Lucian Freud: Benefits Supervisor Sleeping
Interpretación de la Obra
La obra Benefits Supervisor Sleeping de Lucian Freud se caracteriza por varios aspectos clave:
- Estudio Psicológico y Realismo Crudo: Freud prioriza el estudio psicológico, combinando un realismo crudo con actitudes desinhibidas que pueden resultar sórdidas e incómodas para el espectador. No busca un parecido exacto, sino reflejar la esencia y personalidad de sus personajes. El estilo de este retrato, con una mujer con obesidad mórbida desnuda en un sofá anticuado, es un claro ejemplo de feísmo.
- Atmósfera y Color: Freud creía que las personas reflejan un aura y una atmósfera en un espacio. Logra crear esta atmósfera armonizando los colores pastel de los objetos circundantes con los tonos de la piel.
- Impasto y Emoción: A través del impasto, pinceladas sueltas y restregados, Freud crea una superficie pictórica que busca transmitir emociones, penetrando más allá de lo físico para representar el alma de los sujetos.
Aspectos Técnicos y Formales
- Textura e Impasto: Uso de texturas a través del impasto y toques de espátula para crear una superficie con efectos de imperfecciones.
- Pigmentos: Empleo de blanco de plomo, un pigmento tóxico, para lograr tonos de piel carnosos. Freud adquirió grandes cantidades de este óleo antes de que fuera retirado del mercado.
- Gama de Colores: Uso de ocres, rosados, marrones, verdosos y morados aplicados en manchas o impasto, creando una armonía en toda la obra (sofá, suelo, cuerpo desnudo).
- Luz: Foco de luz difuso que viene desde arriba, extendiéndose por la habitación con pocas sombras propias. El cuerpo tiene volumen modelado por los tonos de colores, sin destacar excesivamente una zona.
- Punto de Vista: Picado, permitiendo ver la magnitud del cuerpo que ocupa todo el ancho del sofá.
Mark Rothko: Centro Blanco
Aspectos Técnicos y Formales
- Técnica: Óleo sobre tela. Aplicación de la pintura en capas finas sucesivas (veladuras) ricas en pigmento, con poco aglutinante y mucho disolvente.
- Tamaño: Gran formato, buscando que el espectador se sumerja en la obra.
- Pincelada: No se aprecia dirección ni gesto en la pincelada. El color se diluye de forma líquida, extendiéndose en veladuras que crean una superficie uniforme y casi plana.
- Color: Predominio de colores cálidos (amarillo, naranja y magenta) con un rectángulo blanco en el centro, remarcado por una línea negra.
Eduardo Chillida: El Elogio del Horizonte
Aspectos Técnicos y Formales
El Elogio del Horizonte de Eduardo Chillida es una escultura de bulto redondo de 10 metros de altura y una elipse en planta de unos 15 metros de diámetro. Está construida principalmente con hormigón aluminoso mediante la técnica del encofrado.
Proceso de Creación:
- Chillida realizó varias maquetas pequeñas de acero y madera antes de llegar a la forma final.
- Se construyó una maqueta de poliestireno expandido a tamaño natural en una nave industrial.
- Esta maqueta se utilizó como molde para el hormigón fresco.
- La escultura se trasladó a Gijón y se montó pieza a pieza.
La obra tiene un grosor de 1.4 metros y combina formas geométricas curvas con líneas rectas, integrando la masa con el vacío y dejando un gran espacio interior.
Material:
El hormigón utilizado se compone de cemento y agua, que le confieren la capacidad de fraguado y endurecimiento, y de árido (arena o grava), un material inerte. El cemento se hidrata con el agua, iniciando reacciones químicas que lo convierten en una pasta maleable y adherente. Con el tiempo, la mezcla fragua, obteniendo un material pétreo.
Frank Gehry: Museo Guggenheim Bilbao
Contexto y Relevancia
El Museo Guggenheim Bilbao, diseñado por Frank Gehry y finalizado en 1997, es un ejemplo clave de la arquitectura deconstructivista.
- Influencia del Cubismo y Deconstructivismo: Gehry, influenciado por el cubismo, desarrolló su propio estilo deconstructivista experimentando con materiales baratos y reciclados. Su propia casa fue su primera obra deconstructivista, utilizando chapas, telas metálicas y aluminio ondulado.
- “Efecto Guggenheim”: Gehry no solo cambió la percepción de los museos, sino que también revitalizó la economía de Bilbao. El “Efecto Guggenheim” se refiere a la transformación de una ciudad a través de la construcción de un edificio arquitectónico significativo.
Jorge Oteiza: La Caja Metafísica
Movimiento Artístico y Características
La Caja Metafísica de Jorge Oteiza se inscribe en la escultura moderna, influenciada por vanguardias como el cubismo y el constructivismo.
Características Principales:
- Formas Planas (Cubismo): La obra se compone de planos de planchas de hierro cortados y unidos mediante soldadura.
- Empleo del Hueco: Cada cara está recortada por cortes oblicuos, y los planos delimitan un espacio vacío.
- Geometría y Abstracción (Constructivismo): Estructura con múltiples puntos de vista y líneas inclinadas que recrean un espacio sagrado y místico.
Contexto y Relevancia
Caja Metafísica (1958) fue creada por el escultor vasco Jorge Oteiza, un exponente clave de la Escuela Vasca de escultura.
- Propósito Experimental: Oteiza, influenciado por el constructivismo, se embarcó en un “Propósito Experimental”, explorando la noción de que el arte nace de una nada para llegar a una Nada que es Todo.
- Experimentación y Espiritualidad: Inspirado por Kandinsky, Mondrian y Malevich, Oteiza experimentó con el vaciamiento de cuerpos geométricos simples (cilindro, esfera, cubo), creando “familias experimentales” o series. Encontró en el cubo la solución para definir un espacio vacío lleno de energía espiritual.
Aspectos Técnicos y Formales
- Material: Planchas de hierro.
- Técnica: Corte y soldadura.
- Serie Experimental: Parte de una serie de cajas de 30 x 30 x 30 cm.
- Desocupación Espacial: Creación de un cubo con cortes en sus caras, generando una relación positivo-negativo o sólido/vacío. El interior es un espacio vacío.
- Perspectiva: El espacio del cubo es expresivo, con paredes recortadas en diferentes ángulos, no paralelos.
- Ausencia de Volumen: Las planchas delgadas buscan desmaterializar la escultura, convirtiéndola en un espacio.
Edvard Munch: El Grito
Movimiento Artístico y Características
El Grito de Edvard Munch es una obra clave del expresionismo, caracterizada por la deformación de la realidad y el uso del color para expresar sentimientos de angustia y soledad.
Aspectos Clave:
- Técnica: Pincelada libre, suelta y ancha, con trazos lineales.
- Dibujo Simplificado y Primitivismo: Deformaciones en la figura humana (cabeza-calavera-máscara).
- Color No Realista: Uso de contrastes y gamas complementarias (azul/naranja) para transmitir energía.
- Composición: Predominio de líneas ondulantes y paisaje deformado.
Interpretación y Simbolismo
- Angustia y Ansiedad: Reflejo de una mente frustrada, con depresión y pensamientos oscuros. Esto se transmite a través de trazos lineales curvos y una pincelada libre.
- Gama Cromática: Uso de azules y una paleta oscura para crear una armonía sombría, en contraste con los naranjas del cielo.
- Expresión Facial: Rostro amomiado, cabeza-máscara-calavera, y cuerpo débil y deformado, evocando la angustia existencial.
Composición y Centro de Interés
- Figura Aislada: Centro de interés que resume la intención de la escena (miedo y angustia existencial).
- Hombre vs. Naturaleza: El hombre aparece insignificante ante la naturaleza, integrado en sus curvas, expresando su envoltura en la fuerza y el abismo de la naturaleza.
- Línea Diagonal: Separa el cuadro en dos partes: la zona construida (muelle y barandilla) y la naturaleza salvaje (líneas curvas), reflejando el caos existencial del hombre moderno.
Contexto Histórico y Personal
El Grito (1893) es un representante clave del expresionismo y el modernismo/simbolismo. Refleja la angustia existencial del hombre moderno en la transición del siglo XIX al XX, su soledad y desesperación. Munch experimentó la pérdida de su madre y hermana a temprana edad, y él mismo sufrió crisis nerviosas. “La enfermedad, la locura y la muerte fueron los ángeles negros que guardaron mi cuna”, escribió el pintor.
Aspectos Técnicos y Formales (Detallado)
- Técnica Mixta: Óleo y pastel sobre cartón. Aplicación de finas capas de óleo y líneas a pastel.
- Colores: Gamás de contrastes de primarios/complementarios. Uso de naranja, amarillo y blanco roto en el cielo; azul oscuro, verde y amarillo en el agua. El azul se asocia con la muerte, presente en la figura principal y las siluetas del fondo.
- Pincelada: Ancha, suelta y rápida, prescindiendo del dibujo conciso y del modelado de la luz, excepto en la perspectiva de la barandilla.
- Formas Curvas: Tanto la figura principal como el paisaje tienden a curvarse, llegando a ser arremolinadas en los fondos.