Partenó.

Cronología

447-432 a. C.

Estil

És d’estil grec clàssic,construït per Ictinos i Cal.Lícrates i Fídies el supervisor.Materials: marbre del Pentèlic i fusta. Sistema constructiu: arquitravat.Els precedents del Partenó es poden buscar en un primer temple que no es va acabar mai i que fou substituït per la construcció actual. En aquest edifici, fet a escala humana, hi predominen les línies rectes,com implica el sistema constructiu,l’arquitravat.L’arquitectura grega prengué com a referent l’egípcia,també marcada per les línies rectes.Elements de suport i suportats: les columnes del Partenó suporten un entaulament horitzontal -compost per un arquitrau,un fris i una cornisa- que en recorre tot el perímetre. Juntament amb els murs i les columnes interiors,es responsabilitzaven de la coberta inclinada a dues aigües, que, a les dues façanes, desembocava en els frontons respectius.Espai exterior i interior. El Partenó va ser construït seguint els preceptes de l’ordre dòric. És un temple octàstil,perquè té vuit columnes a la façana principal; amb dos pòrtics hexàstils perquè a les dues façanes hi ha una segona filera de columnes; i perípter,perquè tot l’edifici és envoltat completament de columnes.El temple s’aixeca sobre un estilòbat i dos estereòbats,que constitueixen l’escalinata que dóna accés a l’edifici des de qualsevol dels costats. Sobre aquests s’aixequen, sense base, les columnes dòriques,fortes,directes i grandioses. Els fusts són robustos, de baixa alçada -entre quatre i sis vegades el diàmetre inferior-, i amb els blocs que els formen units visualment amb estríes d’aresta viva. Arriben al capitell a partir d’una motllura còncava tan subtil que gairebé no s’aprecia;és el collarí. El capitell,de formes senzilles,el formen un equí i un àbac. Després hi ha l’entaulanent,que està format per l’arquitrau,que recolza directament sobre les columnes,llis i sense cap ornament;el fris,dividit en tríglifs i mètopes; i la cornisa,que sobresurt. El frontó,que forma el triangle que té la cornisa com a base,estava ple d’escultures,algunes de les quals encara es conserven.El Partenó era un edifici de planta rectangular amb una cel.La interior dividida en dues estances incomunicades que el convertien en un temple doble i que feien necessàríes,per tant dues façanes d’accés amb dos pòrtics.La sala més gran contenía la famosíssima estàtua criselefantina (d’or i de vori),de 12.8m, d’Atena -a qui era dedicat el temple-, esculpida per Fídies.Les finestres,la seva situació,la porta oriental…Estaven pensades perquè quan sortís el sol,aquest la il.Luminés amb els seus raigs.
La sala més petita.L’opistòdom guardava el tresor del temple.

Significat

La façana principal del temple mira cap a orient,el punt per on surt el sol,com és habitual a totes les construccions religioses de l’antiguitat.Aquesta orientació feia que l’edifici donés l’esquena a l’entrada principal de l’Acròpolis.
Autor: Policlet de Sició, anomenat el Jove. Tipus d’obra: edifici dedicat a representacions teatrals. Estil: art grec clàssic. Cronología: vers 330 aC. Localització geogràfica: Epidaure, a l’Argòlida, al Peloponnès.
forma de ferradura o de semicercle. En principi aquest teatre tenia 30 grades, però se n’hi van afegir 20 posteriorment, separades per un passadís. Tenia un aforament de 14.000 espectadors. L’ acústica d’aquest teatre és excepcional: des de la fila més allunyada es pot sentir perfectament el que es diu a l’escenari.
L’orquestra, circular, de 20,30 m de diàmetre, era un cercle de terra batuda situat entre la càvea i l’escenari, en el qual evolucionava el cor durant les representacions teatrals i on es feien els cants i les danses rituals. També hi havia l’altar deldéu Dionís. Els teatres grecs es construïen aprofitant els accidents naturals del terreny, usualment el vessant d’un turó per formar la càvea, les grades de la qual sovint eren tallades en la mateixa roca. Aquesta disposició permetia una visibilitat perfecta de l’orquestra des de qualsevol punt de la càvea. Aquesta, en el teatre d’Epidaure, es divideix en dotze parts col.Locades radialment que convergeixen en un punt central al mig de l’orquestra. Les dues parts més allunyades ultrapassen la figura canònica semi­circular, i s’avancen cap a l’escena. Més tard, el teatre ROMà, hereu del grec, farà que la càvea no ultrapassi la semicircumferència Encara-avui dia es fan representacions a Epidaure, i el festival de teatre que s’hi celebra és el més important de GrèCía. Aquest és el teatre més bell i millor conservat dels teatres grecs antics .
L’altar de Zeus a Pèrgam és un monument religiós aixecat en l’època hel·lenística sobre l’acròpoli de la ciutat de Pèrgam sens dubte al començament del regnat Èumenes II (197-159 aC). Els seus frisos monumentals, representant i la història de Tèlef constitueixen un de les obres mestres de l’escultura grega i representen el ple del «barroc hel·lenístic». L’Altar va formar, durant un temps, part de la llista de les meravelles del món.
Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura muestre ningún rasgo de niñez. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante.
Esta obra, a pesar de ser considerada clásica </wiki/Escultura_griega>, conserva aún rasgos de un cierto arcaísmo </wiki/Escultura_griega>
:
Está tallada con cierta rudeza, los músculos de los pectorales son planos, sin apenas relieve, y las líneas de cadera y cintura están perfectamente marcadas. El movimiento de la figura está perfectamente acompasado, con una pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más retrasada, a imagen de los kouroi </wiki/Kouros> de la época precedente.
La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y medida. La pierna derecha es la que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.En la parte superior el esquema funcional de los miembros está cambiado: el brazo derecho no realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se dobla para sostener la lanza que originalmente portaba, el torso presenta una ligera inclinación hacia el lado derecho y la cabeza gira en ese mismo sentido inclínándose levemente. A esta posición del cuerpo de le denomina postura de Contrapposto </wiki/Contrapposto>

Fue realizado para ser visto de frente, por ello se marca claramente el eje vertical, pero Policleto rompíó con el concepto tradicional de simetría </wiki/Simetr%C3%ADa> oponiendo las partes del cuerpo respecto del eje, sometíéndolas al servicio de la totalidad.Es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el artista griego concretó el canon de belleza </wiki/Canon_de_belleza>, de 7 cabezas, considerada como el modelo de proporciones del cuerpo humano y la plasmación práctica del sistema de proporciones. La cabeza tiene la medida justa (una séptima parte de la altura total), el vientre y el pecho están muy marcados y presenta una cierta rigidez y algo de exageración antinaturalista en los pectorales e inglés (principio de la diartrosis </wiki/Diartrosis>
)
.De esta obra, como de la mayoría de obras griegas, no nos ha llegado más que algunas copias en mármol </wiki/M%C3%A1rmol> de un original en bronce </wiki/Bronce>
.
La copia mejor conservada se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles </wiki/Museo_Arqueol%C3%B3gico_Nacional_de_N%C3%A1poles>
.

La figura está en pie, en contrapposto </wiki/Contrapposto> con su peso sobre la pierna derecha. El ejemplar de la estatua conservado en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas </wiki/Museo_Arqueol%C3%B3gico_Nacional_de_Atenas> tiene su rodilla fracturada. Muestra poros por los que más de una vez se filtró agua, que fracturó la piedra caliza, lo que requirió varias reconstrucciones. Tiene su cabeza inclinada ligeramente a la derecha, contenida, como aparentemente perdido en la vida divina.
El Diadumeno, junto al Doríforo </wiki/Dor%C3%ADforo> son las esculturas más famosas de Policleto </wiki/Policleto>, formando tres modelos básicos para la escultura de Grecia Antigua </wiki/Escultura_griega> que representan las tres a jóvenes idealizados de una manera convincentemente naturalística. La estatua ilustra los principios enunciados por Policleto </wiki/Policleto> en su Canon: la altura total equivalía a siete veces la altura de la cabeza, que es la longitud del pie apoyado.
El Diadumeno es una obra emblemática del clasicismo genuino; la escultura combina equilibrio y dinamismo, gracias a una hábil conjunción de la torsión de la espalda y las caderas.
La Casa Tassel fue construida desde 1892 </wiki/1892> a 1893 </wiki/1893> por Víctor Horta </wiki/Victor_Horta> en Bruselas </wiki/Bruselas>, Bélgica </wiki/B%C3%A9lgica>
.

Es una de las primeras construcciones del arquitecto </wiki/Arquitecto> (su segunda obra residencial, para ser precisos) y la primera síntesis mundial del Modernismo en arquitectura. Sigue siendo una obra faro ya que fue la primera en romper enteramente la disposición clásica de las habitaciones en las residencias de Bruselas. En ellas, la puerta de entrada se encuentra siempre al lado de la fachada y se prolonga hacia el interior por un largo pasillo lateral. Éste permite entonces acceder a las tres partes que siguen una a continuación de la otra: el salón en el lado de la calle, el comedor en medio y el patio cubierto al lado del jardín </wiki/Jard%C3%ADn>
.
En consecuencia, el comedor era a menudo muy oscuro. La caja de la escalera está situada generalmente en el pasillo. Víctor Horta puso la puerta de entrada en medio de la fachada, colocó lógicamente el pasillo en la zona central de la casa y sacrificó el centro de la casa para instalar un pozo de luz.
Es también la primera aplicación de su principio del “retrato” (véase sobre Víctor Horta </wiki/Victor_Horta>
)
. El Sr. Tassel era un profesor de la ULB </wiki/Universidad_Libre_de_Bruselas>
.
Horta le construyó un “salón de recepción”, situado en la entrada. Éste sirve también a veces de oficina o vestuario. El Sr. Tassel era un apasionado también de la fotografía y de la cinematografía. Cuando tenía huéspedes le gustaba proyectarles películas. El arquitecto construyó una “terraza” interior en el primer piso que daba sobre el pozo de luz. El proyector podía instalarse allí para proyectar sobre una tela situada abajo. En 2000, fue declarado patrimonio mundial </wiki/Patrimonio_de_la_Humanidad> por la UNESCO </wiki/Organizaci%C3%B3n_de_las_Naciones_Unidas_para_la_educaci%C3%B3n,_la_ciencia_y_la_cultura> con otras tres construcciones más.
La escultura fue elaborada, en 1787 pero no fue terminada hasta 1793, por el considerado mejor escultor neoclásico, Antonio Canova </wiki/Antonio_Canova> (Possagno, Italia </wiki/Italia>, 1 de Noviembre </wiki/1_de_noviembre> de 1757 </wiki/1757>
–


Venecia </wiki/Venecia>, 13 de Octubre </wiki/13_de_octubre> de 1822 </wiki/1822>
)
, por encargo del coronel inglés John Campbell (Lord Lawdor), en 1787 </wiki/1787> aunque acabó siendo adquirida por el marchante y coleccionista holandés Henry Hoppe </w/índex.Php?Title=Henry_Hoppe&action=edit&redlink=1> en 1800 </wiki/1800> y después acabó en manos del rey de Nápoles y cuñado de Napoleón </wiki/Napole%C3%B3n>, Joaquín Murat </wiki/Joaqu%C3%ADn_Murat>, que la adquiríó para mostrarla en su castillo.
Es una de las seis versiones de la leyenda de Cupido y Psique </wiki/Cupido_y_Psique>, inmortalizada por Apuleyo </wiki/Apuleyo> en su Metamorfosis </wiki/Metamorfosis>, (El Asno de Oro </wiki/El_Asno_de_Oro>
)
Que creó Antonio Canova.

Actualmente la pieza se exhibe en el Museo del Louvre </wiki/Museo_del_Louvre> de París </wiki/Par%C3%ADs>, Francia </wiki/Francia>
.
Estilo neoclásico </wiki/Neocl%C3%A1sico>
Altura: 1,55 m. Largo: 1,68 m. Ancho:1,01 m. Material:

Mármol

Técnica: esculpido.
El pensador (francés </wiki/Idioma_franc%C3%A9s>
:
Le Penseur) es una de las más famosas esculturas en bronce de Auguste Rodin </wiki/Auguste_Rodin>
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La pieza, denominada originalmente El poeta, formaba parte de una comisión del Museo de Artes Decorativas de París </wiki/Par%C3%ADs> para crear un monumental portal basado en La Divina Comedia </wiki/La_Divina_Comedia> de Dante </wiki/Dante_Alighieri>
.
Cada una de las estatuas representaba a uno de los personajes principales del poema épico. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante frente a Las Puertas del Infierno </wiki/Las_Puertas_del_Infierno> (como llamó, en efecto, al portal del que formaría parte), ponderando su gran poema. La escultura es un desnudo, ya que Rodin deseaba una figura heroica al estilo de Miguel Ángel </wiki/Miguel_%C3%81ngel> para representar tanto el pensar como la poesía </wiki/Poes%C3%ADa>
.

Existen más de veinte versiones de la escultura en diferentes museos alrededor del mundo. Algunas son versiones ampliadas del original; otras, de diferentes proporciones. Una de ellas está en el Museo Soumaya </w/índex.Php?Title=Museo_Soumaya&action=edit&redlink=1> de México, y se ha expuesto en el Museo de Arte Italiano </wiki/Museo_de_Arte_Italiano>
.

El Pensador está fundido en bronce y fue terminado en 1880 </wiki/1880>
.
Auguste Rodin fue ayudado para hacer esta obra por su discípulo Miguel, apodado el Asturiano.
El Palacio de la Música Catalana es un auditorio de música situado en la calle Sant Pere més Alt en el barrio de la Ribera </wiki/Barrio_de_la_Ribera> de Barcelona </wiki/Barcelona>, España </wiki/Espa%C3%B1a>
.
Fue proyectado por el arquitecto </wiki/Arquitecto> barcelonés Lluís Domènech i Montaner </wiki/Llu%C3%ADs_Dom%C3%A8nech_i_Montaner>, uno de los máximos representantes del Modernismo catalán </wiki/Modernismo_catal%C3%A1n>
.
La construcción se llevó a cabo entre los años 1905 </wiki/1905> y 1908 </wiki/1908>, con soluciones en la estructura muy avanzadas con la aplicación de grandes muros de cristal y la integración de todas las artes, escultura </wiki/Escultura>, mosaicos </wiki/Mosaico>, vitrales </wiki/Vitral> y forja </wiki/Forja>
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El edificio, sede central del “Orfeón Catalán </wiki/Orfe%C3%B3n_Catal%C3%A1n>“, fundado en 1891 </wiki/1891> por Lluís Millet </wiki/Llu%C3%ADs_Millet> y Amadeo Vives </wiki/Amadeo_Vives>, fue sufragado por industriales y financieros catalanes, ilustrados y amantes de la música, estamento que sesenta años antes ya había financiado el teatro de ópera y ballet Gran Teatro del Liceo </wiki/Gran_Teatro_del_Liceo>
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En 1997 </wiki/1997> la Unesco </wiki/Unesco> incluyó el edificio en su relación del Patrimonio de la Humanidad </wiki/Patrimonio_de_la_Humanidad>
Comienza con un encargo de un proyecto del Orfeón Catalán al arquitecto Lluís Domènech Montaner para construir un edificio destinado para ubicar su sede social </wiki/Sede_social>
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[2]

Este proyecto y su presupuesto correspondiente es aprobado por la asamblea el 31 de Mayo de 1904. Antes de terminar el año se realiza la compra del claustro </wiki/Claustro> del convento de San Francisco, con una superficie de 1350,75 metros cuadrados y en un precio final de 240.322,60 pesetas </wiki/Peseta>, con la intendión de destinar este espacio para la construcción del edificio.

[3]

En el año siguiente, concretamente el 23 de Abril de 1905, se realiza el acto de colocación de la primera piedra de las obras, y para su financiación se emiten 6.000 obligaciones de cien pesetas.
Tres años más tarde, el 9 de Febrero </wiki/9_de_febrero> de 1908 </wiki/1908>, se celebra su inauguración. El auditorio </wiki/Auditorio> fue destinado a conciertos de música orquestal e instrumental, así como a interpretaciones corales y a recitales de cantantes. Pero en el Palau han tenido también cabida actos culturales, políticos, obras teatrales y por supuesto las más variadas actuaciones musicales. En la actualidad sigue cumpliendo todas estas funciones, tanto en el ámbito de la música culta como en el de la música popular.
La acústica </wiki/Ac%C3%BAstica_arquitect%C3%B3nica> del auditorio es inmejorable. Los mejores intérpretes y batutas del mundo del último siglo (desde Richard Strauss </wiki/Richard_Strauss> hasta Daniel Barenboim </wiki/Daniel_Barenboim>, pasando por Ígor Stravinski </wiki/%C3%8Dgor_Stravinski> y Arthur Rubinstein </wiki/Arthur_Rubinstein>, Pau Casals </wiki/Pau_Casals> y Frederic Mompou </wiki/Frederic_Mompou>
)
Han desfilado ininterrumpidamente por el Palau, auténtico santuario de la música de Cataluña </wiki/Catalu%C3%B1a> y al tiempo sala de conciertos de referencia en el panorama artístico internacional.
El Palau de la Música Catalana fue declarado Monumento Nacional en 1971 </wiki/1971>
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Con tal motivo se realizaron amplias obras de restauración bajo la dirección de los arquitectos Joan Bassegoda </wiki/Joan_Bassegoda> y Jordi Vilardaga.
Pero es a partir de la década de los ochenta del Siglo XX </wiki/Siglo_XX> cuando se decide por parte del Orfeó Català </wiki/Orfe%C3%B3_Catal%C3%A0> efectuar una gran reforma del edificio y también jurídica, así se constituyó en 1983 el Consorcio del Palacio de la Música Catalana, manteniendo la propiedad el Orfeón pero interviniendo el Ayuntamiento de Barcelona </wiki/Ayuntamiento_de_Barcelona>, la Generalidad de Cataluña </wiki/Generalidad_de_Catalu%C3%B1a> y el Ministerio de Cultura </wiki/Ministerio_de_Cultura>
.
En cuanto a las obras del edificio se encarga el proyecto a Óscar Tusquets </wiki/%C3%93scar_Tusquets>
.
Estas obras duraron siete años, llevándose a cabo todo el proyecto de Tusquets que fue reconocido con el Premio FAD 1989 de Arquitectura, Reformas y Rehabilitaciones. Lluís Domènech Girbau, arquitecto y nieto del primer arquitecto del Palau, Domènech Montaner, escribíó sobre estas obras elogiándolas:
La rehabilitación de la sala y los accesos, la edificación de un nuevo edificio anexo para los servicios (…) han dado como resultado una obra coherente y creativa, perfectamente al día en cuanto a seguridad y especificaciones de confort y acústica, dentro del espíritu innovador radical y amante del detalle que Domènech i Montaner habría deseado.

[4]

En 1990 </wiki/1990> se formó la Fundación Orfeó Català-Palau de la Música Catalana para los actos del centenario del Orfeó y además para conseguir recursos privados con actividades organizadas en el Palau.
El Pabellón alemán, diseñado por Ludwig Mies van der Rohe </wiki/Ludwig_Mies_van_der_Rohe>, era el pabellón de representación de Alemania </wiki/Alemania> para la Exposición internacional </wiki/Exposici%C3%B3n_Universal_de_Barcelona_de_1929> celebrada en Barcelona </wiki/Barcelona> el año 1929 </wiki/1929>
.
Este es un edificio importante en la historia de la arquitectura moderna, ya que en él se plasman todas las ideas del entonces naciente Movimiento Moderno </wiki/Movimiento_Moderno> con más libertad que en otras obras, ya que esta construcción no tenía otra función que difundir estas nuevas ideas, así como el uso de nuevos materiales y técnicas en la construcción.
Dentro del recinto de la exposición internacional, el emplazamiento del Pabellón alemán fue elegido por el propio arquitecto en un lugar un poco apartado, fuera del eje principal de la exposición donde se encontraban los grandes edificios que se construyeron para la ocasión. Además sorprende el modesto tamaño del pabellón, ya que es incluso más pequeño que una vivienda unifamiliar.
El edificio estaba construido sobre un pódium cubierto de travertino </wiki/Travertino>, sobre el que además del edificio había dos estanques. El acceso se producía a través de una pequeña escalera tangencial al pódium. La estructura poseía ocho pilares de acero con sección en forma de cruz que sosténían una cubierta plana. Completaban la obra unas paredes interiores, exentas de la estructura, hechas de grandes piezas de mármol, así como grandes cerramientos acristalados. La impresión total es la de un espacio lujoso creado mediante planos perpendiculares en las tres dimensiones. Complementaban la obra una escultura de Georg Kolbe </wiki/Georg_Kolbe>
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Der Morgen «El amanecer», un escaso mobiliario formado por sillas, con un diseño del propio arquitecto llamado silla Barcelona </wiki/Silla_Barcelona>, (que son un hito importante en la historia del diseño de mobiliario del Siglo XX </wiki/Siglo_XX>
)
, una cortina roja y una alfombra negra, que combinados con el color amarillento del mármol de la pared, imitaban los colores de la bandera alemana.
El pabellón fue desmontado al finalizar la exposición, pero con el tiempo esta obra se convirtió en un referente clave para la historia de la arquitectura del Siglo XX, así como para la trayectoria de Ludwig Mies van der Rohe.
Por ese motivo en 1980 </wiki/1980>, y a iniciativa de Oriol Bohigas </wiki/Oriol_Bohigas> se empezó a gestar desde la Delegación de Urbanismo del Ayuntamiento de Barcelona </wiki/Ayuntamiento_de_Barcelona> la idea de reconstruir el edificio en su emplazamiento original. Los trabajos empezaron en 1983 </wiki/1983> a cargo de los arquitectos Ignasi de Solà-Morales </w/índex.Php?Title=Ignasi_de_Sol%C3%A0-Morales&action=edit&redlink=1>, Cristian Cirici </w/índex.Php?Title=Cristian_Cirici&action=edit&redlink=1> y Fernando Ramos </w/índex.Php?Title=Fernando_Ramos&action=edit&redlink=1>, y la reconstrucción, basada enteramente en el diseño original y con los mismos materiales se inauguró en 1986 </wiki/1986>
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Está situada en Bear Run, Pensilvania </wiki/Pensilvania> (Estados Unidos </wiki/Estados_Unidos>
)
Y fue terminada en 1939 </wiki/1939>
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Frank Lloyd Wright (1876-1959) es considerado por algunos autores como el mejor arquitecto </wiki/Arquitectura>estadounidense </wiki/Estados_Unidos>, y a su vez, la “casa de la cascada </wiki/Cascada>” su obra maestra. Llamada «la residencia más famosa que se haya construido», la AIA (American Institute of Architects) la ha juzgado como «el mejor trabajo de un arquitecto estadounidense».
Diseñada entre 1934-1935 y construida durante 1936-1937 en Pennsylvania, Fallingwater fue la casa de campo para Edgar Kaufmann, su esposa Liliane y su hijo Edgar Jr., dueños de unos grandes almacenes en Pittsburgh. Hoy en día Fallingwater es un monumento nacional en Estados Unidos que funciona como museo y pertenece al Western Pennsylvania Conservancy.
Fallingwater sigue los principios de “arquitectura orgánica” enfatizados por Wright en su escuela y estudio Taliesin </wiki/Taliesin>
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Básicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el proceso de construcción y el ser humano o cliente. Existen varias anécdotas sobre la construcción de Fallingwater; la localización preferida de los Kaufmann en su finca de verano estaba situada frente a la cascada formada por el riachuelo “Bear Run”. Después de un par de visitas al lugar, proponer y ser aceptada la construcción sobre la cascada, y nueve meses “sin tocar un lápiz”, Frank Lloyd Wright “germinó” el proyecto en su cabeza.
Cuando Edgar Kaufmann anuncio su visita a Taliesin (Septiembre de 1935), Wright se sentó y dibujo el primer boceto </wiki/Boceto> de la casa y los planos se desarrollaron en pocas horas. Wright le comento a Kaufmann “…Diseñada para la música de la cascada…Para quien le gusta oírla”. Hoy en día el sonido de la cascada se percibe desde cualquier lugar de la casa.