La Pintura del Quattrocento

Al igual que el resto de las disciplinas, la pintura renacentista italiana surge en Florencia en el siglo XV, continuando la evolución iniciada por Giotto. Es una pintura que se centra en el estudio de la figura humana, la representación del espacio y de la luz. Hay diferentes escuelas con características propias, pero es la escuela florentina la de mayor importancia, pues sintetiza las diversas corrientes que forman la pintura italiana de este período.

Características Generales de la Pintura del Siglo XV

En el siglo XV, la pintura sigue teniendo un fuerte componente religioso, pero con un significado diferente al medieval, mostrando un proceso de desacralización. Se incluyen donantes en las escenas religiosas y surgen temas profanos como la mitología, la historia y el retrato, que refleja el individualismo de la época.

Características principales:

• Composición: Clara y estructurada, con figuras interconectadas por miradas y gestos.
• Luz: Se maneja con precisión para dar volumen y ambiente (ej. Masaccio, Uccello, Piero della Francesca).
• Anatomía y perspectiva: Mayor realismo en la figura humana y uso de la perspectiva lineal para dar profundidad.
• Escorzo: Técnica que otorga dinamismo y distintos puntos de vista (ej. Cristo Muerto de Mantegna).
• Materiales y técnicas: Uso del fresco, temple sobre tabla y aparición del lienzo para óleo.
• Centros artísticos: Florencia es la capital artística del Quattrocento, mientras que Roma dominará en el Cinquecento.
• Artistas destacados: Fra Angélico, Masaccio, Botticelli, Piero della Francesca y Andrea Mantegna.

Este período marca el inicio del Renacimiento pictórico, con un enfoque en el realismo, la perspectiva y la representación idealizada del ser humano.

Pintores Italianos del Quattrocento

A) Fra Angélico

Su obra intentó armonizar el arte religioso medieval con la nueva estética renacentista italiana. Esto explica que en su obra convivan pervivencias góticas con las innovaciones de la pintura renacentista.

Entre los aspectos góticos de su obra destacan:

• La utilización del pan de oro.
• La realización de una pintura lineal preocupada por el dibujo.
• La pervivencia de una iconografía propia del Gótico.
• La realización de figuras estilizadas con formas curvas, advirtiéndose una clara influencia de la Escuela Sienesa del Trecento, y concretamente de Simone Martini.

Entre las innovaciones renacentistas de su obra pueden citarse:

• La importancia que otorga a la ambientación de las escenas, recurriendo tanto a fondos arquitectónicos clásicos como paisajísticos realistas.
• Sus figuras ganan en volumen y marcan sus formas anatómicas a través de los ropajes.
• Consigue crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal.
• Muestra una gran maestría en la representación del movimiento.

A estas características hay que añadir otras como el predominio de los temas religiosos; el colorido de sus obras, en las que utiliza con profusión los tonos pastel como el rosa, el azul lapislázuli, así como el dorado; la espiritualidad y la expresividad de los rostros de las figuras.

Las características aquí expuestas se pueden apreciar en obras como La Anunciación del Museo del Prado o de San Marcos de Florencia, La Coronación de la Virgen o La Virgen de la Humildad.

B) Tommaso Masaccio

Con él se inicia el nuevo estilo en pintura, lo mismo que con Brunelleschi o Donatello en arquitectura y escultura respectivamente.

Las características más destacables de su pintura son:

• La importancia concedida a los fondos de sus obras. Tanto si son paisajes como arquitectura se caracterizarán por su naturalismo.
• Dotó a las figuras de peso, volumen y monumentalidad (son figuras que se pueden rodear). Hasta ese momento, las figuras parecían recortarse sobre el fondo. Por el contrario, las de Masaccio transmiten al ojo la sensación de tener consistencia física.
• Recupera para la pintura renacentista el desnudo entendido en el sentido clásico, como se puede apreciar en La Expulsión del Paraíso de la capilla Brancacci. El cuerpo humano es tratado como referente de belleza.
• El predominio de la línea sobre el color.
• Concede gran importancia a la expresión y a los gestos de sus personajes, así como al empleo de la luz, que servirá para dar volumen a sus figuras.
• Utiliza más una perspectiva aérea que lineal; para ello usa las gamas cromáticas frías en los sectores del cuadro más alejados y recurre a la gradación de la intensidad de los contornos para determinar, junto con la escala, la situación espacial.
• La mayor parte de sus obras las realizó con la técnica del fresco.

A pesar de su corta vida, tendrá una gran influencia en artistas tanto del Quattrocento como del Cinquecento: Botticelli, Fra Filippo Lippi o el propio Miguel Ángel.

Sus obras clave fueron las pinturas al fresco que realizó para la capilla Brancacci de la iglesia del Carmine de Florencia: Adán y Eva o El Tributo de la Moneda entre otras. También es reseñable La Trinidad de Santa María Novella en Florencia.

C) Sandro Botticelli

Botticelli pertenece ya a una segunda generación de artistas renacentistas y representa una visión de la pintura muy diferente de la que tiene Masaccio. Si la de éste fue sobre todo al fresco, la de Botticelli fue pintura de caballete; si aquél vivió siempre preocupado por las conquistas y problemas técnicos (representación “científica” del espacio), éste fue un pintor que se dejó llevar tan solo por la inspiración, relegando a muy segundo plano las reflexiones teóricas.

Las características más destacables de su obra son:

• Fue el máximo intérprete del neoplatonismo de la época, con su fusión de temas cristianos y paganos y su elevación del esteticismo como un elemento trascendental en el arte.
• Su formación humanística se manifestó en sus alegorías, representaciones simbólicas de temática mitológica o clásica.
• Consigue captar la belleza de manera magistral: los rostros de sus diosas son delicados y la misma cara sirve para representar la belleza de Venus y de María.
• Domina en él la vocación de dibujante, la línea prevalece sobre los colores. Su obra posee una amplia y rica gama cromática, con gran cantidad de tonalidades intermedias.
• Aunque el carácter renacentista de su obra es indiscutible y se pone de manifiesto en aspectos como sus estudios de perspectiva, el gusto por los temas mitológicos y alegóricos o la representación de arquitecturas clásicas, lo cierto es que en su obra todavía se aprecia cierta huella de la pintura gótica: en las líneas sinuosas y en el dinamismo de sus figuras.
• Sus obras aparecen enmarcadas en unas atmósferas límpidas y transparentes.
• Trabajó principalmente con la técnica del temple sobre tabla, aunque, a veces, utilizó como soporte el lienzo. También efectuó alguna pintura mural al fresco.
• Los temas que aborda son tanto religiosos como mitológicos y alegóricos.

Entre las obras de carácter religioso pueden citarse: La adoración de los Reyes Magos, El Díptico de Judit o La Virgen del Magnificat. Entre las obras de temática mitológica o alegórica sobresalen El Nacimiento de Venus y La Primavera.

La Pintura del Cinquecento y el Manierismo

Dentro de la pintura del Cinquecento es necesario distinguir dos periodos: uno clasicista que abarca en Italia las tres primeras décadas del siglo XVI; otro manierista que se extiende hasta finales de ese siglo, momento en que deja paso a otro estilo: el Barroco.

El Clasicismo (Alto Renacimiento)

El clasicismo, en el que se incluyen genios de la pintura como Leonardo da Vinci, Rafael o Miguel Ángel, presenta las siguientes características:

• Se tiende a la eliminación de lo anecdótico, de los detalles accesorios. No se pretende divertir al espectador como en el Quattrocento sino conmoverlo.
• El centro de la pintura sigue siendo el hombre, pero se dan una serie de cambios: La imagen es mucho más elegante. Nace una clara preocupación por la belleza. El artista se preocupa por la psicología de los personajes, representándolos en variedad de gestos y actitudes. Por medio de esos movimientos deja entrever el interior del alma de los personajes.
• La pintura del s. XVI tiene unidad de composición: figuras, paisajes y atmósfera están unidos; en el siglo anterior cada elemento del cuadro se analizaba de forma individual. La fusión de las figuras con el paisaje se consigue mediante la técnica del sfumato.
• El enlace de las figuras no será sólo físico, sino también espiritual, comunicándose entre ellos con miradas y gestos.
• Se consigue superar la perspectiva lineal, utilizándose la perspectiva aérea que permite dar sensación de profundidad por medio de los colores (los objetos se ven más pálidos, azules y nebulosos con la distancia), la disminución del tamaño de los objetos y los personajes, y la difuminación de sus contornos.
• Las composiciones suelen ser triangulares y bastante estables.

2.1. Leonardo da Vinci

Leonardo encarna el tránsito del Quattrocento al Cinquecento y ha sido considerado siempre el arquetipo del hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber: fue científico, escritor (Tratado de la pintura), artista y estudioso del cuerpo humano. Aunque realizó tanto obras escultóricas como pictóricas, se sentía sobre todo pintor.

Sus características esenciales son:

• Leonardo es el creador del sfumato o “difuminado”: artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos precisos del Quattrocento y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles.
• El contraste de luces y sombras da volumen a las figuras.
• Sus composiciones son piramidales.
• Estudia las figuras humanas tanto psicológica como anatómicamente.
• Los rostros presentan una dulce y enigmática sonrisa.
• La sensación de profundidad la consigue mediante la utilización de la perspectiva aérea.

Su influencia fue definitiva para artistas de primer orden como Rafael o Correggio.

Entre sus obras destacan: La Virgen de las Rocas, el fresco de La Última Cena, La Dama del Armiño, La Adoración de los Reyes, La Gioconda.

2.2. Rafael

Rafael no es un pintor innovador, sino un artista que lleva a su perfección los descubrimientos de los anteriores, sintetizando las influencias delicadas de Leonardo con las fuertemente agitadas de Miguel Ángel. Su obra es enorme, tratando gran cantidad de temas: religiosos, retratos y grandes composiciones.

Entre las principales características de su obra pueden citarse:

• Sus composiciones sin tensión ni dramatismo; su mundo es amable y sereno.
• Sus composiciones se inscriben generalmente en pirámides y son amplias y profundas.
• Su perfeccionismo en la representación del cuerpo humano.

Entre sus obras destacan las Madonnas (La Virgen del jilguero), el retrato del Cardenal del Prado, y sobre todo La Escuela de Atenas.

2.3. Miguel Ángel

Miguel Ángel siempre se consideró a sí mismo un escultor, lo que influyó profundamente en su pintura. Sus figuras son monumentales, musculosas y voluminosas, reflejando su enfoque escultórico.

Entre sus principales características destaca su uso frecuente del desnudo, a menudo sin una función específica. A diferencia de Leonardo o Rafael, no emplea la técnica del sfumato, por lo que sus figuras tienen contornos bien definidos y se sitúan en ambientes claros y nítidos. Sus colores son intensos y contrastados, predominando tonos vivos como el naranja, azul, verde y rojo.

La luz en su obra es natural y sirve para resaltar el volumen sin crear sombras difusas. Sus personajes se distinguen por posturas dinámicas, contorsionadas e incluso en desequilibrio, lo que aporta un gran dramatismo a sus composiciones. Este dramatismo, conocido como terribilità, es una de sus señas de identidad y contrasta con la serenidad de Rafael.

Además, sus obras suelen mostrar un espacio limitado para las figuras, generando una sensación de tensión y angustia que anticipa el Manierismo. Entre sus creaciones más destacadas están el Tondo Doni, la bóveda de la Capilla Sixtina y El Juicio Final, donde su estilo alcanza su máxima expresión.

La Escuela Veneciana

La Escuela Veneciana de pintura, representada en la primera mitad del siglo XVI por Giorgione y Tiziano, se caracteriza por su énfasis en el color y la sensualidad de sus figuras. A diferencia de la escuela romana, donde predominaba la composición equilibrada y el dibujo preciso, los pintores venecianos priorizan la riqueza cromática, especialmente los tonos cálidos, y otorgan mayor importancia a los temas secundarios y decorativos, como telas lujosas y joyas.

Sus composiciones suelen estar organizadas en diagonales y asimetrías, lo que aporta un mayor dinamismo y contraste con la estabilidad de la pintura renacentista romana. Además, en muchas de sus obras se percibe una fuerte carga sensual, especialmente en los desnudos.

Aunque Giorgione fue el iniciador de esta escuela, el pintor más influyente fue Tiziano, quien abordó una gran variedad de temas, desde escenas mitológicas y alegóricas (La Bacanal, Venus de Urbino), hasta retratos (Carlos V en Mühlberg, Felipe II), y obras religiosas (La Gloria, El Santo Entierro). En sus cuadros, los paisajes y la luz tienen un papel fundamental, evocando la atmósfera brumosa de los cielos venecianos.

A lo largo de su carrera, Tiziano evolucionó desde un estilo detallado y refinado hacia una pincelada más suelta y expresiva, donde los colores, mayormente cálidos, aparecen aplicados con mayor libertad y sin fusionarse completamente, anticipando tendencias pictóricas posteriores.

Pintura Manierista

El Manierismo es un estilo pictórico surgido en la segunda mitad del siglo XVI, aunque existe debate sobre si es una fase final del Cinquecento o un movimiento independiente que anticipa el Barroco. Se caracteriza por una mayor libertad creativa del artista, rompiendo con las normas clásicas del equilibrio y la proporción.

Las pinturas manieristas muestran figuras alargadas, posturas forzadas y un uso extremo del escorzo y la línea serpentinata, lo que genera mayor dinamismo y dramatismo. Las composiciones dejan atrás la estabilidad del clasicismo, con encuadres más estrechos y espacios reducidos que aportan una sensación de tensión.

En cuanto al color, predominan los tonos intensos y contrastados, y los fondos oscuros en los que las figuras aparecen iluminadas como si fueran objetos de luz, anticipando la estética barroca. Estas innovaciones han sido interpretadas como un reflejo de la inestabilidad política y religiosa de la época, marcada por la Reforma y las guerras en Italia.

Algunos artistas renacentistas, como Miguel Ángel y Rafael en su etapa final, ya mostraban rasgos manieristas en sus obras, con posturas retorcidas y dramatismo gestual, especialmente en la Capilla Sixtina o las estancias vaticanas. Sin embargo, uno de los principales representantes del Manierismo fue Correggio, con obras como Leda y el Cisne, donde se aprecia claramente la tensión y la expresividad del estilo.

El Greco

El Greco, nacido en Creta y formado en Italia bajo la influencia de Tiziano y Miguel Ángel, llegó a España con la esperanza de trabajar para la corte de Felipe II. Sin embargo, tras el rechazo de su obra El Martirio de San Mauricio, se estableció en Toledo, donde encontró éxito trabajando para conventos y la nobleza local.

Su estilo es claramente manierista, caracterizado por figuras alargadas y delgadas, con grandes paños flotantes, lo que refuerza el dramatismo y la espiritualidad de sus escenas. Sus personajes reflejan un gran misticismo y expresividad, transmitiendo una intensa carga emocional.

Sus composiciones generan una sensación de agobio, ya que el espacio es reducido y las figuras se agrupan hacia una zona del lienzo, muchas veces elevándose hacia lo alto. Sus fondos son en ocasiones inexistentes y, cuando aparecen, suelen representar paisajes tormentosos o la ciudad de Toledo envuelta en brumas.

Dividía sus cuadros en dos planos diferenciados, el cielo y la tierra, enfatizando el carácter espiritual de sus escenas. En cuanto al color, evolucionó desde tonos cálidos hasta una paleta más fría e irreal. Su uso de la luz dramática y contrastada anticipa el tenebrismo que más tarde desarrollaría el Barroco. Además, sus figuras suelen presentar escorzos marcados, aumentando la sensación de dinamismo.

El Greco también destacó como retratista, capturando no solo la apariencia sino la personalidad de los nobles castellanos. Su obra, aunque influenciada por Miguel Ángel y la escuela veneciana, es única y profundamente personal, reflejando la religiosidad mística española. Entre sus pinturas más importantes se encuentran El Expolio, El Caballero de la Mano en el Pecho y El Entierro del Conde de Orgaz.