BLOQUE II: EL ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1900)

1. La Arquitectura

En el siglo XIX, la evolución de la arquitectura está estrechamente ligada a la utilización de nuevos materiales y nuevas técnicas de construcción. El movimiento romántico, con su característica vuelta al pasado, propicia el resurgimiento de estilos antiguos como el gótico, el románico y otras tendencias medievales. Este movimiento se denominó Historicismo.

El Historicismo surgió como oposición al Neoclasicismo, influenciado por el romanticismo, y se mantuvo hasta la llegada del Art Nouveau o Modernismo. Los arquitectos comenzaron a emplear el hierro y otros materiales como el cristal.

Surgen nuevos estilos a los que se les añade el prefijo “neo”, ya que representan una vuelta al pasado. Aparecen el neogótico, el neorrománico y el neomudéjar.

Paralelamente a esta recuperación de estilos pasados, surge una nueva corriente arquitectónica: el eclecticismo. Un ejemplo notable es el Parlamento de Londres de Charles Barry. Esta construcción combina elementos clasicistas (simetría, regularidad de la planta) con una decoración gótica. Se observa una tendencia a la horizontalidad, aunque elementos como los pináculos apuntan a la verticalidad, característica del gótico.

Otra tendencia dentro de los “neo”, de raíz española, es el neomudéjar. Se caracteriza por el uso del ladrillo y la decoración con cerámica vidriada.

Destaca el Teatro Falla en Cádiz:

• Comenzó a construirse en 1884 y finalizó en 1905.
• De estilo neomudéjar, está construido en ladrillo rojo.
• Presenta tres grandes puertas de arco de herradura en su fachada principal, con dovelas alternas en rojo y blanco.
• Su planta tiene forma de herradura, a la que se adaptan los pisos, cada uno rodeado por una galería que enlaza con las escaleras de acceso. Estas arrancan desde un gran vestíbulo reformado en los años 20.
• Para la fachada, se utilizó piedra caliza, formando un basamento de 120 centímetros de alto, y ladrillo visto desde dicho basamento hasta la coronación.

El eclecticismo implica la recuperación de diversos estilos, especialmente los de la Edad Media. Frecuentemente, se mezclan elementos de diferentes culturas y épocas en un mismo edificio. Comienza alrededor de 1870 con algunas viviendas burguesas. Un ejemplo destacado es la Ópera de París de Charles Garnier.

Características de la Arquitectura Neogótica:

• Arco apuntado y pináculos que acentúan la verticalidad.
• Bóvedas de crucería, contrafuertes y arbotantes para contrarrestar el empuje de las bóvedas.
• Predominio del vano sobre el muro. Los muros se llenan de vidrieras.

2. Los Inicios de la Fotografía: Niepce, Louis Daguerre y el Comienzo del Retrato Fotográfico con Nadar

Fotografía:

• La fotografía nace hacia 1840. Sus antecedentes incluyen la cámara oscura y la caja estenopeica.
• Maxwell realizó la primera fotografía a color.

Durante la segunda mitad del siglo XIX se suceden tres grandes corrientes fotográficas:

• Fotografía academicista o artística: Se modifica la realidad como si se tratase de una pintura, copiando los temas y adornándola con disfraces, decorados e iluminaciones.
• Pictorialismo: Busca crear fotografías con alto valor artístico. La pintura imita a la fotografía.
• Realismo fotográfico: Iniciado por el francés Nadar, defiende la no intervención ni modificación de la realidad ni de los procesos fotográficos. Solo se cuidan la iluminación, el encuadre y las poses de los retratados.

El cine: invento y primeros pasos. Cine mudo:

• En 1919 se fundó la productora United Artists.
• El gran dictador, de Charles Chaplin (1940).

BLOQUE III: LAS VANGUARDIAS

1. Impresionismo y Postimpresionismo

La palabra “impresionismo” surge tras la contemplación, por parte del crítico de arte Leroy, de la obra Impresión, sol naciente de Monet.

El impresionismo busca captar el momento, la forma en que vemos las cosas y la sensación que nos producen. Los artistas salían a trabajar al aire libre para captar el instante. Velázquez ya había captado no solo el aire (Las Hilanderas), sino el instante de la creación (Las Meninas), plasmando un momento vivo, no congelado.

La fotografía, surgida en la segunda mitad del siglo XIX, transformó el arte, ofreciendo una nueva forma de observar la realidad y mostrando detalles antes imperceptibles.

Los impresionistas defienden una nueva posición del arte, que deja de estar atada a la realidad.

Hasta ese momento, los artistas se daban a conocer en exhibiciones llamadas Salones. Si sus obras no eran del agrado del jurado, eran rechazadas y criticadas, cerrándoles las puertas. En 1863 se organizó el Salón de los Rechazados, donde se expusieron obras de artistas como Manet.

1.1. La técnica impresionista

Los pintores impresionistas revolucionaron la forma de pintar. Se rebelaron contra los dictámenes académicos y, de ser rechazados, pasaron a rechazar la tradición, ganando simpatizantes y el apoyo de burgueses adinerados.

Características técnicas y formales de la pintura impresionista:

• Industrialización de los materiales: La técnica principal es el óleo sobre lienzo. También se utiliza el pastel. Técnicas como la pintura mural o al temple caen en desuso.
• La luz: Predominio de la luz en los cuadros.
• Pintura al aire libre: Los impresionistas salen a la calle para captar la luz.
• Pincelada suelta y rápida: Pinceladas cortas, rápidas y con grandes empastes de pintura.
• Colores luminosos: Pinceladas de color puro en el lienzo; la retina del espectador las mezcla en el cerebro (mezcla óptica, utilizada por Seurat).
• Paisajes: Temas recurrentes, tanto rurales como urbanos. La fotografía introduce nuevos encuadres y puntos de vista, destacando el encuadre selectivo, donde predomina el fragmento.
• Artistas: Manet es considerado precursor y padre del Impresionismo, rompiendo con la pintura anterior. Obras destacadas: El almuerzo en la hierba, Olympia y Bar de Folies Bergerès.

Monet es el pintor impresionista por excelencia; su lienzo Impresión, sol naciente dio nombre al estilo. Sus obsesiones eran la luz, su reflejo en el agua y los edificios, pintar al aire libre y captar el momento. En La Catedral de Ruán, plasma el mismo edificio varias veces, según la hora y la luz. La pincelada es ágil, rápida y breve. Los nenúfares son una constante en su obra.

Degas se interesa por los interiores y es conocido como el pintor de las bailarinas, aunque también realizó desnudos en posiciones inusuales, como El barreño. Destaca también El ensayo.

Renoir es un pintor alegre por la viveza de sus colores y la representación de la alegría de vivir, como en Baile en el Moulin de la Galette, donde encontramos colores puros, reflejo de la luz y pincelada suelta. Tras un viaje a Italia, se centra más en el desnudo femenino, como en Bañista secándose una pierna.

1.2. El Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin, Van Gogh

El Postimpresionismo surge a raíz del Impresionismo, sin características fijas, ya que cada pintor aporta una visión diferente.

Toulouse-Lautrec capta el ambiente nocturno y no se interesa por pintar al aire libre. Sus obras suelen ser dibujos a lápiz o carteles publicitarios, destacando la forma, el dibujo y una línea sinuosa, como en Mujer en el baño.

Cézanne es considerado el padre del arte moderno. Su rasgo principal es la geometrización. Los matices de luces desaparecen; se centra en los objetos, como en La Montaña de Sainte Victoire. Esto también se aprecia en retratos como Los jugadores de cartas. El color cede paso a la figura, reduciéndola a lo esencial. Su pintura se aleja de la figuración.

Van Gogh, pintor holandés, vivió un tiempo con Gauguin. Su mirada está abierta a influencias como la luz, el color (que utiliza para expresar sentimientos), el impresionismo y la estampa japonesa. Su pincelada es rápida, gruesa y acelerada. Solo logró vender un cuadro en vida.

2. El Cubismo

El cubismo, formulado por Pablo Picasso y Georges Braque en 1907, supone la ruptura definitiva con la tradición. Se considera Las señoritas de Aviñón de Picasso como punto de partida.

• Nueva relación entre el espectador y la obra de arte.
• Arte mental.
• Descomposición de la realidad mediante la perspectiva múltiple.
• Monocromatismo.
• Autonomía del lienzo frente a la realidad.
• Representación de la cuarta dimensión: el movimiento.
• Eliminación de lo superfluo.
• Incorporación de nuevas técnicas como el collage y el ensamblaje.

3. Picasso

La vida de Picasso se divide en cuatro etapas:

1. Infancia y juventud. Etapas azul y rosa: Nació en Málaga en 1881. Se trasladó a La Coruña y luego a Barcelona, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes. De esa época es Ciencia y caridad (16 años). A los 20 años se instala en París. El suicidio de su amigo Casagemas marca el inicio de su etapa azul, teñida de melancolía (El guitarrista ciego, La vida). Conoce a Fernande Olivier, comenzando la etapa rosa (Los acróbatas).
2. Cubismo: Tras ver una escultura africana en casa de Matisse, crea Las señoritas de Avignon en 1907. En 1911 realiza la primera exposición cubista. Se produce la ruptura con las estructuras tradicionales, llegando casi a desaparecer las figuras y el colorido. Este es su periodo analítico (Paisajes de Horta del Ebro, Retrato de Ambroise Vollard). Un año después crea el primer collage, Naturaleza muerta con silla de rejilla, otorgando una nueva dimensión plástica al objeto descontextualizado. Esta fase se conoce como etapa sintética. La fase final del cubismo es el periodo hermético (Los tres músicos).
3. Neoclasicismo y surrealismo: (Mujeres corriendo a la orilla del mar). En los años 20 se une al grupo surrealista. El Guernica: En 1936 es nombrado director del Museo del Prado. El gobierno de la República le encarga un cuadro que refleje la barbarie de la Guerra Civil en Guernica. El Guernica es un cántico a la paz. Su bicromía en tonos blancos y negros es una influencia del periodismo fotográfico. Se considera cubista, expresionista y surrealista.
4. Etapa final: Durante sus últimos años, estudia y reinterpreta obras maestras de la historia de la pintura occidental.