La Capilla Sixtina de Miguel Ángel

Forma parte de la decoración de la bóveda de la capilla Sixtina realizada por el artista renacentista Miguel Ángel Buonarroti entre los años 1508-1512. Por lo tanto, se trata de una obra pictórica del cinquecento. La decoración de la bóveda de la capilla Sixtina fue un encargo del Papa Julio II. La capilla presenta una planta rectangular de unos 40 metros de largo, 13 m de ancho y 20 m de alto. Las dimensiones de la arquitectura provocaron que M Á dividiera la pintura en varios compartimientos. Las esquinas representan cuatro escenas del Antiguo Testamento. Sobre los ventanales se reconocen figuras que pertenecen a los antepasados de Cristo siguiendo el orden del Evangelio Mateo. El autor sitúa en las primeras filas de la composición a los siete grandes profetas de la Biblia. En los rectángulos centrales alterna el tamaño de las figuras dándole más importancia a las escenas que vienen del Génesis, primer libro del Antiguo Testamento, La Creación. Se puede observar cómo, durante la realización de la obra, se produce un cambio en la manera de componer del pintor. Inicialmente se decantó por representar un gran número de figuras. Más tarde al comprobar su visualización desde el suelo, dada la altura de la capilla, se hacía difícil y confusa, así que cambió la manera de componer con escenas formadas por pocas figuras y de un tamaño mayor. Esto facilitaría visualizar y entender la escena de un modo más sencillo. En cuanto a la técnica, la que se utiliza es el fresco y destaca el predominio de la línea sobre el color. Algunas de las características que definen a M Á como artista son el dominio volumétrico del cuerpo humano, los numerosos estudios anatómicos que realizó, el detalle por la musculatura… Este protagonismo de la figura humana se da gracias a su profesión como escultor donde los personajes adoptan posturas más complejas. Su obra escultórica está presente en ejemplos como Dios creador. Este artista influirá posteriormente en pintores como Caravaggio y Rubens. Respecto a los colores usados por el pintor, tras la restauración llevada a cabo entre 1990 y 1994, se descubrieron unos colores brillantes que contradecían la creencia que hasta ese momento existía por parte del pintor de colores apagados. M Á en un primer momento se opuso a realizar el encargo del Papa Julio II, de decorar la bóveda de la capilla Sixtina. La acabó en un tiempo récord de cuatro años ya que se trataba de una obra ambiciosa. Debemos destacar el talento que muestra M Á a la hora de componer figuras de escenas como pinturas ya que él mismo se describió únicamente como ‘un escultor que pinta’.

El Entierro del Señor de Orgaz

El siguiente óleo sobre tela es conocido por el nombre el entierro del señor de Orgaz el cual se inició en el año 1586 y finalizó en el 1588 actualmente se encuentra en la iglesia de Santo Tomé (Toledo). La temática del cuadro y religiosa y conmemora la figura de don Gonzalo Ruiz el señor de Orgaz quien murió en el año 1323. En el cuadro se aprecian numerosos retratos de personalidades toledanas de la época donde destaca principalmente el difunto en la parte superior encontramos figuras como un ángel Cristo Juan Bautista santos la virgen e incluso la figura del muerto. En la parte inferior del cuarto se impone la representación de un entierro donde se sufre y reza por la persona que ya no está la composición es simétrica donde en la zona superior aparece dios padre en la inferior el cuerpo del conde y en el medio algunos santos que recogen el cuerpo el color contrasta según la zona que observe observemos en la parte de abajo destaca una gran franja negra compuesta por hombres sobre este negro que está con tonalidades como amarillos respecto al resto de personajes el color representa el susto de la influencia veneciana y la capacidad técnica del pintor es el nombre del dominicos Teo toco color es la cena celestial el color lo cambia todo y se hace una división entre ambos mundos en la parte inferior son minuciosos detalles donde abajo la luces muy naturalista en la parte superior la luz es irreal para que no existe una decoración fijada porque existen muchos focos de luz esto lo hace poco realista y genera que el espectador se fije en varios planos. Por lo tanto la perspectiva de arriba ha cambiado por completo a nivel de escala los personajes son más pequeños según bu bajamos a la mirada a la parte inferior y a los planos del fondo dominicos resalta figuras superiores por encima de otra gracias al tamaño y a las posturas el autor nos aporta una nueva definición de la imagen religiosa es muy personal la utilización del color y las formas para entender su visión de lo divino y milagroso representan personajes reales y divinas en un mismo espacio distinguido lo terrenal de lo superior

La Cúpula de la Catedral de Florencia

Cúpula de la catedral de Florencia la obra entre la que nos encontramos es la cúpula que cubre el crucero de la catedral de Santa María de las Fiore de Florencia obra diseñada en el año 1420 aunque no ha finalizado hasta el 1436 es la primera gran obra de la arquitectura del renacimiento italiano al periodo del cuatrocento es chis enfrentó al desafío de diseñar la primera gran público construida en Europa desde el final del imperio romano para ello diseñó un sistema de doble cúpula una exterior apuntada y otra exterior hemisférica la cúpulas tenía una altura recorrida por 8 nervios de mármol que ayudaba a que tomara forma puntada el diámetro de la cúpula era de 45,5 m una altura de 54 m respecto a la cara exterior estaba compuesta por ladrillos Rojillos imitando el modelo romano para contrarrestar ambas bóvedas hemisférica y recurre al sistema arquitectónico medieval fuera de eso el hecho de que en el interior estuviese otra cúpula frente a la puntada exterior ambas estaban unidas mediante ganchos de hierro la bóveda interior era mucho más pesada la cúpula interior estaba decorada con pinturas al fresco y sistemática representa la visión de la gloria Brunel esquí construyó la cúpula buscando que se convertirá en un orgullo y en el símbolo de la ciudad de Florencia el renacimiento como estilo artístico recuperaban los modelos clásicos a abandonando definitivamente el estilo gótico debemos recordar que supone la primera obra renacentista y que fue una gran fuente de inspiración en la arquitectura años más tarde Miguel Angel la invitará con la cúpula de San Pedro del Vaticano.

La Piedad de Miguel Ángel

La siguiente escultura realizada por Miguel Ángel Buonarroti está hecha entre 1498 y 1499 actualmente se encuentra lugar esta escultura del renacimiento italiano se realizó entre el final del cuatro Chento y el inicio del quinto de Chento encontramos una estructura compuesta por dos figuras a escala natural su temática es religiosa y representa a la piedad en Italia existía una tradición de religiosidad la composición que presentan es la de un esquema triangular maria presenta la pierna derecha elevada sobre la que se apoya el cuerpo de Cristo contrasta el cuerpo semidesnudo de Cristo sin exageración de las formas y una gran belleza clásica María viste una túnica con abundantes pliegues los cuales crean efecto de claroscuro la expresión de ella es triste su cabeza parece inclinada mirando hacia el hijo el cual reposa sobre ella y el brazo aparece extendido es importante de sacar la dirección de la mirada de María ya que nos impide el sufrimiento de su hijo sabe destacar la técnica escultura de Miguel Ángel es impecable su dominio en la obra la luz y la sombra se encuentra la belleza de la cultura en una de las obras más hermosas y detalladas de mi de Miguel Ángel respecto A la escultura renacentista italiana tal fue el reconocimiento que se convirtió en un icono de la religión católica transmite aceptación por parte de una madre que ha perdido a su hijo y se lo entrega a la humanidad con el que está de su brazo izquierdo es necesario recordar este Cecilia a art y religiosa que demostró Miguel Ángel.

Venus de Urbino de Tiziano

Se llama Venus de Urbino realizada por Tiziano en el año de una obra que pertenece al renacimiento construido a partir de ahora es sobre lienzo durante el periodo de King y se encuentra en Florencia en la imagen podemos ver que se protagoniza es una Venus desnuda en la cual aparece tumbado en una cama junto a un perro que duerme a sus pies en un segundo plano al fondo a la derecha vemos a dos días realizando labores diarias como puede recoger la ropa ambas se encuentra prácticamente demasiada importancia hay varios significados hipótesis sobre lo que está ocurriendo realmente el lienzo está hecho mediante la técnica pictórica y permite percibir mayores texturas la pincelada es suelta y transmite una visión más realista en cuanto a la composición es totalmente equilibrada y de tensión se encuentra en la mano izquierda la cual reposa sobre su pelvis todas las líneas se encuentran en ese punto en la Venus de Urbino predomina el color sobre la línea y se diferencian los tonos cálidos de los fríos gracias a los dos planos que he comentado anteriormente en el primer plano el autor utiliza colores cálidos en la mujer totalmente desnuda en la cama mientras que en el segundo plano predomina una gran cromática fina con colores como el verde de la cortina o predominan las líneas curvas especialmente en venir contrastan como otras verticales y horizontales como las del muro la columna las vigas vigas de la ventana la luz resalta la belleza de la mujer del primer plano mientras que en el en el espectador esto tiene que ver con la con el espacio donde la profundidad se refleja y se prolonga gracias a los A las niñas de las baldosas los suelos no se dirigen hacia un gran ventanal se denomina perspectiva aérea la figura protagonista es idealista la troca de representar el ideal de vida de la época encontramos al Cash como la piel blanca pelo rubio a las joyas por lo que el canon es perfecto su rostro es expresivo y Sensual la mirada hacia el espectador es directa el autor se inspiró en la Venus dormida 10–aunque éste se aleja del idealismo de renacimiento ya que se aleja de lo divino y mitológico está pintada consciente y orgullosos de su desnudez esta obra renacentista en concreto delLa escuela veneciana fue un encargo del futuro de Urbino y en ella podemos encontrar elementos simbólicos como el perro que se representa la frialdad y el ramo de flores que representa el autor Tiziano fue uno de los más destacados del renacimiento veneciano donde destaca su capacidad de trabajar la pintura en retratos como este investigo sobre la pincelada la línea y tuvo influencias como la Olimpia de Manet y la Venus dormida de Giorgione

El Nacimiento de Venus de Botticelli

El cuadro que vamos a comentar se trata de la nacimiento del Venus realizado en temple sobre tela por el pintor Sandro Botticelli en el año 1485. Esta obra pictórica Representativa del renacimiento italiano pertenece al periodo del cuatrocento. El cuadro se compone de cuatro figuras tres de ellas femeninas y una masculina. En el centro de la composición es está ocupado por una figura femenina desnuda que identificamos como Venus. A su derecha aparece otra figura femenina llamada flora de ahí que vista un cinturón de rosas una túnica floreada Y un manto con el que rodea con la dirección opuesta de la joven Venus. A su izquierda los otros dos personajes impulsan el viento soplando hacia Venus y flora (se identifica como los vientos de cefiro y aura). En un segundo plano la escena se sitúa en un paisaje formado por un mar color turquesa y una orilla con algunos árboles a la derecha. Se trata de un paisaje idealizado que acompaña al conjunto de la escena respecto a la técnica utilizada por el artista predomina un dibujo que limita los contornos de las figuras ropas y paisaje. Destaca el cuerpo desnudo de Venus que adopta la clásica postura del contra posto. Esta postura la joven deja caer el peso de su cuerpo sobre la pierna izquierda mientras flexiona la otra. Esto nos muestra la referencia directa de la estatuaria griega. Respecto a los colores utilizados predomina una gama cromática Clara con colores pasteles (Rosas naranjas turquesas verdes…) Y algunos toques dorados en las alas de los vientos. La luz empleada en la obra viene desde la derecha esto provoca que apenas haya grandes contrastes de luz y sombras. La protagonista Venus nos muestra el ideal de belleza femenino de la época su piel es blanca con ligeras tonalidades amarillas y rosáceas. Se aprecia en su larguísima me le da el efecto del viento y un rubio rojizo. Por lo tanto la obra representaría La unión perfecta entre belleza amor y verdad estas cualidades son las que representa a la diosa Venus. Con esta pieza se observa el interés que surge en Italia durante el renacimiento por la mitología temas mitológicos. Además nos encontramos con el desnudo femenino más allá de la representación de Eva se debe destacar como pionero a Botticelli es una técnica que luego adoptarían pintura es como los del siglo XXI los nazarenos Como Everette mi Jhair y los pintores pompiers

La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci

La obra ante la que nos encontramos es pictórica llamada virgen de las rocas realizada entre los años 1473 y 1486 por el artista Leonardo da Vinci pertenece al periodo del cuatrociento. El tema de la obra es eligió oso mostrándonos cuatro figuras que son la virgen Cristo de niño San Juan y un ángel. Las cuatro figuras componen una composición triangular donde las miradas de los personajes están relacionadas y nos guían por toda la obra. El autor da Vinci dibujaba la expresión de las personas presentándonos un punto de fuga al fondo. Esta lejanía y técnica más adelante se denominará la perspectiva aérea. La siguiente técnica la desarrolló Leonardo investigando la perfección humana donde los contornos se vuelven azules los gestos de las figuras son relajados con plena armonía. Esto se debe a la belleza idealizada que poseía el autor. En su obra hay un predominio de la línea sobre el color. Los colores de la virgen y el ángel se relaciona muy bien entre ellos hay un equilibrio. La luz tiene un gran protagonismo ya que es muy representativo claros y oscuros de esta pintura existían varias versiones en las que el color tiene mayor intensidad todos los detalles del artista son minuciosos cada uno representa algo en el caso del niño Jesús el cual aparece desnudo representa la inocencia mezclada con la naturaleza. Naturaleza es fiel a la realidad pues presenta una vegetación Muy detallada se trata de una pintura renacentista el periodo sin que cento en la que se vuelven a poner de moda los valores clásicos y sus ideales vuelve la proporción la razón las matemáticas regresa la belleza idealizada y se trata de la etapa más clásica siendo por lo tanto la más valorada y prestigiosa. Leonardo da Vinci era escultor y científico su vida era apasionante respecto a la investigación. Destacara su pintura desde el cuatrociento hasta el Cinquecento mediante complejas composiciones esta hora se basó en el ejemplo de la sagradas conversaciones del cuatrociento italiano

Villa Capra La Rotonda de Andrea Palladio

La siguiente obra es una vídeo arquitectónico llamado Villa Capra la rotonda construida por Andrea DiPietro de la góndola paladio en 1551 y 1553 la siguiente vivienda presenta una planta centralizada compuesta por tres figuras geométricas que se

inscribe en una dentro de la otra un círculo central un cuadrado y una cruz idea en esta composición se crean cuatro pórticos de acceso orientados en los cuatro puntos de la cruz todas estas entradas dirigen a la rotonda central las distintas estancias, comunican los dos pisos interiores por escaleras de caracol adosadas a la rotonda la cual estaba reservada como salón de reuniones fiestas etc. el material utilizado es la piedra coagulada en sillares ladrillos muy bien aparejados. El muro predomina dada sus dimensiones ya que existen tres pisos un semisótano una planta principal y una azotea superior  para las habitaciones la diferencia entre las tres plantas se Realiza a través de entablamiento de origen clásico los pórticos son esas tiras y de orden jónico la escalinata de acceso al pórtico elevan el pórtico sobre un pódium respecto al edificio en el pórtico crea una pequeña Pronounce y la altura se se Remata con un frontón clásico con estatuas. La cubierta es adintelada a excepción de la rotonda que se cubre con una cúpula que apenas resalta en el edificio sus decoraciones clásica y está compuesta por cornisas frontones… Las esculturas se adaptan en proporción siguiendo los ejes creados por las columnas.A la hora de construirlo tuvieron cuenta los claroscuros Que crea la luz sobre las entradas y la columna en general el muro presenta unas cualidades volumétricas. Encontramos numerosos rasgos clásicos el templo griego en los pórticos el espacio centralizado con la cúpula sin tambor los frontones los entablamientos…