CONTEXTO

El Renacimiento nació en Italia en el siglo XV, periodo al que se le denomina Quattrocento, y continuó en el siglo XVI, conocido como Cinquecento. La capital artística fue Florencia. A finales del siglo XVI surge el Manierismo, tendencia que se considera como un nuevo estilo artístico, que quiebra la serenidad del clasicismo renacentista.

El contexto histórico de la Europa del Renacimiento tiene cuatro aspectos fundamentales: la recuperación de la economía, la aparición de Estados modernos, grandes descubrimientos geográficos y la crisis religiosa producida por la Reforma luterana. En Italia este periodo se caracteriza por la fragmentación política en pequeños estados.

El Renacimiento se caracteriza por una nueva concepción del mundo: la política, la cultura, el arte… Tuvo lugar un movimiento artístico denominado Humanismo. La Universidad y la imprenta contribuyen a la lectura y divulgación de los clásicos grecolatinos.

El Antropocentrismo (la razón) sustituye al Teocentrismo medieval (la fe). Se recupera el gusto y el amor por la Antigüedad clásica y se coleccionaron objetos del pasado además de recrearlos. Se recuperan las ideas de Platón (neoplatonismo) y el antropocentrismo. Por ello, el arte estableció un concepto de belleza basado en el ser humano, que exaltaba la individualidad.

En el Renacimiento el trabajo del artista no es artesanal. Su trabajo es reflexión, estudio y experimentación. El genio creador individual pasa a situarse en el primer plano de las manifestaciones artísticas.

La aristocracia y la burguesía se unieron a la Iglesia y surgieron los mecenas, que financiaban empresas artísticas porque acrecentaban su prestigio social. Por primera vez la obra de arte…

Características de la Pintura

Se caracteriza por la variedad, como consecuencia de la individualidad de los artistas y de la multiplicidad de escuelas. Los temas eran variados: la iconografía religiosa sigue siendo importante pero recibe un tratamiento secularizador, importa más la belleza formal que el sentimiento religioso. Se pintan temas de mitología pagana, alegorías, retratos, hechos históricos…

Emplean una gran variedad de técnicas. Se mantiene la tradición de la pintura mural al fresco. La pintura de caballete la realizan al temple sobre tabla. A mitad del siglo XV se introduce el óleo, primero en tabla y luego sobre lienzo.

Es una pintura realista, que pretende la captación de la realidad, se intenta imitar la naturaleza pero no aspira a una mera copia de la realidad sino a sublimarla mediante la racionalización e idealización. Valoran la expresión, intentando reflejar los estados de ánimo, el temperamento y los valores.

Concepción unitaria: La obra constituye una unidad indivisible, que se intenta conseguir mediante la armonía y el equilibrio de las partes. El artista obliga al espectador a abarcar la totalidad de la obra.

La perspectiva fue una de las grandes aportaciones del Renacimiento. La entendían como una forma de representar el espacio, regido por leyes geométricas y captado por una visión monocular y estática.

Nuevo tratamiento de la luz: Representan la luz natural, no simbólica, que se distribuye de manera uniforme, crea volumen en las figuras y da sensación de profundidad.

Interés por el movimiento: Consideran que el movimiento corporal refleja el equilibrio interior, por ello prefieren que sea majestuoso y equilibrado. La composición establece el nexo entre todos los elementos creando una sensación de equilibrio y armonía.

PINTURA ITALIANA DEL QUATTROCENTO (S. XV)

PRIMERA GENERACIÓN FLORENTINA

• Masaccio: Retomó el interés de Giotto por los valores plásticos. Investigó sobre perspectiva. Creó un nuevo sistema de representación basado en la aplicación de la perspectiva lineal, en la proporción y en el análisis de la luz en los cuerpos para situarlos en el espacio. Ordenaba con cuidado la disposición compositiva. Con Masaccio inicia, en sentido estricto, la pintura del Renacimiento. Entre las obras del artista destacan La Trinidad, La expulsión de Adán y Eva del Paraíso y El tributo de la moneda.

SEGUNDA GENERACIÓN

• Botticelli: No estuvo preocupado por las conquistas técnicas. En él domina la vocación de dibujante que se manifiesta en líneas onduladas, en rostros melancólicos, en el lirismo, en la belleza idealizada. Estuvo muy influido por los ambientes neoplatónicos. Entre sus obras destacan La Madonna del Magnificat, El Nacimiento de Venus y Alegoría de la Primavera.

CINQUECENTO ITALIANO

• Miguel Ángel: Repitió en su pintura los mismos tipos de la escultura. Creador de cuerpos de robusta contextura física y de almas impetuosas, concentraba la energía en el modelado de las formas. Empleó violentos escorzos con la intención de obtener dinamismo. De sus obras podemos recalcar la Bóveda de la capilla Sixtina, La creación del hombre y el Diluvio Universal o Los Desnudos.
• El Greco: Representa la genialidad entre pintores de calidad media. Considerado como un personaje extravagante por sus mismos contemporáneos y solo comprendido por una minoría intelectual. Es un pintor muy personal con rasgos estilísticos personales e inconfundibles. Espiritualiza la realidad desde una óptica próxima a los místicos. Sus figuras son alargadas, de canon desproporcionado, anatómicamente huesudas y descarnadas. Parecen ingrávidas, sensación acentuada por los ropajes, despegados de los cuerpos. Las posturas inestables dan la sensación de extraño movimiento. Emplea una técnica de pincelada suelta. Usa colores fríos e intensos, que aplica a manchas. La luz es irreal. No le interesó la representación del espacio, utiliza la perspectiva inversa. Algunas de sus obras son El soplón, La Anunciación, Cristo exponiendo a los mercaderes del templo…

Escultura

Características

Se siguió haciendo escultura monumental, pero también destacaron los bustos, retratos ecuestres, monumentos urbanos, fuentes públicas, mausoleos, puertas de bronce, estatuas de altar… Los materiales preferidos fueron el mármol, cincelado, y el bronce.

Se muestra interés por la figura humana, por su belleza atómica, por su potencialidad expresiva, por sus rasgos individuales; por ello, en los temas religiosos anteponen el aspecto humano a los valores trascendentes. Las figuras son naturalistas, frecuentemente idealizadas. Estudian las proporciones entre las partes del cuerpo y la relación equilibrada entre el movimiento corporal y la expresión. Se acentúan los valores tridimensionales para hacer más plásticas las figuras de bulto redondo.

EL QUATTROCENTO (siglo XV)

• Donatello: El más importante de los escultores florentinos. Su estilo es expresivo, idealizado y nervioso, se centró en la representación del hombre al que esculpió con diversos estados de ánimo y en diferentes edades. El David es una escultura de bronce que muestra al personaje bíblico casi niño. El suave contrapposto le aporta elegancia y sensualidad a la figura. Otras obras importantes fueron los relieves de la Cantoría de la Catedral y San Jorge, San Marcos o el Profeta Habacuc.

EL CINQUECENTO

• Miguel Ángel: Sus obras están marcadas por las ideas neoplatónicas y por un sentimiento religioso. Fue arquitecto, pintor, poeta pero sobre todo, escultor. Entendía la obra escultórica como la expresión de una idea: el artista lucha contra la materia para arrancarle la forma bella concebida en su mente. Le interesaba el hombre, su anatomía y estados de ánimo. Sus figuras presentan cuerpos poderosos y monumentales, con dramatismo y tensión contenida (terribilità). Entre sus obras encontramos la Virgen de la Escalera, la Piedad del Vaticano, el David, Moisés, Los Esclavos…

Arquitectura

Características

• Predominio de elementos de tradición grecorromana.
• El muro recupera su valor de soporte y cierre. Suele ser de sillares bien aparejados y con almohadillado. Encontramos muros construidos en materiales pobres, recubiertos de mármol.
• Utilizan los órdenes clásicos, con o sin estrías, exentos unas veces y otras como pilastras o columnas adosadas. Es frecuente la superposición de órdenes.
• La columna cumple su función constructiva (sustentante) y decorativa, bien aislada formando arquerías o combinada con pilares. La columna es esencial dado que el estudio de sus proporciones es uno de los fundamentos del clasicismo y sirve como pauta para determinar la proporción del edificio.
• En las cubiertas prefieren las soluciones abovedadas: bóveda de cañón, con casetones, de arista, baída y sobre todo, cúpula sobre pechinas, con tambor y linterna. El arco es de medio punto.
• El arquitecto vuelve a utilizar el arco de medio punto sostenido por elegantes columnas de orden clásico y formando galerías, su repetición rítmica contribuye a subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas.
• Emplearon también esas cubiertas planas con casetones y vanos bien adintelados; éstos suelen estar enmarcados por columnas adosadas o pilastras en las que se apoyan pequeños frontones.
• El empleo de elementos decorativos, su intensidad varía mucho de unos autores a otros y entre unos momentos u otros del periodo renacentista. Utilizan órdenes adosados, frontones, guirnaldas, medallones, grutescos (motivos vegetales en forma de roleos junto con frutas, figuras zoomorfas, amorcillos…, floreros, balustres (pequeñas columnas torneadas)…

Principios Estéticos

• El Renacimiento reivindica la individualidad del artista, que busca soluciones propias, aunque siempre dentro de unos parámetros comunes. Cada arquitecto aporta su propia originalidad.
• Pretenden una arquitectura racional basada en la proporción, la armonía y la claridad de formas. Se considera que la proporción más perfecta es el número de Oro.
• La idea renacentista de belleza y perfección se basa en un racionalismo orientado, hay una relación entre el canon de proporciones del cuerpo humano y las leyes matemáticas de las formas geométricas básicas como la circunferencia y el cuadrado.
• El espacio interior intenta ser unitario para obtener armonía y diafanidad espacial. Se prefieren los planes centrales.
• En el exterior predominan los volúmenes de formas geométricas simples, unas veces cerrados y tectónicos y otras abiertos por pórticos o miradores.
• La simetría y regularidad de los elementos constructivos y la unidad de conjunto, se materializan en las líneas de perspectiva que guían la mirada del observador y otorgan al espacio amplitud y profundidad.
• El edificio ideal debería ser simétrico en planta y alzado de formas geométricas bien definidas y cubierta por una cúpula perfecta.

TIPOS DE EDIFICIOS

• Las iglesias son tanto de planta central como basilical.
• Tienen mucha importancia los palacios urbanos en los que se prefiere la planta cuadrada de varios pisos con planta central.
• Las villas se rodean de jardines a los que se abren miradores.
• También hay ejemplos de pórticos (logias) y hospitales.

ARQUITECTURA ITALIANA DEL QUATTROCENTO

La arquitectura renacentista nació a comienzos del siglo xv enFlorencia bajo el mecenazgo de los GremiosMayores y poderosasfamilias como las Medici.Florencia se convierte en el catalizador del movimiento humanisti-co italiano.La renovación artística será una revolución del diseño y ea perspectiva, la recuperación del desnuda humano, ea conquista de la representación naturalista de la realidad.Filippo Brunelleschi Es el protagonista de la renovación arquitectónica florentina.Fue el líder que aglutinó a artistas como Donatella, Masaccio, Ghiberi o Michelazzo. que con su obra dieron crigen al ante renacentista. sentó las bases del racionalismo clásicoRecibió el encargo de la cúpula de la Catedral de santa Maria. del Fiore. Es una cúpula de 42m de luz,