La Raya Verde: Matisse (La Danza), siglo XX, óleo, 40×30, estilo fovista, tema retrato.

Pincelada amplia, de color verde brillante al frente, y parte la tela en dos mitades. Con esto crea sombra artificial. A la derecha, tonos fríos; a la izquierda, cálidos. Esquemático y geométrico, con libertad de colores y fuertes contrastes (profundidad). Explicar fondo soso. Pincelada pastosa y amplia. / Utiliza el retrato para hacer un ejercicio vanguardista. Quería plasmar su visión de su mujer. Protagonistas: colores. / Van Gogh influyó a Raoul Dufy. Paisaje al Estaque: Braque (Tejados de Cereta), siglo XX, óleo, 80×60, estilo cubista, tema paisaje. / Verde de una pequeña planta introduce al espectador en una naturaleza extraña. Simplificación de la figura por medio de la reducción geométrica. Espacio dominado por diferentes puntos de vista y focos lumínicos. Cada objeto tiene su iluminación. Sombreado para sensación de volumen. Apariencia plana y también tridimensional. Mezcla colores cálidos (castaños, ocres) con fríos (azules, grises). Paleta apagada con falta de luminosidad. Sintetizan con claridad las bases estilísticas. / Vista particular del pueblo que hace un ejercicio compositivo a partir de formas geométricas. Se han de enmarcar dentro de la serie de paisajes de Braque. En los inicios del cubismo se usaban paisajes. / Cézanne influyó a Picasso. Composición IV: Kandinsky (Composición VI), 1,6×2,5, estilo abstracto, tema lucha de caballeros. / Pintura no objetiva más representativa al comienzo de 1910. Sus formas recuerdan a objetos de la naturaleza. Al lado izquierdo, dos “genets” parecen que están luchando encima de un arco iris. Mientras, en el centro, un castillo corona una montaña azul. Esta escena se puede dividir en dos mitades bien diferenciadas. A la derecha, figuras más representadas. Dinámico a la izquierda y serio a la derecha. Libre disposición de colores (azul, rojo, verde y amarillo). Crea un juego rítmico lleno de contrastes emocionales. / No se puede encontrar ningún significado simbólico. Quiere que se limite a líneas y colores con el objetivo de sensibilidad. Va al alma. Impresión directa. Muestran sus emociones internas. Las composiciones son las maneras de sentir interiores del artista. / Música influyó a Franz Kline.

Interior Holandés I: Miró (El Carnaval de Arlequín), 90×70, estilo surrealista, versión El Tocador del Laúd de Hendrick Sorgh.

Eje central: personaje. Se distribuyen a su alrededor otros elementos importantes (perro, gato, mesa, etc.) con lo que consigue movimiento centrípeto. Se ven los estilos y el lenguaje de Miró: formas orgánicas en el espacio, trazos negros vigorosos, elementos naturales y abstractos, así como un rico cromatismo en blanco y negro. No se aplican leyes de perspectivas del espacio. Juega con teorías de los colores según tonalidades cálidas. Consigue transformar una obra con cierto orden y una composición rigurosa, en una sensación dinámica y alegre, y consigue automatismo surrealista.

Tela de la famosa serie que pintó después de visitar Holanda en 1928. Lo reinterpreta con su lenguaje. Expuso parte de su obra en la galería y lo vendió todo. Tocador de laúd.

Kandinsky influyó al surrealismo.

La Persistencia de la Memoria: Dalí (El Gran Masturbador), 20×30, estilo surrealista, tema onírico.

Paisaje atemporal y solitario con playa. A la izquierda, composición y en primer plano una piedra donde hay dos relojes: uno metálico con hormigas y otro con una mosca. También hay una olivera seca con un reloj incorporado. Detrás, una madera. Al centro, un reloj con un rostro humano durmiendo. Dibujo muy meticuloso de precisión sorprendente. La luz foco no visible a la derecha. Gran brillantez. Predominan ocres y azules.

Evoca el eterno problema del pasado y del tiempo utilizando una escena completamente irracional, procedente del mundo de los sueños. Rostro del centro: Dalí. Las hormigas y moscas tienen relación con el paso inexorable del tiempo. Los relojes simbolizan el control del tiempo. Relojes blandos: recuerdos y los duros: el presente.

Giorgio De Chirico.

Guernica: Picasso (Las Señoritas de Avignon), 3,50×7,80, estilo cubista expresionista, tema denuncia política. / Escenario angustiado en el que se reconocen mesa, ventanas, tejado y baldosas. Nueve figuras: seis personas y tres animales. Debido al caos, se estructuran de forma triangular por dos ejes verticales. El vértice superior se encuentra en el centro, cerca del quinqué, y baja en diagonal a los extremos de la tela. En el centro hay un caballo con una lanza clavada, a la izquierda una mujer semidesnuda, y sobre las patas del caballo un soldado descuartizado. Ordena en sentido ascendente una trágica maternidad y un toro, que a su lado hay un pájaro. A la derecha, una mujer atrapada en un incendio. El autor consigue plasmar el horror de la guerra entre el cubismo y el expresionismo. La multiplicidad fraccionada da sensación caótica y destructiva de las bombas. Luz artificial e irreal, porque los focos pintados no dan luz. Color blanco, negro y gris debido a las fotos del periódico, aunque da impacto visual de forma y gesto. / En 1937, la Legión Cóndor alemana bombardeó Guernica. Esto hizo captar la atención de Picasso, el cual el gobierno le encargó una pintura para la Exposición Internacional. Denuncia del ataque aéreo. Mujer con brazos levantados: dolor físico; mujer corre perseguida, hijo en sus brazos: dolor psicológico. Soldado descuartizado, dos Españas. Personaje por la ventana: voluntad de supervivientes. Luz del techo: falsa propaganda nacional. Gran número de interpretaciones; Picasso dijo que el dibujo no escribió. En definitiva, grito contra la crueldad de la guerra. / La Matanza de los Inocentes de Reni.

Museo Guggenheim: O. Gehry, tipología museo, piedra caliza, cristal y titanio, estilo deconstructivista. / Visión exterior creada a partir de: ortogonales recubiertos por piedra y las curvas recubiertas de láminas de titanio. Se combinan y se unen a los muros de manera de cortina de cristal y relaciona el exterior e interior. Remarcable la cristalera de la entrada, realzada por una marquesina. La entrada se esconde en una escalinata. Con esto consigue crear visión global. Vestíbulo de 50 m. con tres niveles de salas expositivas: 11,000 m². La más importante: sala Pez de 30 m y 130 m. Casi toda la iluminación es natural. / Entorno: Río Nervión. Aunque mide 50 m de altura, no es uno de los más altos. Ha conseguido integración urbanística en el entorno, gracias al color metálico y reflejo al agua. Imagen de la ciudad. / Función: Museo de la Fundación Solomon. Arte contemporáneo. Sus formas orgánicas parecen las de un barco (homenaje a la ciudad). / Filósofo Jacques Derrida. Programa de simulación.

Elogio del Agua: Chillida (Elogio del Horizonte), tipología exenta, hormigón y acero, 7×6.5, estilo abstracto, tema alegórico.

Estructura de 54 toneladas, suspendida en el aire por unos cables de acero. Hay un estaño encima en el que interaccionan las cuatro garras, las cuales forman el cuerpo y convergen en un punto interno donde está toda la expresividad. Se manifiesta con unas formas libres y espontáneas que traducen unas ocupaciones metafísicas del escultor. Consigue que irrumpan la gravedad y el aire (parece más ligera). Parece que las garras quieran coger el aire. Compenetración con la naturaleza. Gran belleza desde diferentes puntos de vista.

Suspendida en el aire, recuerdan a las garras para coger el aire. Relación con el entorno refuerza el significado. Reflejo del agua: mito griego de Narciso.

Monumentos prehistóricos. Maman: Bourgeois (El Desafinamiento), bronce, acero inoxidable y mármol, 9x9x12. Estilo expresionista, tema alegórico. / Se eleva sobre ocho gigantescas patas de bronce. Las patas recuerdan catedrales góticas, no están tensas, reproducen la movilidad de las extremidades. Superficie rugosa e imperfecta. Las patas concluyen en un cuerpo central de dimensiones reducidas en el cual hay un tejido metálico con huevos de araña (piedras de mármol blancas). / Serie esculturas Spider. Son un homenaje a su madre que tenía un negocio de tapicería. Conecta con traumas psicológicos de la artista (menosprecio de su padre y cuernos con mujeres). El tema sería la araña defendiendo a sus huevos. Reconstrucción de emociones por la artista. / Surrealismo, expresionismo abstracto e influyó a Frida Kahlo. Sopa Campbell’s: Warhol (Elvis), acrílico y serigrafía, 90×60, estilo pop art, tema naturaleza muerta contemporánea. / Lata de sopa sobre fondo neutro (hace que el contorno con una línea negra consiga cierta profundidad). Vista frontal destaca nombre, ligera perspectiva aérea. Modifica colores (naranja, verde, amarillo, etc.) sin ninguna mezcla, y planos (sin claro-oscuro) aunque fiel al original. / Simple lata de sopa. Aproxima la expresión artística a la clase popular. Demostró que cualquier objeto puede ser arte. Rompió la obra única al ser una serie. / Debido a su trabajo como ilustrador publicitario y Rauschenberg, influyó a este.

U: Pollock (Verano: Número 9 A), óleo, esmalte y pintura de aluminio, 1,6×2,6, estilo expresionista abstracto, tema abstracto.

Toda la superficie pintada (all-over painting). Realización de un ritual (tela al suelo y pintaba con bastones, cuchillos). Los densos entramados lineales, por los regatos de diferentes colores, reproducen pictóricamente ritmos dinámicos. Abandona la composición en temas relacionados entre partes. Esto hace que el espectador no tenga ningún punto de referencia. Al igual que la forma, el color no sigue leyes tradicionales. No existe una lógica de contraste, sino deseo de pintar en estado puro. Superposición de capas de pintura. Colores fríos (menos un punto de rojo).

Denso entramado de líneas y manchas. Dando a la obra el nombre de una letra refuerza el carácter abstracto. Este dripping resume todo el lenguaje plástico del pintor: gran formato, libertad expresiva y abstracción. Este proceso creativo se conoce gracias a las películas de Hans Namuth.

Kandinsky y Monet influyeron en el body art y happenings.

Cruz y R: Tàpies (Armari), técnica mixta sobre madera, 162×16. Estilo informalista, tema abstracto.

Pone símbolos y letras sobre fondo meteórico (mezcla pintura y arena). Centro compositivo: cruz blanca, sobre la cual hay una H también blanca y una R de color negro con pinceladas rápidas y pastosas. A la izquierda, R, T inclinada con gato. Uso la técnica del grattage, consigue efecto tridimensional. Colores reducidos: ocre, rojo, blanco, negro.

Las letras A y T son su nombre y el de su esposa o su apellido. La + son fuerzas opuestas que se encuentran en un punto (orden y sentido en composición). La R dicen que es Ramón Llull (pintar es reflexionar). De esta manera, las obras de Tàpies permiten lecturas diversas.

Wols. Es el más importante pintor catalán contemporáneo.

El Machismo Curará a los Enfermos: Kahlo (Las Dos Fridas), óleo, 80×60, estilo surrealista y tema simbólico.

Se estructura a partir del autorretrato. A partir de su figura se sitúan todos los otros elementos escénicos. A la izquierda, peligro imperialista; y a la derecha, paz machista. Arriba, Marx comparte protagonismo con Kahlo. Sensación de dinamismo gracias a las diagonales (muletas, manos, etc.). Cada elemento tiene intención realista clara, y todo trazado con una fina línea negra. El realismo se rompe en la comprensión global de la obra, así como la luz y colores. El rojo (peligro) y otras tonalidades oscuras a la derecha, alusivas al imperialismo. En cambio, azul (serenidad), amarillo y más claros a la izquierda (positivo).

Fe en el comunismo. Se autorretrata con un corsé con un paisaje dividido: tierra pacífica y parte amenazada. Primera sale la paloma de la paz entre países comunistas (URSS y China). Parte oscura: ríos de sangre, bomba atómica y águila americana. Salvación es el retrato de la Frida.

Experiencia vital y Diego Rivera influyó a André Breton.