Comparación entre el David de Donatello y el de Miguel Ángel

Semejanzas

• Tema bíblico: Ambas esculturas representan a David, el personaje bíblico que derrotó a Goliat.
• Desnudez: Ambas figuras están representadas desnudas, siguiendo la tradición del arte renacentista y el interés por el cuerpo humano.
• Postura clásica: Las dos esculturas presentan una postura de contrapposto, donde el peso del cuerpo recae principalmente en una pierna, dotando de naturalidad y dinamismo a la figura.
• Inspiración en el ideal de belleza: Ambas esculturas reflejan el ideal de belleza renacentista, con cuerpos bien proporcionados y armoniosos, inspirados en la estatuaria clásica grecorromana.

Diferencias

• Material: La escultura de Donatello es de bronce, mientras que la de Miguel Ángel está hecha de mármol.
• Momento representado: El David de Donatello muestra a David después de vencer a Goliat (se puede ver la cabeza del gigante bajo su pie), en un momento de calma tras la victoria. El de Miguel Ángel lo representa antes del combate, en una actitud de tensión y concentración previas a la acción.
• Expresión y actitud: El David de Donatello tiene una expresión relajada, serena y casi andrógina, con una belleza más juvenil y delicada. El de Miguel Ángel muestra tensión, determinación y fuerza contenida (la terribilità), con una mirada desafiante.
• Vestimenta y accesorios: Donatello representa a David con un sombrero petaso y botas, elementos que añaden un toque singular y contemporáneo a la figura bíblica. El de Miguel Ángel está completamente desnudo, resaltando la anatomía heroica.
• Proporciones y musculatura: El David de Miguel Ángel tiene un cuerpo más atlético, robusto y detallado en su musculatura, reflejando el profundo estudio anatómico del Renacimiento pleno. El de Donatello es más estilizado, grácil y juvenil, con una anatomía menos marcada.

El Renacimiento: Características y Etapas

El Renacimiento es un estilo artístico surgido en Italia, desde donde se difunde al resto de Europa, que se desarrolla principalmente durante los siglos XV (Quattrocento) y XVI (Cinquecento). Se caracteriza por:

• La inspiración en el legado artístico grecorromano y el interés por recuperarlo y revivirlo.
• El antropocentrismo, que entiende al hombre como el centro del universo y medida de todas las cosas.
• El estudio de las proporciones del cuerpo humano y de las leyes de la perspectiva.

El Renacimiento corre paralelo al desarrollo del Humanismo, corriente filosófica y cultural que propugnaba el retorno a la cultura grecolatina como medio de restaurar los valores humanos.

El Renacimiento italiano representa una etapa decisiva en el desarrollo de la civilización occidental, contribuyendo a la transición entre la Europa medieval y la Edad Moderna. Este período de investigación y plenitud creadora bastó para forjar en el terreno de las artes un sistema de representación que perduraría, con variaciones, hasta fines del siglo XIX.

Comentario del David de Donatello

Introducción

Comentaremos seguidamente una de las obras más conocidas de la escultura renacentista italiana del Quattrocento y, tal vez, la obra cumbre de su autor, Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello. Se trata del David en bronce.

Descripción Iconográfica

Podemos ver al joven pastor David, que ha aceptado la afrenta propuesta por Goliat (este había propuesto un enfrentamiento entre judíos y filisteos) y ha peleado con el gigante. Lo ha derribado con su honda y le ha cortado la cabeza, que posa a sus pies, representando, por lo tanto, el momento posterior a la acción. David aparece con el pelo largo y suelto, tocado por un sombrero (inspirado en los de paja de los campesinos de la Toscana) y calzado con una especie de botas altas o sandalias. Sostiene la espada con la que decapitó al gigante en su mano derecha y una piedra (del arma usada, la honda) en la izquierda.

Análisis Formal y Técnico

La escultura está realizada en bronce y el método que utilizó Donatello es el de la fundición a la cera perdida. Combina formas anatómicas blandas y suaves (en el cuerpo de David) con texturas más rudas y rugosas en la cabeza de Goliat y la base. En esta obra se manifiesta claramente la influencia del mundo clásico:

• Por primera vez desde la Antigüedad clásica, se muestra una obra de bulto redondo desnuda a tamaño natural, como consecuencia de la recuperación del antropocentrismo y el interés por el cuerpo humano que había inspirado el arte griego.
• Se inspira en Praxíteles por el tratamiento anatómico de calidad táctil suave y blanda y por el acusado contrapposto en forma de “S” invertida que se produce al levantar la cadera (la famosa “curva praxiteliana”).
• Esto da lugar a un equilibrio dinámico de las formas: el brazo derecho tenso con la espada contrasta con el izquierdo relajado, apoyado en ángulo en la cadera y sosteniendo una piedra; la pierna derecha, firmemente apoyada y tensa, soporta el peso, mientras la izquierda está relajada y flexionada sobre la cabeza de Goliat.
• También es clásico el autodominio y la calma tras la victoria, reflejados en la expresión serena del rostro y la postura relajada. Sólo la cabeza bajo su pie izquierdo recuerda lo ocurrido en el combate.

Aspectos Novedosos

En cambio, son novedosos:

• La importancia de los vacíos: tanto el espacio entre las piernas como el generado por el brazo doblado en la cadera.
• El equilibrio compositivo entre el ángulo de la pierna flexionada y el ángulo del codo izquierdo.
• La importancia de la luz, que resbala sobre la superficie pulida del bronce provocando brillos y realzando las formas suaves.
• Y, sobre todo, es novedoso el escaso desarrollo anatómico (visible en los brazos y el torso adolescente) y un rostro poco varonil, casi andrógino, que no corresponde con la exaltación de los cuerpos de atletas musculosos típicos de otras representaciones heroicas griegas, sino que busca una belleza más juvenil y espiritual.

Expresión

La expresión es serena, sin señal de esfuerzo. Representa el equilibrio y la serenidad moral; es la fuerza interior, la inteligencia y la gracia divina las que llevan al triunfo sobre la fuerza bruta.

Función y Significado

En cuanto a la función y el significado, se piensa que el autor pretendía alcanzar la representación de la belleza ideal y representar al hombre como tema central, en este caso, la juventud triunfante. Aunque la imagen es religiosa (un tema bíblico), no intenta primordialmente mover a la fe ni a las emociones devocionales, sino conseguir una obra bella y cargada de significado cívico y filosófico.

Se ha querido ver en esta obra la plasmación del ideal platónico de la superioridad de la inteligencia y la razón (David) sobre la fuerza bruta (Goliat). Pero también se piensa en un trasfondo político: podría simbolizar a la República de Florencia (representada por el joven e inteligente David) triunfando sobre sus enemigos más poderosos, como el Ducado de Milán (simbolizado por el casco de Goliat). El sombrero toscano reforzaría esta interpretación local. Inicialmente, la escultura se colocó en el patio del palacio de los Médicis, principales mecenas de Donatello. Sin embargo, cuando Piero de Médicis fue expulsado de Florencia en 1494, la escultura se trasladó al Palazzo Vecchio, sede del gobierno de la República florentina, convirtiéndose en un símbolo cívico.

Contexto Histórico

El contexto en el que se realiza esta obra es el Quattrocento (siglo XV) en Florencia, cuna del Renacimiento. El desarrollo del comercio, la banca y el ascenso de una poderosa clase burguesa (como los Médicis), que se convierte en mecenas de pensadores y artistas, favorece la aparición del Humanismo y el Renacimiento.

La obra es un ejemplo paradigmático de la nueva mentalidad. Por una parte, el Humanismo recupera la fe en el hombre, en su dignidad y capacidad para investigar y disfrutar de la naturaleza, lo que se refleja en la elección del desnudo y el estudio del cuerpo humano. Por otra, la recuperación del mundo antiguo como modelo de belleza se logra mediante la armonía, la proporción y el equilibrio, valores fundamentales del arte griego.

El Autor: Donatello

Nacido en Florencia y formado en el taller de Lorenzo Ghiberti, con el que colaboró en las famosas Puertas del Baptisterio, Donatello realizó un corto pero influyente viaje a Roma que le marcó en la recuperación del clasicismo y en la renovación de la escultura. Es considerado el gran renovador de la escultura del Quattrocento. A él debemos, por ejemplo, la recuperación de técnicas como el stiacciato (relieve aplanado o aplastado, de influencia clásica como en el Ara Pacis) y la reintroducción de la escultura ecuestre en bronce a gran escala (Gattamelata).

Su gran tema es el hombre, por ello refleja una amplia gama de caracteres y emociones, desde la serenidad y equilibrio de sus primeras obras (como el San Jorge y este David) hasta la intensa expresividad y tensión dramática de sus últimas obras (como la Magdalena penitente). Además, recupera la importancia del movimiento, a menudo contenido o potencial, en sus figuras.

Valoración y Comparación

El tema de David fue recurrente en el arte italiano, y varios artistas aportaron sus propios puntos de vista: el David de Andrea del Verrocchio es más descarado y audaz (además de estar vestido); el colosal David de Miguel Ángel es el símbolo de la tensión heroica en el instante previo al estallido de la acción; y el David de Gian Lorenzo Bernini (ya barroco) representa a David en el momento fugaz y dinámico en que dispara su honda.

Puede decirse que el David de Donatello es el primero en romper radicalmente con la visión medieval del tema. Anteriormente, David solía ser relegado a las imposiciones de la arquitectura (portadas de catedrales) o a las biblias miniadas, y a menudo se le representaba como un rey músico o profeta, y no como el joven héroe clásico desnudo que presenta Donatello, cargado de nuevos significados humanistas y cívicos.