Masaccio: La Trinidad en Santa Maria Novella

La Trinidad de Masaccio es una pintura al fresco, realizada para una familia aristocrática. Es una de las obras en la que se proyecta por primera vez en el Renacimiento el espacio tridimensional en una superficie plana, gracias al empleo de la perspectiva lineal. Con ella, nos produce la impresión de que la pared está rota, que el espacio tiene continuidad a través de ella, lo cual va a constituir una de las bases de la pintura posterior, hasta llegar a producir una pintura ilusionista en la que no sea posible distinguir entre la realidad y la ficción, que alcanza su punto culminante en el Manierismo y, sobre todo, en el Barroco.

En uno de los muros laterales de la iglesia de Santa Maria Novella (Italia), se sitúa una grandiosa arquitectura pintada, un arco flanqueado por grandes pilastras que soportan además un rico entablamento, abierto a una capilla cubierta por una bóveda de cañón de casetones. En ese espacio arquitectónico se encuentra la escena de la Crucifixión, en la cual acompañan a Cristo su madre María y San Juan. En la parte superior se encuentra una representación de Dios Padre y del Espíritu Santo que, en forma de paloma, se sitúa entre las cabezas del Padre y del Hijo.

En el exterior, junto a las pilastras, se sitúan los donantes, simbolizando claramente el tiempo humano. Cabe destacar que su dimensión es la misma que la de los personajes divinos, lógico en un arte humanista como el Renacimiento. En esta obra, la posibilidad de identificación con el espectador se acrecienta por el tamaño real de las figuras y por la total coincidencia del punto de vista en el espacio real y en la pintura. Los donantes, que se encuentran de rodillas delante de las pilastras, sirven de marco de referencia y punto de unión de lo humano y lo divino, enlazándolos a la escena de la crucifixión.

La composición queda estructurada a base de triángulos:

• Uno equilátero, cuyo vértice es la cabeza de Dios Padre, los dos lados, sus brazos y la base los de Jesús en la cruz.
• Otro triángulo lo forman las figuras de María y Juan con el centro del arco de medio punto que constituye el arco de triunfo en el que se inscribe la escena.
• Todavía se vislumbra un tercer triángulo formado por los donantes y el centro del dintel que remata el arco.

Sus figuras son volumétricas, macizas, contundentes, pareciendo inspirarse en la escultura, con gran realismo y expresividad concentrada en rostros y miradas. En este sentido, cabe señalar la figura de María que dirige su mirada al espectador y con el gesto de su mano derecha nos invita a contemplar la escena. Respecto al color, muestra la modificación que la luz infiere al color, creando claroscuro en los mantos, a base de diferentes tonos.

Influencia en las Artes

Arquitectura

La arquitectura del momento se dejará sentir en toda la serie de motivos decorativos provenientes de la Antigüedad, tales como guirnaldas, grutescos, capiteles corintios, etc. Sin embargo, la principal novedad no radicará tanto en la forma como en el diseño estructural; el cambio apreciable a lo largo del paso de la Edad Media a la Edad Moderna, concretado en la sustitución del pensamiento religioso por el espíritu crítico y empirista, tendrá consecuencias en la forma de percibir el espacio y el tiempo. Frente a la verticalidad propia de las catedrales góticas, en el Renacimiento será la tendente horizontal la gran protagonista, junto con la perspectiva, que concreta la mirada en un punto de fuga, y la proporcionalidad entre las partes. Los espacios interiores se diseñan para que el hombre pueda abarcarlos de un golpe de vista, rompiendo con la tradición. Estos van a ser unitarios, ligeros y diáfanos. Además, en la búsqueda de la coherencia estructural, se recurrirá al uso de las matemáticas a la hora de proyectar el edificio.

Escultura

La aparición de las formas renacentistas se habría insinuado mucho antes en la escultura que en la arquitectura, quizá debido a la influencia de ciertos modelos clásicos procedentes de la estatuaria funeraria o a la menor consideración que, frente a la arquitectura, este arte suele llevar consigo normalmente (hecho que posibilita que el cambio sea más fácil). Sea como fuere, es posible encontrar ya desde época previa características muy vinculadas al posterior desarrollo de la escultura renacentista. El interés por la representación de la naturaleza y el desprendimiento de una consideración absoluta de tipo simbólico, a la cual quedaría supeditada la primera, se pueden apreciar en la escultura del momento. Las composiciones siguen la pauta de la búsqueda de la profundidad por medio del uso de la perspectiva y la plasmación de los tipos humanos responde a una individualización y exactitud mucho más naturalista que la medieval.

Pintura

La pintura va a experimentar una enorme evolución, desde el empleo de las formas aún ligeramente decorativas y el uso de dorados y vistosos colores de Fra Angélico hasta la consecución de los magníficos sistemas compositivos. Se van a suceder toda una serie de aportaciones pictóricas que depurarán el lenguaje renacentista. Sin embargo, puede apreciarse un interés por la representación volumétrica de las figuras, la comunión narrativa de las partes y la representación verista de la naturaleza, las dimensiones y la profundidad.

Contexto Histórico y Artístico

Italia se alzará como la gran renovadora de antiguos sistemas artísticos, por medio de la reelaboración de la herencia grecolatina y, principalmente, de la asunción de un humanismo que intelectualizará la realidad, despojándola del sentido religioso en primera instancia. Los motivos por los cuales este proceso tiene lugar inicialmente en la península itálica son varios: por un lado, hay que tener en cuenta que el espíritu del gótico, así como sus formas, no había terminado de arraigar en este país de igual manera que en el resto de Europa. Además, Italia era precursora en la moderna economía y en la organización política del territorio (mediante sus ciudades-estado) y contaba con una enorme herencia literaria, filosófica y artística clásica a la que se volverá la mirada a lo largo de los siglos XV y XVI.

Cronología y Autor

2425-1427

Antecedentes y Consecuentes

Brunelleschi es el “descubridor” de la perspectiva. Hasta ahora no se habían formulado las leyes matemáticas por las que los objetos disminuyen de tamaño a medida que retroceden hacia el fondo. Fue Brunelleschi quien proporcionó a los artistas los medios matemáticos de resolver este problema. La Trinidad de Masaccio es una de las primeras pinturas hechas de acuerdo con estas matemáticas. Como pintor que marca un antecedente: Giotto, con su sentido didáctico que recoge Masaccio. Michelangelo se inspirará luego en obras de Masaccio, por su perspectiva cromática. Además, sus figuras parecen esculpidas, como luego también las hará así Michelangelo.

Biografía de Masaccio

Tommaso di Giovanni di Mone Cassai (San Giovanni Valdarno, actual Italia, 1401-Roma, 1428). Pintor italiano. La carrera artística de Masaccio es interesante, primero, por la sorprendente relación entre la brevedad de su vida (murió a los veintisiete años) y la importancia, además de relativa abundancia, de sus creaciones, y segundo, por su aportación decisiva al Renacimiento, ya que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.