La Pintura Flamenca

Rubens

Características Generales

Se presenta un panorama completamente distinto: la aristocracia detenta el poder. El catolicismo afectó tanto a las costumbres y a la forma de vida como al arte, siendo la pintura religiosa la más importante. Se cultivan los temas religiosos, no con emoción, sino con optimismo y alegría, reflejando los aspectos agradables de la vida. Reflejo de una sociedad vital enriquecida desde la Edad Media y acostumbrada a los placeres de la vida. Parte de estas pinturas irán a las iglesias. Las ideas de la Contrarreforma se extendieron por el país y se construyeron nuevas iglesias que se decoraron con dogmas católicos atacados por el protestantismo. La pintura religiosa ensalzaba la moral y ética de las familias cristianas. El uso de fondos realistas ayudaba a que los creyentes se identificaran con los valores morales cristianos. Se trabaja la temática religiosa en menor medida.

Los pintores más destacados son Rubens y Van Dyck. Rubens era auténtico conocedor y poseedor de las obras maestras de la literatura clásica.

Estilo de Rubens

Su estilo se caracteriza por:

• El color, que destaca por su intensidad.
• El movimiento, composiciones muy dinámicas, en las que predomina de manera absoluta la línea curva.
• Anatomías voluminosas.

La producción pictórica de Rubens es inmensa. Son numerosos los cuadros en los que se limitaba a dibujar la composición, el boceto y a indicar los colores y terminarlos.

Etapas en la Pintura de Rubens

• Primer momento: Toma de los artistas italianos el sentido tridimensional, composiciones dramáticas y los colores de la pintura veneciana.
• Su estancia en Amberes: Composiciones con líneas diagonales, contrastes de luz y figuras musculosas.
• A partir de 1621: Obras más equilibradas, más simétricas, colores más fríos.
• Hacia 1628: Comienza a utilizar tonalidades plateadas para representar un cielo más abierto y paisaje más cálido.
• A partir de 1630: Se dedica principalmente al paisaje.

La Arquitectura del Quattrocento

Características Generales

En el siglo XV los arquitectos descubren la obra de Vitrubio. El orden, proporción, la simetría y la unidad serán las bases de la arquitectura renacentista. Reconciliación del espacio, fundamentada en la armonía matemática y en la forma geométrica. Uso de elementos constructivos clásicos.

Órdenes dórico, jónico, corintio, compuesto, toscano; arco de media punta, bóvedas de cañón y arista. Dominio de la horizontalidad en la fachada, y preferencia por las líneas rectas frente a las curvas. Las fachadas utilizan para decorar medallones, guirnaldas. Los interiores se decoran con motivos tomados de la Antigüedad clásica. Las plantas de los templos sueles ser centralizadas, basilical de cruz latina o griega. Los materiales empleados son el ladrillo, sillar almohadillado.

Pintura del Quattrocento

Características

• Naturalismo y realismo.
• Libertad compositiva.
• Nueva concepción del espacio: la perspectiva.
• Importancia del dibujo como delimitador de las formas.
• Empleo de la luz para definir los planos y unificar el ambiente.

Técnicas

• El temple sobre tabla.
• El óleo, con influencia flamenca en la segunda mitad del siglo XV. Permite la facilidad a la hora de transportar los cuadros.
• Pintura mural al fresco.

La temática sigue siendo principalmente religiosa, encontrando también temática mitológica o alegórica. Se introduce el retrato.

Pintura del Cinquecento

Características Generales

La perfección se muestra con el logro de la perspectiva y la tridimensionalidad. La pintura tiene mayor difusión que la arquitectura y que la escultura debido a su menor coste. Preocupación por el movimiento y la luz. La luz es más real, se intuyen matices que hacen diferenciar los diferentes momentos del día. Se mantiene la pintura al fresco, pero la técnica del óleo sobre lienzo se desplaza al temple y se impone por sus mayores calidades y duración.

Composiciones sencillas que se resuelven en una escena de esquemas triangulares. El marco arquitectónico pierde importancia y la pintura se independiza. Se busca la belleza ideal a través del orden, simetría, equilibrio y serenidad.

La Imaginería Española

La escultura española está relacionada con el pensamiento religioso y el ambiente que se crea por la difusión de las ideas de la Contrarreforma. El empobrecimiento económico de España frena los encargos de la nobleza y de la burguesía, lo que convierte a la iglesia en el principal cliente del arte a través de monasterios, conventos, parroquias. Las tipologías más frecuentes son las imágenes individuales o formando grupos, retablos, sillerías. Las obras tienen un gran realismo con tanta intensidad que se podrían denominar expresionistas. Ese verismo llega a la necesidad de añadir elementos como vestidos, pelucas, ojos de vidrio. Sin llegar al movimiento propio del barroco italiano, este se consigue utilizando diagonales y escorzos. El material empleado en exclusiva es la madera policromada.

La pintura en madera adquiere tal importancia que a veces son los pintores las que las policroman a intentar conseguir efectos pictóricos sobre la escultura. Se utiliza la técnica del estofado.

Escuelas de Escultura Española Barroca

• La escuela castellana: Cuyo centro principal de producción es Valladolid, y su máximo representante es Gregorio Fernández. Caracteriza a esta escuela por su realismo lleno de patetismo y dramatismo.
• La escuela andaluza: Cuyos centros principales son Sevilla, en donde destaca Martínez Montañés, y Granada, en donde destaca Alonso Cano y José de Mora. Caracteriza a esta escuela en realismo sosegado buscando siempre la belleza elegante y correcta con contenido místico y espiritual.