El Juramento de los Horacios (1784)

Jacques Louis David

Esta obra representa una escena de la guerra entre Roma y Alba. El jefe de Alba propuso resolver sus diferencias con una lucha entre dos familias de cada ciudad: los Horacios contra los Curiáceos. La pintura plasma el momento en que los hijos Horacios juran ante su padre luchar hasta la muerte por la victoria.

Encargada por el rey Luis XVI, la obra buscaba representar héroes clásicos como modelos ejemplares. Sin embargo, se convirtió en un símbolo político en un momento de gran agitación, cuatro años antes de la Revolución Francesa.

Características del Neoclasicismo:

• Predominio del dibujo.
• Composición clara, ordenada y sencilla.
• Organización espacial a través de arcos: el grupo de hombres ocupa dos arcos y el de mujeres se dispone ante el arco derecho.
• Composición geométrica: el padre y sus hijos forman un cuadrado y las mujeres un triángulo.
• Perspectiva lineal renacentista.
• Contraste lumínico: el fondo arquitectónico está en penumbra, mientras que la luz destaca a los dos grupos principales.

La Muerte de Marat (1793)

Jacques Louis David

Charlotte Corday, una girondina, asesinó a Marat (jacobino) en su bañera. David no representa la violencia del asesinato, sino la virtud del asesinado.

Marat aparece en la bañera debido a una enfermedad de la piel. La obra representa su virtud al tratar de dominar su sufrimiento para cumplir con su deber, sirviendo como modelo cívico.

Características formales:

• Sección superior vacía, influencia de Caravaggio.
• Equilibrio entre líneas horizontales (bañera, brazo izquierdo, nariz) y verticales (brazo derecho, ojos).
• Predominio de la línea sobre el color.
• Composición clara, ordenada y sencilla.

El 2 de Mayo o la Carga de los Mamelucos (1814)

Francisco de Goya

Esta obra representa un episodio del 2 de mayo de 1808 en Madrid, cuando el pueblo español se levantó contra los franceses. La escena muestra un ataque popular a los mamelucos (soldados egipcios al servicio de Francia).

Goya plasma la rabia y la violencia del momento, mezclándola con el odio hacia el musulmán, evocando la “Reconquista cristiana”.

El centro compositivo es el mameluco muerto que cae del caballo, mostrando lo ilógico de la guerra. Destacan las expresiones de rabia, indignación y miedo en los rostros.

La escena es dinámica y dramática, con movimientos exacerbados. Goya utiliza pinceladas rápidas y sueltas, con colores brillantes y el rojo de la sangre.

Los Fusilamientos del 3 de Mayo (1814)

Francisco de Goya

En un paisaje nocturno, soldados franceses se preparan para fusilar a insurgentes españoles. Las caras ocultas de los soldados destacan su carácter impersonal y obediencia ciega.

Entre los condenados, destacan diversas reacciones: miedo, rabia, resignación. Un hombre con camisa blanca y pantalones amarillos alza los brazos, recordando a Cristo en la cruz, simbolizando la pureza del pueblo mártir.

No se trata de un héroe oficial, sino de la masa anónima. Un farol ilumina dramáticamente a los condenados, especialmente al hombre de blanco.

Goya utiliza una paleta cromática reducida a grises, ocres y blancos, acentuando la tragedia. La pincelada es suelta, dando protagonismo a la mancha de color.

Se aprecia la perspectiva aérea, con figuras nítidas en primer plano y un fondo difuminado.

Saturno Devorando a su Hijo (1823)

Francisco de Goya

Saturno, temiendo ser destronado por uno de sus hijos, decide devorarlos al nacer. La obra muestra la brutalidad del acto, con Saturno en un estado de frenesí.

El centro del cuadro es el hijo mutilado. La pincelada es suelta, con predominio del color sobre la línea. La paleta es oscura, con tonos ocres, blanco en los ojos y rojo en la sangre.

La obra puede interpretarse como una alegoría del paso del tiempo, la melancolía por el pasado y la crueldad de la vida. También puede simbolizar la autodestrucción de la humanidad, como la guerra devora a los hombres.

La Libertad Guiando al Pueblo (1830)

Eugene Delacroix

Esta obra representa el levantamiento del 27 de julio de 1830 en París contra el rey Carlos X. El lienzo resalta el espíritu combativo del pueblo francés, mostrando representantes de varias clases sociales: la burguesía, la clase menestral y los jóvenes.

La figura central es una alegoría de la Libertad, una mujer con un fusil y la bandera de Francia, que encabeza el levantamiento. Aparece como una figura clásica con un gorro frigio, símbolo de la libertad.

La composición piramidal recuerda a La Balsa de la Medusa. Los cuerpos de los muertos forman la base, y la bandera tricolor corona la cima. Los personajes avanzan con decisión hacia el espectador.

La obra se caracteriza por sus gestos dramáticos, el predominio de formas onduladas para transmitir movimiento y una paleta dominada por tonos oscuros y ocres, con toques de rojo, blanco y azul de la bandera francesa.

Almuerzo sobre la Hierba (1863)

Edouard Manet

Esta obra causó escándalo por la inclusión de desnudos en una escena costumbrista. La presencia de dos hombres vestidos a la moda junto a una mujer desnuda generó controversia, sugiriendo temas de sexualidad o prostitución.

La composición se inspira en Las Hilanderas de Velázquez. La mirada de la mujer desnuda interpela al espectador, haciéndolo partícipe de la escena.

Manet moderniza un tema clásico, utilizando colores claros, luz y una visión alejada de las historias mitológicas. Su obra influyó en los impresionistas.

Impresión, Sol Naciente (1872)

Claude Monet

Esta obra presenta una vista del puerto de Le Havre al amanecer. El sol, una mancha roja, sale entre la neblina, tiñendo el mar y el cielo de tonos anaranjados. La atmósfera vaporosa difumina las formas.

El cuadro dio nombre al Impresionismo, tras un comentario despectivo de un crítico. El protagonista no es el tema, sino los tonos y el color.

Características del Impresionismo:

• Abandono del dibujo a favor del color.
• Uso de colores puros, que se mezclan en la retina del espectador.
• Pincelada suelta que da aspecto de rápida mutabilidad.
• Importancia de la luz, que capta el instante y da sensación de fugacidad.
• Interés por la visión inmediata del natural y el trabajo al aire libre (plein air).
• Influencia de la fotografía: captan el instante y emplean encuadres atrevidos.

Moulin de la Galette (1876)

Auguste Renoir

Esta obra representa un baile en el Moulin de la Galette, un viejo molino en Montmartre. Renoir elige un tema de la vida moderna, mostrando la alegría y la vida en París a finales del siglo XIX.

La pincelada es suelta, con toques vigorosos y difuminación de las figuras. La composición se organiza mediante una diagonal que separa dos círculos de personas: uno en primer plano y otro alrededor de los bailarines.

Renoir utiliza dos tipos de perspectivas para crear el efecto de multitud: los bailarines se ven de frente y las figuras del primer plano desde arriba.

Noche Estrellada (1889)

Vincent van Gogh

Pintada durante su reclusión en un hospital psiquiátrico, la obra muestra un paisaje recreado por el artista. El cielo estrellado es el protagonista.

La obra destaca por su horizontalidad, con el ciprés y la torre de la iglesia como elementos verticales. Existe un contraste entre la oscuridad del pueblo y el dinamismo del cielo, con la luna anaranjada que se confunde con un sol.

La obra puede interpretarse como una reflexión sobre la muerte y la eternidad, con el ciprés como símbolo de lo eterno. La pincelada es suelta, ondulada y expresiva.

Van Gogh utiliza el color de forma no naturalista para transmitir emociones. Abandona la representación de la realidad exterior para plasmar su propia “realidad”.

Los Jugadores de Cartas (1890-1895)

Paul Cézanne

Esta serie de obras representa un tema cotidiano: una partida de cartas. Los jugadores son personas reales observadas por Cézanne.

La composición se centra en la botella, que divide el cuadro en dos mitades. Las manos de los jugadores, sosteniendo las cartas, también atraen la atención. La posición de los jugadores intensifica la sensación de enfrentamiento.

Cézanne simplifica las formas, reduciéndolas a figuras geométricas. Los colores predominantes son cálidos, con una amplia gama de marrones. La pincelada es suelta, de influencia impresionista.

El Mercado/Ta Matete (1892)

Paul Gauguin

Esta obra representa a prostitutas en el mercado de Papeete, posiblemente como una crítica a la influencia occidental en los Mares del Sur.

La composición muestra influencia del arte egipcio, con figuras de perfil y tronco de frente. La composición es abierta, con una figura incompleta a la derecha, posiblemente influenciada por la fotografía.

Las figuras son planas, sin volumen, recortadas sobre el fondo. Los colores son intensos y planos, con cierta arbitrariedad en su elección, sin corresponder necesariamente con la naturaleza.

La obra transmite serenidad y frescura, contrastando con la cultura occidental, a través del primitivismo de los gestos, el paisaje y los colores.

El Panteón de París (1758)

Jacques Germain Soufflot

Este edificio presenta una planta de cruz griega. En el alzado se utiliza la columna exenta, creando un pórtico inspirado en el Panteón de Agripa. Los cuatro brazos se concluyen con una cúpula.

Palacio Real de Madrid (1736-1764)

Giambattista Sacchetti

Basado en el esquema tradicional de los alcázares españoles, el Palacio Real tiene una planta rectangular en torno a un patio central con torreones en las esquinas.

La fachada se estructura en un zócalo de sillería y tres plantas superiores, unidas por columnas y pilastras colosales. Un potente entablamento coronado por una balaustrada cierra el edificio.

La construcción es abovedada, en piedra y ladrillo, para evitar incendios. La decoración interior incluye mármoles, estucos, madera de caoba y frescos de artistas como Tiépolo, Mengs, Bayeu y Maella.

Museo del Prado (1785)

Juan de Villanueva

Construido en piedra y ladrillo, el Museo del Prado presenta una apariencia adintelada en el exterior y cubiertas abovedadas en el interior. La planta es compleja, con cinco cuerpos.

El cuerpo central, de planta basilical, sobresale como un ábside. Dos cuerpos estrechos rectangulares a modo de galerías conectan los tres elementos principales.

El exterior presenta un juego de luces y sombras mediante la articulación de volúmenes. Villanueva crea un esquema de templo clásico flanqueado por dos palacios.

La Torre Eiffel (1887-1889)

Gustave Eiffel

Construida en hierro forjado, la Torre Eiffel fue concebida como símbolo de la Exposición Universal de París de 1889, conmemorando el centenario de la Revolución Francesa.

La torre se desarrolla con gran verticalidad, acentuada por su trazado piramidal. Su estructura abierta resalta su función estética, recortándose en el cielo y transmitiendo ligereza.

El peso de la torre recae sobre cuatro pilares inclinados con arcos de descarga. La construcción se realizó con piezas de acero semimontadas, instaladas en caliente con remaches. No hay elementos decorativos, el hierro está a la vista.

La Sagrada Familia (1882-presente)

Antoni Gaudí

La Sagrada Familia es una basílica neogótica con elementos modernistas. Gaudí modificó y mejoró la arquitectura gótica, creando un estilo original inspirado en la naturaleza.

El interior se asemeja a un bosque, con columnas arborescentes que sujetan bóvedas parabólicas y helicoidales. La luz se filtra a través de vidrieras, creando un juego de formas abiertas y cerradas.

La planta es de cruz latina, con cinco naves, transepto, deambulatorio y siete capillas radiales. El exterior presenta una fachada gótica entre cuatro torres, con un profundo simbolismo religioso.

La basílica tendrá 18 torres, representando a los Apóstoles, los Evangelistas, Jesucristo y María. Las tres fachadas monumentales representan el nacimiento, la pasión, muerte y resurrección, y la gloria de Jesucristo.

La fachada de la Natividad fue la única que Gaudí concluyó. El material principal es la piedra tallada, con algunos elementos de trencadís.