Salamanca es por tanto mostrar la Universidad como centro del saber, apoyado por la Corona de Castilla.
Modelos e Influencias
Un antecedente y posible modelo de la fachada de la Universidad de Salamanca es la fachada del llamado Colegio de San Gregorio de Valladolid, que en sus inicios formaba parte de la Universidad de la misma ciudad pero hoy es sede del Museo Nacional de Escultura.
Casi coetánea a la de Salamanca, la fachada del Colegio de San Gregorio, de estilo gótico flamígero, fue realizada a finales del siglo XV y constituye un precedente para aquella.
Monasterio de El Escorial: La Grandeza del Estilo Herreriano
Autor: Comienza la obra Juan Bautista de Toledo y la termina Juan de Herrera (Roiz, 1530 – Madrid, 1597)
Cronología: 1563-1584
Material: Piedra granítica, obra y otros materiales
Estilo: Herreriano
Localización: Sierra de Guadarrama
Descripción formal
El conjunto ocupa un rectángulo de 207 metros por 161 metros, con cuatro torres en los ángulos coronadas por chapiteles o agujas recubiertos de pizarra y cubierta a dos aguas con ventanas y chimeneas. La fachada principal articula toda la planta en forma de parrilla, en clara alusión al martirio de San Lorenzo.
A la sobriedad de la piedra granítica de color gris se le añade la utilización del orden toscano en la mayor parte del conjunto y el dórico en la iglesia. Este estilo es conocido como herreriano, debido al nombre del principal arquitecto Juan de Herrera.
El lugar escogido por Felipe II era un lugar aislado de la sierra de Guadarrama, con lo que la grandiosa fábrica del Monasterio quedaba aislada y a la vez integrada en el paisaje circundante. Nace como un monasterio de monjes de la orden de San Jerónimo, como iglesia, panteón real y como residencia-palacio de Felipe II. Fundado para conmemorar la victoria en la batalla de San Quintín contra los franceses.
Modelos e Influencias
A pesar de la gran innovación que supone el proyecto de Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, la fuente principal para la elaboración de la trama arquitectónica de la planta de El Escorial la encontramos en la planta del antiguo hospital de Milán de Filarete.
Por otro lado, el gran edificio que proyecto Bramante para San Pedro del Vaticano tiene una cierta influencia, por tanto dos principales arquitectos de El Escorial tuvieron que conocer ambas obras en Italia.
Esculturas Renacentistas: David, Piedad y Moisés
David de Donatello
Autor: Donato di Niccolò di Betto Bardi
Cronología: 1444-1446
Tipología: Escultura exenta
Material: Bronce
Medidas: 1,58 m (alto)
Estilo: Renacentista
Tema: Bíblico
Localización: Museo Nazionale del Bargello (Florencia)
Descripción formal
Donatello representa a un joven desnudo, de pie, con el pelo largo, con sombrero y calzando botas hasta las rodillas. En la mano izquierda, David lleva una piedra con la que ha abatido a su enemigo y, en la derecha, sostiene una espada con la que le ha cortado la cabeza.
Su pierna derecha soporta firmemente el peso del cuerpo erguido y la izquierda descansa sobre la cabeza de Goliat, el adalid de los filisteos.
Su desnudez permite apreciar con mayor claridad el suave modelado del cuerpo y el juego de curvas compositivas que dibujan su anatomía.
Esta actitud de reposo es magníficamente correspondida por su rostro, que transmite una sensación de serenidad debido a las estudiadas proporciones de sus facciones.
La sinuosidad de los contornos delicados se refuerza con la perfección anatómica de su musculatura, que imprime al personaje una sexualidad ambigua.
Históricamente se ha interpretado el yelmo de Goliat (con visor y alas) como una alusión a los duques de Milán, que en esta época amenazaban a Florencia, representada por David, que lleva en la cabeza el sombrero típico de los campesinos florentinos.
La desnudez misma del héroe puede interpretarse como una referencia al origen clásico de Florencia.
Modelos e Influencias
A pesar de tratarse de un tema bíblico, Donatello tomó como referencia los modelos de la estatuaria griega clásica. Esta influencia se aprecia no solo en el atrevimiento de mostrar un cuerpo desnudo, sino también en la composición — imitando la curva de Praxíteles y con un ligero contrapposto—, en la suavidad y delicadeza de los contornos y en las facciones del personaje. Donatello fue el primero en inaugurar los nuevos cánones de belleza renacentista.
David de Miguel Ángel
Autor: Miguel Ángel Buonarroti (Caprese, 1475 – Roma, 1564)
Cronología: 1501-1504
Material: Mármol
Medidas: 517 cm (alto)
Localización: Galleria dell’Accademia (Florencia)
Descripción formal
David lleva en la mano izquierda la honda, que cae sobre el hombro y la espalda, mientras que el brazo derecho pende verticalmente. La cabeza se mueve también hacia la derecha, sesgadamente, ofreciendo el perfil al espectador que mira frontalmente.
Una pierna ligeramente doblada avanza hacia delante, mientras la otra, tensa, obliga a una ligera comprensión del torso, a la manera de algunos kouroi griegos.
La obra está hecha para ser vista de frente y tiende a marcar lo desmesurado de las proporciones: la mirada se desliza por las piernas y el tronco hasta alcanzar el gesto contenido del rostro, consciente del eje sobre el que gira, del que es ligeramente excéntrica.
El movimiento es contenido, centrípeto, con líneas de fuerza que retornan al bloque de piedra. La cabeza nos permite percibir la pasión del rostro, con su intensa sensación de vida interior, de figura que respira, casi jadeante, a la expectativa de un acontecimiento culminante, premonición de la terribilitá miguelangelesca. Esta manera de concebir las formas corporales supone un alejamiento del clasicismo en favor de la expresividad del Manierismo.
A pesar de que Miguel Ángel rompe en esta obra las normas de la proporción clásica, sigue venerándose como un icono de la clasicidad.
Miguel Ángel rompe con la tradición iconográfica florentina de representar a David como un adolescente desnudo (tradición de Ghiberti, Donatello o Verrocchio) con la cabeza de Goliat a sus pies, convirtiendo al héroe bíblico en héroe renacentista como símbolo de la fuerza republicana de Florencia.
El éxito del David fue tan clamoroso que una comisión, entre cuyos miembros se contaban Leonardo y Botticelli, decidió colocarlo en la célebre plaza de la Signoria en vez de en la Catedral; allí se convirtió en símbolo político de la ciudad de Florencia.
Modelos e Influencias
Como icono del arte occidental, el David de Miguel Ángel ha sido a lo largo de los siglos modelo y fuente de inspiración para miles de obras de arte de todo tipo.
De todos modos, dentro del mismo tema iconográfico, un siglo más tarde, Gian Lorenzo Bernini convirtió la herencia miguelangelesca en una escultura de gran dinamismo y expresión, característica del Barroco.
Piedad de Miguel Ángel
Autor: Miguel Ángel Buonarroti
Cronología: 1498-1499
Tipología: Escultura exenta
Material: Mármol
Medidas: 1,74 × 1,95 m
Localización: Basílica de San Pedro del Vaticano
Descripción formal
Las dos figuras dibujan una composición piramidal. El cuerpo desnudo de Cristo descansa en el regazo de María, con el brazo derecho y ambas piernas colgando e ingrávidos. Su rostro es sereno, sin ninguna expresión de dolor, como el de María, que con la cabeza inclinada no dirige la mirada al espectador. Ambos personajes muestran una belleza platónica (ideal) con la que el autor quiere comunicar el concepto de perfección.
El trabajo de modelado del material es extraordinario, porque consigue una gran sensación de dinamismo y flexibilidad en los vestidos de la Virgen.
También son excelentes la precisión y la nitidez con que trata todos los detalles anatómicos –incluso los más nimios– del cuerpo de Cristo –la musculatura, las venas del brazo…– y los estigmas de la Pasión –la herida del clavo en la mano y la lanzada en el lado derecho del pecho.
Este resultado parece mucho más extraordinario si se conoce la forma de trabajar del artista, a partir de un bloque de mármol único del cual iba extrayendo paso a paso las figuras a base de ir eliminando el material sobrante.
Miguel Ángel pensaba que la imagen que quería estaba en el interior del bloque de piedra y el trabajo escultórico consistía en eliminar el envoltorio en que estaba encerrada la figura.
La escultura se instaló en la Iglesia de Santa Petronella porque en ella estaba enterrado el cardenal que la encargó. Más tarde fue trasladada al interior de la basílica de San Pedro.
Temática
La Piedad es la interpretación iconográfica de la Virgen con el cuerpo muerto de Jesús en el regazo, basada en una idea propia de la literatura mística del siglo XV donde se suponía que María había acogido en sus brazos el cuerpo de su hijo después del descendimiento.
Se muestra a María muy joven para simbolizar así la belleza ideal. Es la única estatua firmada por Miguel Ángel.
Moisés de Miguel Ángel
Autor: Miguel Ángel Buonarroti
Cronología: 1513-15 y 1542
Material: Mármol
Medidas: 235 cm (alto)
Localización: San Pietro in Vincoli (Roma)
Descripción formal
Moisés está representado en posición sedente y con la cabeza barbuda dirigida hacia la izquierda, coronada por los cuernos que lo identifican. Su brazo derecho se apoya sobre las tablas de la ley, mientras que su mano acaricia su tupida barba. En su conjunto monumental remite a los propios profetas de la bóveda de la capilla Sixtina, principalmente a Jeremías.
La exagerada musculatura y torsión de la figura son la máxima expresión del Manierismo maduro de Miguel Ángel. Obra trabajada en todo su volumen adquiere todo su valor al ser vista de frente dentro de una cavidad. Realizada en varios periodos de la vida del artista es un reflejo de su personalidad cambiante. Cuenta la leyenda que él mismo golpeó la escultura con el martillo en un arrebato, en los últimos años antes de su instalación en San Pietro in Vincoli, preguntándole “¿Por qué no me hablas?”, esperando que cobrase vida como el mito de Pigmalión.
Por otra parte, los estudios demuestran que el maestro cambió la postura de la cabeza en uno de los últimos periodos, ya que esta no estaba girada en un principio y finalmente la inclinó hacia un lado, un detalle de la finura técnica que tenía Miguel Ángel, capaz de hacer este cambio sin que hoy se pueda apreciar.
Temática
Moisés es una figura central tanto para el judaísmo como para el cristianismo y el islam. La estatua en concreto representa al gran patriarca judío que liberó a su pueblo de la esclavitud a la que le tenían sometidos los egipcios, conduciéndoles hasta la tierra prometida. Miguel Ángel nos lo muestra con las tablas de la Ley que le ofreciera Dios en su retiro en el Monte Sinaí. En esas tablas se encuentran los Diez Mandamientos básicos que deberá cumplir el pueblo hebreo.
Mirando fijamente hacia su pueblo que, aprovechando su ausencia, comenzó a adorar al Becerro de Oro construido a semejanza de un ídolo egipcio. Moisés arrojó las tablas contra el ídolo destruyéndose mutuamente. Moisés recibió las leyes y fueron adoptadas por el pueblo.
Monumento Ecuestre al Condottiero Gattamelata
Autor: Donato di Niccolò di Betto Bardi
Cronología: 1447-1453
Material: Bronce
Medidas: 340 x 390 cm, y se apoya sobre un zócalo de 7,80 x 4,10 m
Tema: Conmemorativo
Localización: Piazza del Santo (Padua)
Descripción formal
El conocido como Gattamelata de Donatello es la primera escultura ecuestre de grandes dimensiones fundida en bronce en la época moderna.
Se trata de una de las primeras esculturas de la Edad Moderna concebida como obra libre en relación a un entorno urbanístico, sin estar supeditada a la arquitectura.
Su posición elevada muestra el poder y la autoridad del condottiero que domina el espacio circundante y a los observadores que lo ven en un acentuado contrapicado desde múltiples puntos de vista.
El gesto altivo, su bastón de mando y su vestimenta lo asemejan a un emperador romano y, a pesar de un cierto hieratismo, muestra una expresión entre heroica y fiera. Aunque bebe de las fuentes clásicas, como el monumento ecuestre de Marco Aurelio, representa a un caballo idealizado pero con los instrumentos de montura de la época y con un ademán de movimiento muy controlado que solo se insinúa a través de la ligera curvatura de la pata delantera que reposa sobre una esfera.
El movimiento de las patas traseras del caballo insinúa un cierto dinamismo que contrasta con la postura más quieta de Marco Aurelio.
Temática
La escultura fue erigida en Padua como homenaje al condottiero de la república veneciana Erasmo da Narni, conocido como Il Gattamelata; como monumento-tumba con la cámara funeraria bajo la imagen ecuestre del condottiero, y como símbolo de un personaje más temido que amado por el pueblo, según Maquiavelo definía a los hombres de armas.
Modelos e Influencias
Donatello se sirvió de modelos clásicos, principalmente de la estatua ecuestre de Marco Aurelio en Roma, pero también de modelos contemporáneos a él mismo y cercanos geográficamente como los caballos de la plaza de San Marcos de Venecia.