Definiciones Clave del Arte Barroco

• Mansarda: Ventana dispuesta sobre el tejado de una casa para iluminar y ventilar su desván. Elemento muy característico de las construcciones residenciales francesas.
• Columna salomónica: Columna de desarrollo helicoidal (en espiral). Será muy utilizada durante el Barroco por su carácter dinámico.
• Estípite: Pilar o pilastra con forma de tronco de pirámide invertida. Puede resultar muy complejo al yuxtaponerse, en ocasiones, diversos elementos. Función de soporte o decorativa.
• Bodegón o naturaleza muerta: Pintura que representa seres inanimados como animales muertos, vegetales, frutas, hortalizas, vasijas, libros, joyas, etc.
• Pintura de género: Es la que representa a personas normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada.
• Retrato colectivo o profesional: Retrato a varias personas pertenecientes a una misma familia, asociación cívica, corporación, gremios o comerciantes.
• Tenebrismo: Tendencia artística que utiliza grandes contrastes de luz y sombra. Los fondos de las composiciones aparecen oscuros y solo se iluminan aquellas figuras o las partes de estas que tienen un especial interés para el artista.
• Cúpula encamonada: Cúpula realizada con armazón de materiales ligeros y de bajo coste (cañas, madera, etc.) recubiertos en el interior de yeso y en el exterior de ladrillo y pizarra.
• Encarnación: Técnica decorativa de escultura en madera que intenta recrear la piel humana. Consiste en aplicar color a las partes del cuerpo humano no ocultas por la vestimenta.
• Imaginería barroca española: Escultura barroca española de imágenes religiosas, destinadas en su mayor parte a los retablos y los pasos de las procesiones de Semana Santa.
• Boceto: Fase previa de realización o diseño de una obra artística. Es el proyecto o esquema de una obra.
• Cartones para tapices: Dibujo o pintura sobre papel o lienzo, que sirve como modelo a escala real para la posterior fabricación de un tapiz.
• Pinturas Negras: Serie de catorce obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica del óleo sobre paredes recubiertas de yeso. Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo.
• Neoclasicismo: Estilo artístico surgido durante la Ilustración, que se desarrolla entre mediados del siglo XVIII y primera mitad del siglo XIX, en coexistencia con otras manifestaciones y estilos.
• Tapiz: Obra artística de tejido, tradicionalmente hecha a mano, en la que se reproducen figuras o imágenes semejantes a las de una pintura utilizando hilos de distintos colores. En un principio se colgaban en las paredes o se ponían en el suelo para evitar el frío.

El Arte Barroco

A) El Arte Barroco en Italia

La arquitectura barroca fue un medio de propaganda de las monarquías absolutas y la Iglesia, con un carácter escenográfico, monumental y grandioso.

Características Principales:

• Predominio de plantas centralizadas con formas variadas (circulares, elípticas, octogonales, etc.).
• Dinamismo y movimiento, con líneas curvas, frontones y entablamentos rotos, superficies ondulantes y columnas salomónicas.
• Uso del orden gigante, con columnas de gran tamaño en lugar de la superposición de órdenes clásicos.
• Exceso decorativo, a veces ocultando la estructura arquitectónica.
• Cúpulas grandes y complejas.
• Contrastes visuales, combinando materiales, luz y perspectiva para crear efectos dramáticos.

Arquitectura Barroca en Italia: Principales Autores y Obras

1. Carlo Maderno (1556-1629)

Fue el arquitecto clave en los inicios del barroco italiano, destacando por su obra monumental y sólida en Roma.

Obra principal:

Basílica de San Pedro del Vaticano (1612-1621):

• Modificó la planta de cruz griega de Miguel Ángel, alargando el brazo occidental para convertirla en cruz latina, duplicando su capacidad.
• Diseñó la fachada, empleando el orden gigante con pilastras y semicolumnas corintias en dos pisos, rematados por un ático y una balaustrada.

2. Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Fue un arquitecto y escultor clave del barroco italiano. Su arquitectura combinó pureza, sencillez y lenguaje clásico, integrando el dinamismo y la teatralidad propios del estilo barroco.

Obras principales:

Baldaquino de San Pedro (1624):

• Estructura monumental de 29 m de altura en la Basílica de San Pedro.
• Combina arquitectura y escultura, con 4 columnas salomónicas inspiradas en el templo de Salomón.
• Remate con globo terráqueo y cruz, simbolizando el triunfo del cristianismo.

Plaza de San Pedro (1656-1667):

• Diseñada para acoger peregrinos y permitir la visión del Papa desde cualquier punto.
• Forma elíptica, con brazos rectos convergentes que se abren para integrar el obelisco central.
• Columnata monumental con 4 hileras de columnas dóricas, sosteniendo un entablamento con 140 estatuas de santos y mártires.
• Representa los brazos de la Iglesia acogiendo a los fieles.

3. Francesco Borromini (1599-1667)

Obra: Iglesia San Carlo alle Quattro Fontane, Roma (1638).

Escultura Barroca en Italia

Características:

• Objetivo emocional: Busca conmover al espectador.
• Movimiento dinámico: Figuras en diagonales y escorzo, con ropajes ampulosos que potencian el dinamismo.
• Juego de luces y sombras: Destacado en el tratamiento de los pliegues y volúmenes.
• Perfección técnica y detallismo.
• Teatralidad: Integración de escultura en marcos arquitectónicos o urbanos.
• Dramatismo en las expresiones humanas.
• Variedad temática: Obras religiosas, mitológicas y retratos.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)

Máximo exponente de la escultura barroca en Europa, caracterizado por:

• Dramatismo y emociones intensas.
• Movimiento realista y detallismo extremo en anatomía, rostros, piel y ropajes.

Obras principales:

Apolo y Dafne (1622-1625) – Galería Borghese, Roma

• Grupo escultórico de 2,4 metros, tallado en mármol.
• Representa el momento exacto en que Dafne se transforma en laurel para huir de Apolo, basado en Las Metamorfosis de Ovidio.
• Destaca por su realismo, belleza ideal y dramatismo, con el rostro aterrorizado de Dafne.
• Dinamismo extremo, con posturas forzadas y composición en diagonal.
• Se aprecia mejor girando en torno a la escultura.

Fuente de los Cuatro Ríos (1648-1651) – Plaza Navona, Roma

• Monumental fuente que simboliza los cuatro grandes ríos del mundo representados por figuras alegóricas.

Cátedra de San Pedro (1657-1666) – Basílica de San Pedro, Roma

• Gran relicario barroco que enmarca la supuesta silla de San Pedro, con efectos teatrales de luz y escultura.

El Éxtasis de Santa Teresa (1645-1652) – Capilla Cornaro, Iglesia de Santa María della Vittoria, Roma

• Fusión de arquitectura, escultura y pintura.
• Santa Teresa, en trance místico, es atravesada por la lanza de un ángel con una expresión de mezcla entre placer y dolor.
• Dramatismo y teatralidad, con rayos dorados iluminados desde una claraboya para un efecto celestial.
• Dinamismo en la composición, con diagonales y pliegues del hábito en claroscuro.
• Escena integrada con figuras de la familia Cornaro, borrando el límite entre lo terrenal y lo divino.

Pintura Barroca en Italia

Características:

• Composiciones abiertas y dinámicas, con figuras interconectadas mediante diagonales, aspas, zigzags y espirales, creando movimiento e inestabilidad.
• Expresividad teatral, con gestos dramáticos y actitudes intensas.
• Predominio del color sobre el dibujo, con contrastes cromáticos vibrantes.
• Uso dramático de la luz, creando efectos teatrales con zonas iluminadas y otras en penumbra (claroscuro), resaltando elementos clave y aumentando la tensión dramática.
• Escenas llenas de movimiento, al igual que en la escultura barroca.
• Variedad temática:
  • Pintura religiosa, mitológica e histórica.
  • Bodegones y paisajes, que adquieren relevancia como géneros pictóricos independientes.

Caravaggio (1571-1610)

Fue un pintor italiano clave del Barroco, iniciador del tenebrismo y máximo representante de la composición naturalista. Su estilo se caracteriza por:

1. Modelos realistas, representando figuras religiosas o mitológicas como personas humildes de la calle (golfillos, mendigos, etc.), transformándolos en ángeles, dioses o santos.
2. Escenarios oscuros y modestos, como tabernas o hogares, adecuados para bodegones y naturalezas muertas.
3. Iluminación tenebrista, con focos de luz intensos que iluminan partes específicas de la escena (como en el teatro), mientras el resto queda sumido en la oscuridad. La transición entre luz y sombra es violenta y no gradual, acentuando el dramatismo.

Principales obras:

La Vocación de San Mateo (1601) – Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma.

Representa el momento en que Cristo llama a Mateo para que lo siga, situando la escena en una taberna con figuras vulgares. La luz focal intensa genera un fuerte contraste entre las zonas iluminadas y las sombrías.

La Pintura en Flandes (La Pintura Flamenca)

Sus obras: Las tres Gracias (1636-1638). Mº Nacional del Prado, Madrid. Óleo sobre tabla: tema mitológico de la antigüedad clásica; Eufrosita, Talia y Aglae, hijas de Zeus, eran las diosas del encanto, la alegría y la belleza, presidían las danzas, banquetes. Las mujeres (la de la derecha se considera que es Isabella Brant, su primera esposa y la de la izquierda su segunda mujer Helena Fourment), son de una anatomía rotunda representando el ideal de belleza de la época.

La Pintura en Holanda

Artistas y obras

Características:

• Sus retratos captan la psicología individual del ser humano, sin preocuparse por lo anecdótico o superficial.
• Sus composiciones tienden a la simplicidad.
• La luz recibe un tratamiento tenebrista.

Obra: La ronda de noche (1642). Rijksmuseum, Ámsterdam. Óleo sobre lienzo: Se trata de un retrato colectivo. Fue un encargo de la Corporación de arcabuceros de Amsterdam. La composición tiene un carácter simétrico, el capitán y el teniente, las dos figuras principales se colocan en el centro, además transmite un aire desordenado. La profundidad se logra por medio de diferentes planos iluminados separados, además de algunos escorzos como el brazo del capitán. Uso de los colores, destacan los tonos cálidos.

Arquitectura Barroca en España

1. Siglo XVII (1601-1700). Primer barroco:

Obra: La Plaza Mayor de Madrid (1619): se trataba de abrir en el denso e irregular entramado urbano un espacio regular, rectangular casi cuadrado (129 x 94 m), que sirviese para ciertas actividades que concentraban mucha gente como mercados, autos de fe o espectáculos taurinos. Estilo herreriano.

2. Primera mitad siglo XVIII (1701-1750). Segundo barroco:

Obra: Hospicio de San Fernando (1722), Madrid (Fachada): la fachada está organizada como un retablo y se divide en dos cuerpos. Intenso movimiento.

Escultura Barroca en España

La escultura barroca española, influida por la Contrarreforma, tuvo un fuerte carácter religioso y didáctico, buscando incitar la devoción popular con imágenes realistas y emotivas, siguiendo las directrices del Concilio de Trento.

Las esculturas, de tamaño real y expresivas, se realizaban en madera tallada y policromada, con postizos para mayor realismo (marfil, pelo natural, ojos de vidrio). Presentaban dinamismo, contrastes de luz y sombra, escorzos marcados y composiciones diagonales, creando escenas dramáticas y teatrales.

Gregorio Fernández (Escuela Castellana, Valladolid): destacó por su dramatismo, expresividad y detallismo (llagas, heridas). Sus figuras son robustas y con fuertes claroscuros. Obras: Cristo yacente (1615), La Piedad (1619).

Alonso Cano (Escuela Andaluza, Granada): su estilo es más delicado y armonioso, evitando el dramatismo. Destaca La Inmaculada de la Catedral de Granada (1655).

Pintura Barroca Española

Predominan los temas religiosos llenos de emotividad y dramatismo.

Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682) fue un pintor sevillano que evolucionó del tenebrismo a una pintura de pincelada suelta, colores cálidos y gran riqueza cromática. Influenciado en algunos cuadros por Rubens, sus obras incluyen temas religiosos y escenas de género, con un estilo amable y sentimental. Sus figuras, especialmente femeninas e infantiles, transmiten gracia y ternura, evitando el dramatismo y fomentando la devoción popular.

Diego Velázquez (1599-1660)

Fue un pintor sevillano del Barroco español, considerado el más importante de su época en Europa. Su técnica principal fue el óleo sobre lienzo y su estilo evolucionó desde el tenebrismo hacia una pincelada más suelta, con mayor luminosidad y dominio de la perspectiva aérea.

Etapas de su obra:

Etapa sevillana (hasta 1623):

Aprendió en el taller de Francisco Pacheco y adoptó un estilo tenebrista, con fuerte influencia de Caravaggio. Pintó temas religiosos y escenas de género con un gran realismo y detallismo en los objetos, destacando el juego de luces y sombras.

Obra: El aguador de Sevilla (1620). Museo Wellington, Londres: El tratamiento de esta obra, que se nos presenta como escena de género, es de influencia tenebrista.

Primera etapa madrileña (1623-1629):

Se trasladó a la corte de Felipe IV gracias al Conde Duque de Olivares y se convirtió en pintor real. En Madrid, su estilo se hizo más colorista y ordenado, influenciado por Rubens y la pintura veneciana. En esta etapa predominan los retratos reales y escenas mitológicas con un toque de realismo.

Destacan:

• Retrato de Felipe IV (1626)
• El triunfo de Baco (Los borrachos) (1628-1629), donde combina mitología y realismo popular.

Primer viaje a Italia (1629-1631):

Viaja a Italia por encargo de Felipe IV para estudiar a los grandes maestros italianos. Su estilo cambia: abandona los tonos oscuros, aclara su paleta y experimenta con la perspectiva aérea y el desnudo.

Obras clave:

• Vista del jardín de la villa Médicis (1630), donde trabaja el paisaje y la luz.
• La fragua de Vulcano (1630), que muestra figuras mitológicas con gran realismo e influencia de Miguel Ángel en los desnudos.

Segunda etapa madrileña (1631-1649):

Su periodo más largo y productivo. Retrata a la familia real, bufones y enanos de la corte, y participa en la decoración del Palacio del Buen Retiro. Su estilo se vuelve más refinado, con pincelada suelta y mayor naturalismo.

Obras destacadas:

• Cristo Crucificado (1632), de gran serenidad y belleza.
• Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares (1638).
• La rendición de Breda (Las lanzas) (1634-1635), una obra histórica donde destaca el gesto caballeroso de los vencedores y el magistral uso de la perspectiva aérea.

Segundo viaje a Italia (1649-1651):

Viaja nuevamente a Italia para adquirir obras para el rey y estudia a los pintores venecianos. Durante este viaje, destaca:

• Retrato del papa Inocencio X (1651), una obra de gran realismo y profundidad psicológica.
• La Venus del espejo (1647-1651), una de las pocas representaciones de desnudo en el Barroco español, de gran sensualidad.

Últimos años en Madrid (1651-1660):

En su última etapa alcanza la máxima madurez pictórica, con una técnica de pincelada suelta y composiciones complejas, donde el realismo y la perspectiva aérea son esenciales. Obras maestras:

• Las Meninas (1656), un retrato colectivo de la infanta Margarita y su séquito, donde Velázquez juega con el espejo y la perspectiva para crear un efecto tridimensional.
• Las Hilanderas o La fábula de Aracne (1658), donde fusiona el género mitológico con el realismo de una escena cotidiana.
• Mercurio y Argos (1659), su último encargo para Felipe IV.

Velázquez murió en 1660, dejando un legado fundamental en la pintura occidental, influyendo en artistas como Goya, Manet e incluso los impresionistas.