Contexto Histórico y Características del Barroco

El Barroco surge como una evolución del Manierismo a finales del siglo XVI, extendiéndose durante los siglos XVII y XVIII. Este complejo movimiento artístico se desarrolló en un período marcado por crisis religiosas (tensión entre católicos y protestantes), políticas y económicas. El Barroco se distingue por su ruptura con la armonía y el equilibrio característicos del Renacimiento. Se manifiesta principalmente como un arte de propaganda, expresando el triunfo de la Contrarreforma católica y el poder de las monarquías absolutas. En Holanda, reflejó la fuerza de la burguesía. Una de las aspiraciones clave del Barroco es la creación de una “obra de arte total”, integrando arquitectura, escultura, pintura y artes menores, con un marcado sentido teatral y escenográfico.

En España, la crisis política y económica del siglo XVII contrasta con el esplendor cultural del Siglo de Oro. La llegada de los Borbones a principios del siglo XVIII trajo consigo una fuerte influencia de los modelos barrocos de Francia e Italia.

Características de la Arquitectura Barroca

La arquitectura barroca se caracteriza por:

• Uso libre de elementos clásicos heredados del Renacimiento.
• Búsqueda de movimiento y dinamismo.
• Sustitución de composiciones claras y equilibradas del Renacimiento por composiciones más complejas.
• Predominio de la línea curva frente a la línea recta y la horizontalidad renacentistas.
• Muros dinámicos, con planos cóncavos y convexos, que generan efectos de claroscuro.
• Entablamentos y frontones curvos y partidos.
• Abundancia de elementos decorativos, como columnas salomónicas, estípites, volutas, elementos vegetales y hornacinas.
• Cubiertas abovedadas y con casetones, a menudo con formas elípticas.
• Juegos de luz para crear claroscuros y efectos escenográficos.

La Arquitectura Barroca en Italia: Bernini y Borromini

Gian Lorenzo Bernini es un ejemplo paradigmático del artista barroco total: arquitecto, escultor y pintor. Su obra refleja el deseo de grandeza de la Roma de los papas de la Contrarreforma. Algunas de sus obras más destacadas son:

• Baldaquino de San Pedro del Vaticano: Estructura de bronce con columnas salomónicas, ubicada bajo la cúpula de Miguel Ángel. Las columnas helicoidales y la abundante decoración crean una sensación de movimiento ascendente.
• San Andrés del Quirinal: Iglesia con planta ovalada que combina elementos clásicos (escalinata y entablamento curvos, frontón partido) con la dinámica barroca a través de la alternancia de superficies cóncavas y convexas.
• Plaza de San Pedro del Vaticano: Su obra maestra como arquitecto. La columnata dórica, rematada por estatuas, tiene forma elíptica, simbolizando el abrazo de la Iglesia. Combina simbolismo, funcionalidad y un efecto teatral de perspectiva.
• Otras obras: Fuentes y plazas como la Plaza Navona, la Plaza de España y la Plaza del Popolo.

Francesco Borromini, contemporáneo y rival de Bernini, se distingue por su inventiva para crear sensación de amplitud en espacios reducidos. Sus características principales son:

• Juegos de líneas curvas que aportan dinamismo.
• Alternancia de formas cóncavas y convexas.
• Elementos ondulados.
• Cúpulas originales.
• Efectos de claroscuro.

Una de sus obras más representativas es San Carlo alle Quattro Fontane.

Arquitectura Barroca en España

El Barroco español, conocido como el Siglo de Oro, contrasta con la profunda crisis que vivía el país. Se pueden distinguir dos etapas:

• Primera mitad del siglo XVII: Persistencia del modelo herreriano, caracterizado por la austeridad decorativa, cubiertas de pizarra, chapiteles y bolas escurialenses, tanto en la arquitectura palaciega como religiosa. La crisis económica impulsó el uso de materiales pobres como el ladrillo y la madera. Juan Gómez de Mora es el arquitecto más importante de este período, con obras como la Plaza Mayor de Madrid.
• Segunda mitad del siglo XVII: Llegada de la influencia italiana, que se traduce en un mayor decorativismo: guirnaldas, esculturas, placas recortadas y molduras que rompen la rigidez y aportan movimiento a las fachadas. Ejemplos: fachadas de las catedrales de Granada y Murcia.

En el paso al siglo XVIII, en Castilla, destaca la familia Churriguera, creadores de un estilo muy decorativo conocido como “churrigueresco”. Alberto Churriguera es el autor de la Plaza Mayor de Salamanca, inspirada en la de Madrid, pero más decorativa. También creó un modelo de retablo caracterizado por la madera dorada, columnas salomónicas (influencia de Bernini), dinamismo, formas curvas y profusa decoración con cortinajes y elementos vegetales.

La Escultura Barroca

Escultura Barroca en Italia: Bernini

Gian Lorenzo Bernini es la figura más destacada de la escultura barroca. Sus obras se caracterizan por:

• Uso de materiales como el bronce y el mármol.
• Perfección técnica en la textura de las superficies.
• Uso expresivo de la luz y búsqueda de claroscuros.
• Movimiento en acto, a diferencia del Renacimiento.
• Predominio de líneas diagonales y figuras serpentinatas.
• Dinamismo en las figuras y los ropajes.
• Búsqueda de la conmoción del espectador a través del realismo y expresiones exaltadas y efectistas (alejadas del equilibrio e idealismo renacentistas).
• Temática religiosa, retratos, naturalezas muertas y mitológica.

Obras destacadas:

• David: Representa el movimiento en acto, en pleno esfuerzo, con tensión en los músculos.
• Apolo y Dafne: Destaca por el tratamiento de la textura del mármol, el claroscuro y el movimiento.

Escultura Barroca en España

La escultura española del siglo XVII es predominantemente religiosa, vinculada a los encargos de la Iglesia y las cofradías. Características principales:

• Predominio de la madera policromada sobre el mármol y el bronce.
• Realismo en las representaciones, acentuado por la policromía para expresar dramatismo.
• Búsqueda de la piedad y devoción de los fieles, en línea con el espíritu de la Contrarreforma.
• Mayor preocupación por la expresión del sentimiento dramático que por el movimiento.

Las escuelas más importantes son la castellana y la andaluza:

• Escuela castellana: Gregorio Fernández es el autor más destacado. Cultiva un realismo radical y busca el dramatismo. Obras: Cristos yacentes, Vírgenes Dolorosas y pasos procesionales.
• Escuela andaluza: Se aleja del dramatismo en favor de una cierta idealización, armonía y dulzura. Destaca Alonso Cano.

En Murcia, ya en el siglo XVIII, sobresale Francisco Salzillo.

La Pintura Barroca

Características Generales de la Pintura Barroca

• La pintura se utiliza como propaganda de la Contrarreforma y el Absolutismo.
• La técnica varía desde el dibujo hasta la pincelada suelta de Velázquez.
• Se culmina la representación de la profundidad y la perspectiva aérea (Velázquez).
• Protagonismo de la luz y las sombras (tenebrismo).
• Composiciones asimétricas, con diagonales que aportan sensación de movimiento, posturas forzadas (escorzos) y elementos cortados.
• Sentido teatral y captación de lo instantáneo.
• Naturalismo en las representaciones, llegando al realismo.
• Temas: religiosos, mitológicos, paisajes, pintura de género (escenas cotidianas) y bodegones.

Pintura Barroca en Italia: Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio es uno de los pintores más importantes de la Historia del Arte. Su obra, desarrollada entre finales del siglo XVI y principios del XVII, se caracteriza por:

• Tenebrismo: Presentación de personajes y objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta.
• Realismo naturalista: Utilización de modelos callejeros y populares para sus personajes, sin idealización. Este enfoque fue eficaz para los propósitos de la Contrarreforma, pero a veces fue criticado por su exceso de vulgaridad.
• Retrato psicológico de los personajes.
• Ignora el paisaje y los fondos de arquitectura.

Obras maestras: Grandes cuadros religiosos como Martirio de San Pedro y David y Goliat.

Pintura Barroca en los Países Bajos (Flandes y Holanda)

El desarrollo de la pintura en los Países Bajos estuvo influenciado por factores sociales, económicos, políticos y religiosos. La división entre una zona católica y monárquica (Flandes) y otra protestante, republicana y burguesa (Holanda) determinó una diferenciación en las formas artísticas.

Pintura Flamenca (Flandes)

• Grandes pinturas religiosas para iglesias y conventos.
• Grandes pinturas mitológicas (aunque con preferencia por paisajes y pintura de género).
• Retratos de gran solemnidad.

Peter Paul Rubens es la figura culminante de la pintura flamenca. Sus características principales son:

• Exuberancia en el color, la forma y el movimiento.
• Colores cálidos, con influencia veneciana (Tiziano).
• Composiciones en diagonal, que generan sensación de movimiento.
• Cuerpos musculosos, con posturas forzadas.
• Temas religiosos (al servicio de la Iglesia Católica contrarreformista, ej.: Adoración de los Magos), mitológicos (con sentido alegórico, ej.: Las tres Gracias) y retratos.

Pintura Holandesa

• Desaparición de la pintura religiosa de altar (rechazo del culto a las imágenes por parte de los protestantes).
• Escaso desarrollo de temas mitológicos.
• Predominio de la pintura de género, apreciada por la burguesía: cuadros de pequeñas dimensiones para decoración de casas, con escenas domésticas, paisajes y bodegones que reflejan los valores burgueses y su bienestar económico.
• Retratos caracterizados por la sobriedad, intimidad y realismo. Aparición del retrato corporativo.

Rembrandt van Rijn es la personalidad más destacada de la pintura holandesa. Características:

• Genio que abarcó todos los temas y destacó como grabador.
• Parte del tenebrismo, pero con contrastes menos fuertes que Caravaggio y preferencia por zonas de penumbra que transmiten misterio y poesía.
• Maestro del color y de la pincelada suelta, pastosa y moderna (relacionada con Goya, la pintura romántica y el expresionismo). Ejemplo: El Buey desollado.
• Gran retratista, tanto individual como corporativo (Síndicos de los pañeros, Lección de Anatomía, Ronda de noche). Estudio de la luz e indagación psicológica a través de las expresiones del rostro. Sus numerosos autorretratos muestran su evolución técnica y personal.

La pintura de género, los retratos y las naturalezas muertas tienen buenas representantes en la flamenca Clara Peeters y la neerlandesa/holandesa Judith Leyster.

Pintura Barroca en España: Velázquez

El siglo XVII es un período clave para la pintura española, dentro del Siglo de Oro, coincidiendo con una época de crisis económica y decadencia política. La corriente naturalista de origen italiano (Caravaggio) adquiere gran importancia. Los temas religiosos son los más frecuentes, mientras que los mitológicos apenas se desarrollan. Destacan también los bodegones y los retratos.

• Escuela de Valencia: Destaca José de Ribera. Tenebrismo y realismo de Caravaggio, pero con mayor riqueza e intensidad en los colores.
• Escuela andaluza: Francisco de Zurbarán, con su realismo y sencillez, aplicados a temas religiosos. Utiliza un tenebrismo suave que resalta el dibujo y los volúmenes.
• Escuela madrileña: Diego Velázquez (1599-1660) es una de las figuras más importantes de la historia de la pintura, con gran influencia en la pintura contemporánea.

Velázquez tuvo una situación privilegiada: trabajó en la Corte, lo que le evitó problemas económicos y le permitió pintar sin prisas, con abundantes retoques. Su obra se puede dividir en las siguientes etapas:

• Etapa sevillana: Influenciado por el naturalismo y el tenebrismo (más suave que Caravaggio), pinta escenas costumbristas con gran detallismo y realismo. Obras: Vieja friendo huevos, Aguador de Sevilla.
• Primer viaje a Italia (1629-1631): Estudia la escuela romana y veneciana, alejándose del tenebrismo y adoptando mayor profundidad y colorido. Obras: La túnica de José, La fragua de Vulcano.
• Segunda etapa madrileña (1631-1649): Se centra en la representación de la luz y en una pincelada más suelta. Obras: La rendición de Breda, retratos de la corte y estudios sobre bufones y enanos (Pablo de Valladolid).
• Segundo viaje a Italia (1649-1651): Perfecciona su colorido y captación psicológica. Obras: Retrato del papa Inocencio X, La Venus del espejo.
• Últimos años: Domina la luz y la perspectiva aérea con pincelada rápida y contornos difuminados. Obras cumbre: Las Meninas, Las Hilanderas.

Francisco de Goya: Evolución y Trascendencia

El comienzo del mundo moderno (siglos XVIII y XIX) está ligado a la Ilustración y la Revolución Francesa. Estos eventos marcaron el fin del Antiguo Régimen y promovieron las revoluciones burguesas y liberales. La lucha por la libertad política se acompañó de una búsqueda de libertad artística, que condujo a una ruptura con las tradiciones y a una gran variedad de estilos. La transformación en la obra de Goya es un reflejo de esta época de cambios.

Goya presenció en España las reformas de Carlos III, el desencanto con Carlos IV y Godoy, la Guerra de Independencia, la primera experiencia liberal en Cádiz y el regreso al absolutismo con Fernando VII. Su obra evolucionó a lo largo de su vida:

• Primer período en Madrid (pintor de cartones para la Real Fábrica de Tapices): Visión optimista de la vida, influenciada por el rococó. Temas populares (fiestas, celebraciones) y personajes típicos representados de manera natural, con colores vibrantes que transmiten alegría. Ejemplos: La pradera de San Isidro, La gallinita ciega, El quitasol.
• A partir de 1792 (enfermedad y sordera): Aislamiento y metamorfosis de su personalidad artística. Creación de un mundo personal repleto de pesadillas, invenciones, pesimismo y crítica (de raíz ilustrada). Serie de grabados Los Caprichos.
• Retratista de éxito: Se convierte en el retratista favorito de la época, incluyendo a la familia real. Sus retratos destacan por su habilidad para el retrato psicológico (influencia de Rembrandt y Velázquez), sin idealización y prefigurando el retrato romántico. Predominio del color y la pincelada suelta sobre el dibujo. Ejemplos: retratos de Jovellanos, la Duquesa de Alba, la Condesa de Chinchón, Las Majas (vestida y desnuda) y La Familia de Carlos IV.
• La Familia de Carlos IV (1800): Retrato de la familia real con cierta informalidad, riqueza cromática, pincelada suelta y fidelidad a los rasgos físicos y psicológicos de los personajes, sin idealización. Influencia de Velázquez.
• Guerra de Independencia (1808): Profunda crisis y decepción. Su arte refleja una visión crítica y pesimista. Evolución técnica: composiciones dinámicas, desaparición del dibujo en favor del color y las manchas, fuertes contrastes de luz y expresiones dramáticas. Serie de grabados Los Desastres de la guerra. Cuadros del 2 y 3 de mayo (La carga de los mamelucos y Los fusilamientos de Príncipe Pío).
• Regreso de Fernando VII y absolutismo: Aislamiento y pesimismo totales. Pinturas negras en la Quinta del Sordo: mundo desesperanzado y sórdido, imágenes oníricas, figuras deformadas, tonos sombríos. Ejemplos: El coloso, Duelo a garrotazos, Aquelarre.
• Exilio en Burdeos (1824-1828): La lechera de Burdeos, su última obra, con una técnica de manchas y pincelada suelta casi impresionista.

En conclusión, la evolución de Goya es tanto técnica como temática: del idealismo alegre de los cartones para tapices al expresionismo crítico de las pinturas negras; del dibujo de trazo continuo a las pinceladas rápidas y las manchas; de los colores suaves y rococós a los colores fuertes y brillantes, y luego a los ocres y negros.

Goya rompe con la tradición y, apoyándose en maestros como El Bosco, Velázquez y Rembrandt, crea un mundo propio donde la fantasía y la crítica son más importantes que la realidad visual. Por su carácter y evolución, Goya es considerado el primer pintor definitivamente moderno, referencia para movimientos artísticos posteriores como el Impresionismo (La lechera de Burdeos), el Expresionismo (Pinturas negras) y el Surrealismo (Disparates y Caprichos).