El Barroco en Italia: Escultura de Bernini y Pintura de Caravaggio

Rasgos Generales de la Escultura Barroca

• Composición abierta, proyectada hacia afuera. Preferencia por la diagonal y la serpentina.
• Representación de actitudes dinámicas.
• Ropajes anchos, movidos, hinchados y desordenados para provocar juegos de luz y sombra.
• Gestos tensos y exagerados con posturas forzadas.
• La luz desempeña un papel importante con efectos de claroscuro.
• La escultura forma parte de un conjunto.
• Forma de expresión: naturalismo realista, cargado de expresividad, buscando el impacto sobre el espectador.

Gian Lorenzo Bernini

Escultor más representativo de este estilo. Llegó a tener tal cantidad de trabajo que tuvo que rodearse de un numeroso taller de colaboradores. Su estilo se convirtió en el modelo a seguir durante un siglo.

Obras caracterizadas por: realismo, dramatismo, interés por representar un efecto instantáneo, por el detallismo. Composiciones escenográficas en las que el movimiento es el protagonista. Riqueza decorativa y los juegos de luz y sombra.

Fusión de la escultura y la pintura con la arquitectura, consiguiendo escenográficos sorprendentes y espectaculares.

Etapas de la Obra de Bernini

1. Etapa de juventud: primer tercio del siglo XVII, trabaja sólo para Escipión Borghese. Predominan los temas mitológicos y muestran influencia de Miguel Ángel y el Manierismo.
   • El rapto de Proserpina: Proserpina siendo raptada por Plutón. Destaca por su naturalismo y realismo.
   • Apolo y Dafne: grupo escultórico. Modelado muy pulido con texturas importantes diferenciando qué parte de Dafne es carne y cuál es laurel o tronco. Composición abierta, curvas y diagonales que acentúan el dinamismo.
   • David: Representado en plena acción. Múltiples puntos de vista. Destacan el esfuerzo físico, acompañado de la expresividad de la cara.
2. Etapa de madurez (1627-1640/1650)

   Trabaja sobre todo para el papado, destacando Urbano VIII, por lo tanto estas obras son de temática religiosa, transmitiendo de la Iglesia católica y constituye un medio de propaganda del poder papal. En estas obras la expresividad, las emociones, el lenguaje de los ropajes y el tratado de la luz es su señal de identidad.

   Encargos papales: El Éxtasis de Santa Teresa, La Muerte de la Beata Ludovica Albertoni.

   Obras para el Vaticano: San Longino, La Catedral de San Pedro, La Tumba de Urbano VIII, El Sepulcro de Alejandro VII.

   Fuera de los encargos papales realiza varios retratos: Francesco D’Este, Luis XIV, Fuente de los Cuatro Ríos, Fuente del Tritón.

3. Etapa tardía: realiza los ángeles de la pasión del puente Sant´Angelo.

La Pintura Barroca en Italia: Caravaggio y sus Seguidores (Artemisia Gentileschi)

Hay que diferenciar la pintura barroca de los países católicos de la de los países protestantes.

Países católicos: la pintura es un medio de `predicación visual´ para difundir los dogmas de la fe católica cuestionados por los protestantes, predominan las escenas de la vida de los santos. Temas tratados de forma clara y realista para hacerlos comprensibles. Hay temas mitológicos, retratos demandados por la aristocracia y la realeza; o novedosos como las escenas de género, bodegones o paisajes.

Países protestantes: El artista trabaja por encargo, es más independiente porque no necesita mecenas. Predominio de los retratos, individuales o colectivos, bodegones, paisajes y escenas cotidianas que reflejan la vida acomodada e íntima de los burgueses, en las que destaca la veracidad. Aparece el cuadro de caballete que pueden transportarse y venderse en el mercado.

Valores éticos: no interesa la belleza serena y equilibrada sino la expresividad. Objetivo de impresionar o conmover.

• Técnicas: Fresco, en pintura mural; óleo sobre lienzo en el cuadro de caballete.
• La línea pierde importancia en la delimitación de los contornos.
• Luz: elementos más importantes. Dirigida y concentrada creando fuertes contrastes entre espacios iluminados y oscuros.
• Color: tonalidades intensas y contrastadas (tenebrismo).
• Se aplica la perspectiva.
• Composiciones abiertas y asimétricas, predominio de las líneas curvas, diagonales o en espiral.

A comienzos del siglo XVII, una de las dos grandes corrientes estilísticas que dominan la pintura italiana, es el naturalismo, representada por la genial figura de Caravaggio.

Caravaggio (1573-1610)

Michelangelo Merisi. Su formación se inicia en Milán y Venecia, posteriormente, aún joven se traslada a Roma.

Su biografía es turbulenta y problemática: gran afición por las tabernas y ambientes de bajo fondos, carácter pendenciero y violento, siendo acusado de asesinato lo que le obligó a huir de Roma. Revolucionó la historia del arte con un estilo propio caracterizado por el naturalismo y el tenebrismo de gran influencia en la pintura italiana y europea del siglo XVII.

Características de su obra:

• Los modelos de sus obras están tomados del mundo real, de la calle, de las tabernas y son presentados como santos.
• Introduce un aspecto que será típico de la pintura barroca, introducción del espectador en la escena.
• Las escenas aparecen recortadas y figuras con fuertes escorzos que parecen salirse del cuadro o que miran directamente al espectador.
• Tenebrismo: técnica pictórica en la que la luz se convierte en protagonista. Un foco de luz dirigida desde un foco o dos que atraviesan en diagonal la obra para destacar un aspecto de la escena que parece salir de la penumbra y produce fuertes contrastes de luz y sombra.

La Buenaventura: es de sus primeras obras, en las que se estudia el tenebrismo y la atención del cuadro se centra en la mirada entre los dos personajes, con esta obra Caravaggio rompe con la pintura tradicional representando una escena cotidiana. Medias figuras, sobre fondo neutro, personajes callejeros y andrógenos.

1595: primera obra de calidad: Baco: consigue captar las diferentes cualidades de las cosas. Sienta las bases de lo que posteriormente será el tenebrismo.

Cena de Emaús: interés por el bodegón solo o acompañado. Elementos característicos de su estilo: tipos vulgares representando lo sagrado, fondos oscuros con una potente luz que destaca algunas partes de la escena, la profundidad a través de los escorzos y de la perspectiva aérea y la fuerte tensión gracias a los contrastes luminosos.

La vocación de San Mateo: primer encargo eclesiástico. Aunque el tema es religioso está tratado como una escena de género que se desarrolla en una taberna.

Crucifixión de San Mateo: fondo negro cuya luz da gran expresividad a ciertas zonas como la diagonal creada por la cruz del santo y otras partes de los personajes que aparecen de espaldas.

La Conversión de San Pablo: santo caído en el suelo, con un fuerte escorzo que da profundidad a la escena y una iluminación del caballo y del sirviente que desvía la atención principal al secundario.(Obra plenamente tenebrista)

Entierro de Cristo: Tema clásico que se desarrolla con gran originalidad. Una diagonal iluminada por un foco de luz que surge del ángulo inferior izquierdo, es el centro del cuadro.

Artemisia Gentileschi (1593-1654)

Entre los seguidores de Caravaggio, encontramos a una pintora: Artemisia Gentileschi, que llegó a lo más alto en la Europa barroca del siglo XVII.

Artemisia fue introducida a la pintura en el taller de su padre, mostrando gran talento y pese a que era impensable que una mujer accediera al oficio.

Su trayectoria personal influye en su producción. Con 17 años sufrió una violación y un humillante juicio. Esto provocó que sus deseos de venganza se vieran transmitidos a través de su arte.

Actualmente, es considerada una adelantada al feminismo al representar mujeres fuertes e independientes del Antiguo Testamento (Judith). Realizó abundantes cuadros protagonizados por mujeres, en los que la acción y la valentía son puestas de manifiesto como una norma general.

Residió en varias ciudades italianas y Londres, y en Nápoles estableció su taller. Sus viajes hicieron que ganara gran conocimiento y valoración. Está considerada como una de las más importantes y más completas pintoras barrocas de la época.

Estilo: dentro del Naturalismo Tenebrista, utiliza una paleta de colores más vibrantes que contrastan con el fondo oscuro y una composición que enfatiza la fuerza y la colaboración entre las figuras femeninas.

Temas: la venganza femenina, la fuerza y la resistencia.

Pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos eran inadecuados para el espíritu femenino.

• Énfasis del dramatismo, movimiento y exuberancia, evidentes en las obras de Artemisia.
• Intenso uso de luces y sombras (tenebrismo)
• Representación emotiva y realista de las figuras reflejan las tendencias artísticas de la época.

Artemisia y Caravaggio, utilizaron estos elementos para dar vida a las narraciones bíblicas con una profundidad emocional que resonó en el público de su época.

Obras:

De sus comienzos en Roma:

Madonna de Bambino– 1610

Susana y los viejos: 1610: Joven que se dispone a bañar es sorprendida por unos viejos ricos que le hacen proposiciones deshonestas con argumentos económicos que Susana rechaza.

Tema: acoso y agresión sexual. Con el que pudo identificarse a través de la joven. Desnudo: símbolo de pureza e inocencia, tratado por numerosos artistas.

Judith decapitando a Holofernes: 1612-1613: Su obra más famosa.

Momento en el que la viuda Judith, ayudada por su doncella, decapita a un general asirio que se había encaprichado con ella aprovechando que se ha quedado dormido. Plasmó sus fantasías de venganza por lo que fue una manera de canalizar el trauma, cortándole virtualmente la cabeza a su agresor.

• La sangre brotando del cuello de Holofernes.
• Enorme tamaño del general comparado con las dos agresoras.
• Claroscuros de moda en la época.

Periodo florentino:

Judith con su doncella: instante en el que Judith ya le ha cortado la cabeza a Holofernes. Dentro de sus obras dedicadas a heroínas bíblicas.

Destacar el nivel de detallismo que emplea en la representación de su vestuario, en contraste con el de la doncella, que se traduce como que no importa quién seas, ni como vistas, todas tienen los mismos derechos y nadie tiene autoridad para pisotearlos.

Etapa napolitana:

Minerva: 1615: Símbolo de la inteligencia y el mayor exponente de este carácter es Minerva, diosa de la inteligencia, sabiduría y la guerra. La retrata bajo el aspecto de una princesa, de facciones dulces y brazos poderosos. Sus mujeres tienden a repetir este modelo anatómico. Aparecen sus atributos como: la lanza, el laurel y el escudo con la cabeza de Medusa. En la rodela del escudo observamos la firma de la pintora.

Escuela Flamenca: Pedro Pablo Rubens (1577-1640)

Artista que mejor representa a la escuela flamenca. Trabajó tanto para la Iglesia católica como para los monarcas.

Influencias y características artísticas:

El estilo de Rubens es producto de la fusión de su formación en la pintura flamenca con los aprendizajes que hizo en Italia: Miguel Ángel y los venecianos.

• Miguel Ángel: anatomía exagerada y escenas dramáticas.
• Venecianos: color cálido.

Rasgos muy distintivos de su estilo son:

• El color: cálidos, intensos, ricos y brillantes.
• Pincelada suelta y rápida.
• Sus modelos femeninos desnudos son carnosos, carnes blandas, pieles nacaradas, sensuales, caderas desbordantes, cabelleras largas y rubias. Si las figuras aparecen vestidas, son opulentas, excesivas y de gran lujo.
• Composición y movimiento: abiertas, simétricas y en diagonal. Todo es dinamismo (músculos en tensión, influencia de Miguel Ángel).
• Creación de efectos teatrales por el juego de las luces.

Características temáticas y principales obras:

• Religiosos:
  • La Erección de la Cruz (1610)
  • El Descendimiento (1611)
  • La Adoración de los Magos (1609).
• Mitológicos:
  • El Rapto de las Sabinas (1635-1637)
  • El Juicio de Paris (1638)
  • Las Tres Gracias (1636-1638)
• Retratos:
  • Retrato ecuestre del Duque de Lerma (1603)
• Paisajísticos:
  • El Regreso al Campo (1623-1634)

En conclusión, su pintura es exuberante en las formas en los colores, decorativa y teatral. También tiene mucha fuerza y dinamismo. Sus figuras son corpulentas y de gran vitalidad ya que se formó con artistas muy influidos por Miguel Ángel.

Escuela Holandesa: Rembrandt

Mejor representante de la escuela holandesa del Barroco, del espíritu protestante y burgués de los Países Bajos:

Características pictóricas de su obra:

• Paleta muy sombría de colores sobrios, utiliza: pardos, rojos y ocres.
• Pincelada gruesa, suelta.
• La luz influenciada por el tenebrismo de Caravaggio: gran protagonismo. Luz irreal para destacar determinadas partes y personajes.
• Composición: se centra en los personajes y delimita el espacio.
• Preocupación por la mirada: diálogo de los personajes a través de las manos, los ojos y los gestos.

Géneros que toca Rembrandt son:

• Retratos colectivos:
  • Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp.
  • Ronda de Noche
  • Los sindicatos de los pañeros.
• Autorretratos: observamos el paso del tiempo, la edad, las experiencias y el sufrimiento.
• Retratos individuales: dignifica la condición humana.
• Temas religiosos:
  • Adoración de los Reyes.
• Temas mitológicos.

En plena madurez, sufre una crisis emocional, financiera y espiritual. Le comen las deudas y la sociedad holandesa le da la espalda. Rembrandt se encierra en sí mismo, su pintura intenta plasmar la espiritualidad de sus personajes melancólicos, su vida interna. La pincelada se vuelve más suelta, el color vibrante, los personajes melancólicos, admira la época griega.

La Pintura Barroca Española: Zurbarán, Velázquez y Murillo

El siglo XVII está considerado como el `Siglo de Oro´de la pintura española. Surgen dos corrientes:

1. El Naturalismo tenebrista (1ª mitad del siglo XVII)- Zurbarán y Rivera
2. El Realismo Barroco (2a mitad del siglo XVII)- Murillo y Velázquez.

Características:

• Predominio de temas religiosos con finalidad contrarreformista
• Series monásticas.
• Vida de Cristo, La Virgen y los Santos.
• Composiciones sencillas, con ausencia de la teatralidad, la escenografía y la sensualidad europeas.
• También se cultivan otros géneros:
  1. Retratos
  2. Bodegones

La pintura mitológica es escasa, para el rey y la nobleza (Velázquez).

El Naturalismo tenebrista: Zurbarán.

Zurbarán es extremeño, trabaja sobre todo en Sevilla para conventos, realizando largas series de lienzos religiosos por ello es considerado `pintor de monjes y frailes´.

• Estilo naturalista y tenebrista en el que destacan:
  1. Composiciones sencillas
  2. Ausencia de fondos arquitectónicos
  3. Dibujos firmes
  4. Colores cálidos
  5. Escenas en ambientes cerrados

Entre sus obras destacan:

• La serie que narra La vida del San Pedro Nolasco, destacando San Hugo en el Refectorio.
• La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino.
• Algún retrato como el de Santa Casilda
• Bodegones: representando la calidad de los objetos.

El Realismo Barroco

a) Murillo b) Velázquez

a) Murillo

Nació y vivió en Sevilla y trabajó para la sociedad hispalense. Ha pasado a la historia como `pintor de las Inmaculadas´.

• Estilo: se inicia en el tenebrismo, pero pronto su pintura se ilumina y sus colores se enriquecen.
• Su principal característica es el naturalismo, pinta con dulzura escenas muy humanas, cercanas a lo cotidiano y a lo íntimo.

En sus Inmaculadas crea una iconografía típica, muy de la Contrarreforma (Virgen idealizada, vestida con una túnica blanca y mantón azul flotando al viento y elevada sobre una nube con angelitos).

Entre sus Inmaculadas, destacamos:

• La Inmaculada de El Escorial
• La Inmaculada del mariscal Soult.

Entre sus obras de género:

• Joven mendigo espulgándose
• La Sagrada familia del pajarito
• Niños comiendo melón

b) Velázquez

Es un genio de la pintura universal y el artista más representativo del Barroco español. Es una excepción dentro de la pintura barroca española porque trató todas las temáticas, incluso el desnudo y la pintura mitológica, consagrándose además como un gran retratista.

Se formó en Sevilla en el taller de Pacheco, su suegro, y fue nombrado pintor de cámara de Felipe IV.

Realizó viajes a Italia, para conocer las obras de artistas italianos que influyeron mucho en el desarrollo de su estilo.

Etapas que se distinguen: 4 (esquema)