DAVID

Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1623-1624
Escultura de mármol blanco que representa al futuro rey David en el momento en que tensa la honda para lanzar una piedra a Goliat. Captura el tema clásico de los jóvenes atletas griegos y presenta una composición abierta con claroscuro (trépano). El cuerpo se apoya en ambos pies y está ligeramente girado, mientras que la cara muestra concentración y tensión. La escultura transmite movimiento y tensión, con una línea diagonal ascendente que dirige la mirada hacia la honda. El espectador debe girar alrededor de la obra para apreciar nuevos detalles. A diferencia de otras representaciones de David, esta no es idealizada sino que muestra un humano realista.

APOLO Y DAFNE

Autor: Bernini
Cronología: 1622-1624
El tema procede de la Metamorfosis de Ovidio. Apolo se burla de Eros por su dominio con el arco, quien le lanza una flecha del amor y a Dafne una flecha del rechazo. Apolo persigue a Dafne por los bosques hasta acorralarla y pedir ayuda a su padre, quien la convierte en laurel. Apolo consigue llevarla siempre con él. La escultura es de tamaño natural y expresa el terror de Dafne al ver que Apolo la alcanza, mientras que Apolo muestra asombro ante la transformación de Dafne. Capta el instante de la acción, con Apolo tocando a Dafne y ella en el momento de su metamorfosis, por lo que presenta partes humanas y vegetales. La composición es dinámica y el claroscuro resalta las partes pulidas de los cuerpos. Hay diferenciación de texturas a partir del mismo material (mármol): ásperas para las rocas y el laurel, y suaves para la anatomía de los personajes.

LA FRAGUA DE VULCANO

Autor: Velázquez
Cronología: 1630
Oleo sobre lienzo que describe una escena de Las Metamorfosis de Ovidio. Apolo irrumpe en el lugar donde Vulcano fabrica una armadura para Marte. Vulcano mira a Apolo con expresión dramática tras escuchar una mala noticia, mientras que los demás personajes muestran sorpresa. Apolo enmarca el centro de la composición. La figura de la derecha, en escorzo, crea profundidad y completa la composición. La figura del fondo, menos definida y trabajada, recrea el plano del fondo. Presenta características del estilo barroco: interés por captar un instante y expresividad de los personajes. Vulcano, en el centro y de frente, tiene el protagonismo, aunque la figura de espaldas tiene más iluminación, una técnica habitual de Velázquez. Las figuras centrales se relacionan en círculo. Velázquez inició sus ensayos de perspectiva en esta obra con la figura del fondo. Muestra su habilidad para plasmar las calidades de los objetos, como el metal al rojo, el brillo de la armadura o la cerámica blanca de la jarrita. Predominan los tonos ocres. El asunto es una escena de la mitología romana, pero Velázquez la interpreta con personajes contemporáneos, humanizando el hecho mitológico: Vulcano es un herrero, al igual que sus ayudantes, que son hombres del pueblo. Velázquez muestra interés por el desnudo desde su llegada a Madrid, pero este desnudo aumenta en sus obras después de su primer viaje a Italia, influenciado por las obras italianas inspiradas en el mundo grecorromano.

LA RENDICIÓN DE BREDA/LAS LANZAS

Autor: Velázquez
Cronología: 1634-1635
Oleo sobre lienzo que pertenece a una serie de cuadros de historia que muestran los triunfos militares de la monarquía española. Plasma un episodio histórico sucedido en Países Bajos en 1625, cuando los tercios españoles derrotan a los ejércitos holandeses y ocupan la ciudad. El cuadro representa el momento en que Justino de Nassau entrega las llaves de la ciudad de Breda a Ambrosio de Spínola. Cuando Justino quiere arrodillarse, Spínola se lo impide, mostrando respeto. La llave simboliza la rendición. En el fondo se ve un paisaje afectado por la guerra y en primer plano a los dos bandos implicados: el español en el lado derecho y el holandés en el izquierdo. Destacan las vestimentas y el desigual armamento de ambos ejércitos. La composición es equilibrada, con vencedores (españoles) y vencidos (holandeses) en el centro. Alrededor de estos personajes se disponen las tropas. Las españolas a la derecha, numerosas y perfectamente organizadas. A la izquierda los holandeses, pocos y en apariencia desordenada. Hay realismo en la obra, apreciando un amplio abanico de texturas y elementos cargados de naturalismo. Velázquez se recrea en la representación de los personajes y los estudia psicológicamente para plasmar el realismo. Involucra al espectador: pinta a algunos personajes de espaldas, como el espectador, mientras otros miran fijamente. El paisaje de fondo es plano y brumoso, correspondiente a una zona con una batalla sucedida; emplea pincelada suelta, predominio del color y perspectiva atmosférica. El personaje a la derecha del caballo en primer plano es el propio Velázquez.

SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES

. AUTOR: Francesco Borromini. CRONOLOGÍA: 1638-1641. La iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane fue construida para la orden española de los Trinitarios Descalzos. San Carlino, dedicada a San Carlos Borromeo, se considera una obra maestra del Barroco. Esta obra debía servir como residencia para monjes con dormitorios, biblioteca y refectorio. En su alzado interior se compone: Cuerpo bajo: dieciséis columnas gigantes soportan un entablamento corrido que retoma la forma ondulada de la planta. Segundo nivel ; cuatro amplias pechinas y cuatro bóvedas de cuarto de esfera. Tercer nivel: la cúpula ovalada decorada con casetones decrecientes. Presenta una planta romboidal ondulada, formada por la unión de dos triángulos equiláteros con una base común. dividió la fachada en dos pisos ; En el piso inferior se repite la secuencia: cóncavo-convexo-cóncavo. mientras q en el  piso superior permanece uniformemente cóncavo. El piso inferior está rematado por un entablamento. En el superior el entablamento está despegado en tres segmentos separados. En el piso inferior ventanas ovaladas sirven de apoyo a nichos con estatuas, mientras q en el piso superior se invierten los términos.

Borromini busca envolver al espectador en un conjunto de experiencias sensoriales en continua transformación. FACHADA DEL VATICANO. AUTOR: CARLO MADERNO CRONOLOGÍA: 1607-1612. MATERIAL: piedra en aparejo de sillería.  Destaca el uso de elementos clásicos: pilastras, columnas del orden gigante, capiteles, frontones, arcos de medio punto, entablamento con entrantes y salientes, balaustradas. Se divide en dos niveles: Inferior: – tiene un cuerpo central con columnas de orden gigante corintias que enmarcan dos plantas, Abajo las puertas son adinteladas y de medio punto sobre columnas. Encima vanos rectangulares y sobre ellos balcones con arcos de medio punto enmarcados por columnas de frontones triangulares. Este nivel se remata con un frontón triangular. En los extremos (lo que iban a ser las torres) hay un gran portal con bóveda de medio cañón y balcón con arco de medio punto. Un entablamento con arquitrabe, friso y cornisa partida separa este nivel del ático. En el ático, entre las pilastras hay vanos cuadrangulares y rectangulares.
Rematan este nivel unas esculturas como elemento decorativo. Estas estructuras rompen con la armonía del clasicismo creando efectos de claroscuro. 

LAS MENINAS. AUTOR: Velázquez. CRONOLOGÍA: 1656 Óleo sobre tela. Destaca la composición de los personajes en 
distintos planos formados por grupos (las meninas y la infanta, Velázquez…) el claroscuro sobre los personajes y los
objetos; la perspectiva aérea que hay en toda la habitación de
una atmósfera tan luminosa como misteriosa. La infanta Margarita, vestida de blanco, aparece en el centro, rodeada allí por sus “meninas“ y de dos bufones de la Corte y un perro mastín a la derecha del cuadro). dos posibles narraciones: la narración de la escena: según la mayoría de los autores, capta la escena de entrada de la infanta Margarita en el taller, cuando el pintor está retratando a los reyes. segunda posibilidad: Velázquez está en el acto de pintar el mismo cuadro que nosotros vemos siendo los reyes los que irrumpen en la escena. Carc. formales: convierte al espectador en el protagonista del cuadro, hacia él se dirigen todas las miradas de los personajes representados, incluso la de Velázquez. 

Sensación de profundidad:utiliza distintos planos de profundidad: dos grupos de tres figuras: uno es el de  enanos y perro; infanta y meninas; y el otro el de Velázquez, ancianos y el espejo. En la obra existen dos focos de luz. Paleta de gran riqueza cromática, destacando los matices del blanco y el negro y su contraste con el rojo de los detalles de los vestidos. Modelo: el recurso del espejo está tomado del Matrimonio Arnolfini. ÉXTASIS DE SANTA TERESA. AUTOR: Gian Lorenzo Bernini. CRONOLOGÍA: 1645-1652. La obra forma parte de una gran escenografía. La familia Cornaro representada en dos palcos, uno a cada lado. Representa el momento de las visiones de Santa Teresa, cuando sintió cómo un ángel se le aparecía en sueños y le atravesaba el pecho con una flecha de amor divino, lo que le causó una sensación de dolor y gozo simultáneo, y la dejó levitando sobre las nubes. Destaca el fuerte dinamismo a través del cruce de diagonales, formando un aspa. El tema es típico del Barroco contrarreformista. Fuerte expresividad del rostro: la cabeza hundida hacia atrás, los ojos en blanco, la boca se abre.  El material fundamental de la escultura es mármol, que se enriquece con los rayos hechos de bronce dorado. 

Claroscuro: la luz incide y resalta la superficie desnuda de los paños y nubes, verdadero muestrario de texturas, blandas en las carnes, duras y lisas en los ropajes de la santa, nubes. LAS HILANDERAS. AUTOR: Velázquez. CRONOLOGÍA: 1657. Óleo sobre lienzo. La composición es compleja y se realiza en varios planos superpuestos. En un primer plano observamos a 5 hilanderas preparadas para una jornada de trabajo. en el fondo, apreciamos a otras 3 mujeres contemplando el trabajo final. A la izquierda dos de ellasA la derecha se aprecian otras tres hilanderas en diferentes posturas, encargadas de hacer ovillos y cardar la lana, lo que nos muestra un realismo. En el fondo, en una estancia más elevada e iluminada, aparecen 3 mujeres observando el tapiz que cuelga de la pared y que nos cuenta “la fábula de Aracne”: Aracne era una de las mejores tejedoras de Grecia y como su maestría se comparaba a la de Atenea le  reta y esta acepta. Atenea ganó el reto y Aracne se sintió tan humillada que intentó quitarse la vida, como castigo a su vanidad la convierte en araña.

Otra vertiente dice que es la propia Atenea la que pierde el reto contra Aracne y su prepotencia la llevó a convertirla en araña. Extraordinario y detallado manejo de la luz. CÁTEDRA DE SAN PEDRO. Autor: Gian Lorenzo Bernini. Cronología: 1656-1666. Esta obra, encargada por el Papa Alejandro VII, se trata de un monumento realizado en mármol, bronce dorado, estuco dorado y vidrieras. Fue construida tras el altar para acoger la
supuesta reliquia de la silla de San Pedro. La reliquia se encaja en una silla de bronce elevada, para ser vista por encima del altar. Parece elevarse sobre nubes doradas que contribuyen a acentuar el efecto de liviandad. Una ventana-vidriera representa al Espíritu Santo. Esta obra fue hecha como un elemento de propaganda. la corrupción había provocado la aparición del protestantismo. COLUMNATA DE SAN PEDRO DEL VATICANO. AUTOR: Gian Lorenzo Bernini. CRONOLOGÍA: 1656-1657. MATERIAL: mármol y piedra. Bernini, en lugar de una solo plaza, realizó dos unidas: la primera es la «plaza recta» y la segunda es elíptica. La plaza trapezoidal se cierra obligando ópticamente al espectador a centrarse en la cúpula. En cuanto a la plaza elíptica, la presencia del obelisco impide la visión frontal de la cúpula. 

Cada uno de los brazos ovalados consta de una columnata formada por 184 columnas y 88 pilastras toscanas que forman tres calles. La columnata sostiene un entablamento jónico y una balaustrada con estatuas de santos y mártires realizadas por discípulos de Bernini, símbolos del triunfo de la iglesia.