Comentario de obra: Casa Milà (La Pedrera)

Esta obra se denomina Casa Milà o La Pedrera. Su autor es Antonio Gaudí. Se encuentra en Barcelona (España). Su cronología es de principios del siglo XX.

Este exterior arquitectónico se adscribe al Modernismo español, estilo artístico caracterizado por la reinterpretación de las formas de la naturaleza a través de la geometría, utilizando líneas curvas helicoidales.

Gaudí consiguió esta obra de ritmo ondulante como gran pedestal de roca erosionado, para un grupo escultórico con la Virgen del Rosario, que al final no fue colocado. La arquitectura se convierte así en un organismo vivo con referencias al mundo natural. Se asemeja a un grupo de montañas excavadas, de ahí el nombre popular de La Pedrera, con arbustos metálicos en los balcones y cumbres nevadas con chimeneas antropomórficas.

Comentario de obra: Casa Tassel

El nombre de la obra es Casa Tassel. Su autor es Víctor Horta. Su cronología es de finales del siglo XIX. Se localiza en Bruselas (Bélgica).

Este interior arquitectónico pertenece al Art Nouveau, desarrollado en Bélgica y Francia, caracterizado por la utilización de cubiertas y fachadas ondulantes, el uso del hierro sin necesidad de ocultar sus líneas y la decoración basada en la vegetación.

Horta utiliza en esta obra la flexibilidad del hierro contrastándolo con la dureza de la piedra. El hierro se muestra de una forma clara, apareciendo los soportes metálicos de las columnas. Destaca el interés por el mundo vegetal, presente en los papeles pintados de las paredes, los azulejos y los mosaicos del suelo.

Comentario de obra: La persistencia de la memoria

Esta obra se denomina La persistencia de la memoria. Su autor es Dalí. Esta obra se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos. Su cronología es del primer tercio del siglo XX.

Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Surrealismo figurativo, caracterizado por el interés por la vía onírica, con obras que muestran un realismo fotográfico.

Dalí representa un escenario onírico compuesto de elementos reales y extraños: un paisaje costero y rocoso, una figura amorfa tumbada en la playa que parece muerta o agotada (es un autorretrato del artista, presente también en la obra de El gran masturbador), una mesa o un pedestal, un pequeño árbol seco, un reloj cubierto de hormigas, otros tres de formas extravagantes por su naturaleza blanda y una mosca posada sobre uno de ellos.

Comentario de obra: El Carnaval de Arlequín

Esta obra se llama El Carnaval de Arlequín. Su autor es Joan Miró. Se encuentra en la Galería de Arte Albright en Buffalo, estado de Nueva York, en Estados Unidos. Su cronología es del primer tercio del siglo XX.

Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Surrealismo abstracto, caracterizado por crear universos figurativos personales a partir del automatismo más puro.

Miró creó un lenguaje poético y onírico donde aparecen una serie de elementos que parecen flotar sobre una estancia ilusoria. Los elementos más destacados son los siguientes:

• El arlequín adornado con unos grandes bigotes.
• Un autómata que toca la guitarra.
• Un gato persiguiendo un ovillo.
• Una escalera con una oreja incrustada, etc.

Asimismo, encontramos insectos, peces, notas musicales, etc. Todos estos elementos simbolizan el hambre que padece el artista en una etapa de su vida, produciendo alucinaciones que intenta plasmar en la obra.

Comentario de obra: Máquina de coser electrosexual

Esta obra se llama Máquina de coser electrosexual. Su autor es Óscar Domínguez. Esta obra se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid. Su cronología es de la década de los años treinta del siglo XX.

Esta pintura de óleo sobre lienzo pertenece al Surrealismo figurativo, caracterizado por su interés por la vía onírica, mostrando en sus obras un realismo fotográfico.

Óscar Domínguez, artista nacido en La Laguna, nos muestra en esta obra el cuerpo luminoso de una mujer desnuda, sobre un fondo oscuro. Se encuentra boca abajo y con la cabeza cubierta. Sus piernas están siendo devoradas por una planta carnívora, mientras sobre su espalda cae un hilo de sangre de un embudo que es vestido desde la cabeza de un toro.

La joyería modernista

La joyería había sido hasta entonces un arte propio de la alta sociedad aristocrática, pero la burguesía supuso una revitalización vertiente del diseño artístico donde la creatividad era lo importante. La naturaleza será una de las principales fuentes de inventiva, sus plantas y flores, así como animales. Se incorporan nuevas gemas brillantes como ópalos o el ámbar. Bruselas y París fueron los centros primordiales. En la capital francesa encontramos a René Lalique, quien convirtió la naturaleza en joyas. Agregando influencias japonesas, creó piezas particulares como las libélulas y comenzó a concebir frascos. Sus creaciones le valieron los encargos para la decoración de numerosos barcos, trenes, iglesias y numerosa orfebrería religiosa y civil. En España, concretamente en el foco catalán, destacamos la labor de Luis Masriera, quien creará siguiendo la línea de Lalique.

El Modernismo – Art Nouveau (1890-1920)

El Modernismo supone la renovación artística. Tan solo duró unos 25 años con un estilo unitario que aparece durante el cambio del siglo XIX al XX. Todos los países se enfatizaron para nombrarlos como “nuevo”, “joven” y “moderno”, esto hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno que representará una ruptura con los estilos dominantes en la época de tradición academicista como los rupturistas. Es la estética nueva, predominando la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial como el hierro y el cristal. El modernismo se dio en la pintura, escultura y arquitectura, también en las artes aplicadas y decorativas, en las artes gráficas y en el diseño del mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica y azulejería, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluso el mobiliario urbano que pasó a tener gran importancia.

Características:

• Inspiración en la naturaleza y uso profundo de elementos de origen natural como vegetales y formas redondeadas que se entrelazan con motivo central.
• Uso de la línea curva y la simetría en las plantas y alzados decorados.
• Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento de las ondas en los cabellos y en los pliegues de la vestimenta.
• Libertad en el uso de motivos de tipo exótico de pura fantasía, como las estampas japonesas.
• El Art Nouveau se convierte en el estilo de la burguesía debido a sus elevados precios, posicionándose por tanto al servicio de lujo.

Las primeras muestras arquitectónicas surgen en Bélgica (Bruselas) de la mano de Víctor Horta. Las características de la arquitectura modernista son:

• Las cubiertas y fachadas juegan con las ondas.
• El hierro expone su carácter expresivo resaltando su esbeltez sin necesidad de ocultar.
• La decoración basada en la vegetación posee tanto continente como contenido creando piezas decorativas.

Las obras más destacadas son: la Casa Solvay, la Casa Tassel, la fachada de la casa Horta, etc.

Surrealismo

El movimiento artístico surrealista surge hacia la década de los años 20, formulando un proyecto de futuro más en contacto con la realidad y que se presenta como un instrumento transformador de la sociedad. El término proviene del francés “surréalisme” (sobre el realismo). También se define como “una realidad que se supera”. Fue acuñado por Apollinaire en el programa de radio Parade. Esta nueva alianza ha dado lugar a una especie de surrealismo en el punto de partida del Espíritu Nuevo. Los surrealistas señalaron como precedentes del movimiento surrealista a Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier. Las teorías psicoanalistas de Sigmund Freud sobre el sueño y el subconsciente fueron uno de los pilares. Ponen de relieve la importancia del conocimiento del yo profundo, la lectura de los sueños y el automatismo, volviendo la mirada hacia el niño interior. Para ello es necesario escapar de la lógica de la realidad para sumirse en el mundo de lo irracional y lo inconsciente en el mundo puro. Renuncian al racionalismo para dejar paso a la imaginación como fuente del proceso creativo. Es frecuente, además, el deleite en las cuestiones eróticas derivadas de la doctrina de Freud. Los surrealistas encuentran un espacio abierto a los sentimientos reprimidos para encauzar parte de la libido para derribar los obstáculos del recato y redescubrir el erotismo, la sensualidad y la profundidad del amor. En la pintura, el precedente más notable es Giorgio de Chirico y su pintura metafísica, así como El Bosco y El jardín de las delicias. La primera fecha histórica fue 1916, año en el que André Bretón descubre las teorías de Freud. En 1924, Bretón escribe el primer Manifiesto Surrealista. El automatismo psíquico puro se intenta expresar mediante el funcionamiento real del pensamiento. Surgió, por tanto, como un movimiento poético en el que la pintura y la escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía (automatismo). Bretón expone la psicología surrealista: el inconsciente es la religión del intelecto donde el ser humano no objetiva la realidad sino que forma un todo con ella. El arte es comunicación vital directa del individuo con el todo. Esa conexión se expresa en las casualidades significativas, en las que el deseo del individuo y el devenir ajeno a él convergen imprevisiblemente, y en el sueño donde los elementos más dispares se revelan unidos por relaciones secretas. El surrealismo propone trasladar estas imágenes al mundo del arte por medio de una asociación mental libre, sin la intromisión censora de la consciencia. De ahí que elija como método el automatismo. A partir de 1925 el surrealismo se politiza; se producen los primeros contactos con los comunistas, que culminarían con la adhesión al Partido Comunista.

Claves del surrealismo cinematográfico: la obra de Luis Buñuel

Luis Buñuel, aragonés, fue un director de cine español que estudió en La Residencia de Estudiantes donde conoció a Federico García Lorca, Dalí o Alberti. Se sintió atraído por las vanguardias y comenzó a trabajar haciendo crítica cinematográfica. La filmografía de Buñuel se divide en tres etapas: sus inicios en España y Francia, su estancia en México y su regreso a Europa.

En su primera etapa vivió en París donde consiguió hacer su primera película: Un perro andaluz, más tarde llegaría La edad de oro, considerada una obra maestra del cine de vanguardia. En estas dos películas encontramos un lenguaje nuevo que rompe con la linealidad del tiempo.

Estuvo en Estados Unidos, pero no se adaptó a los modos de trabajo y se marchó a vivir a México donde alterna películas comerciales con otras más personales como El ángel exterminador y Simón del desierto.

Las claves de su cine están en el humor absurdo y el análisis crítico de la moral burguesa. Sus grandes obsesiones fueron: el erotismo, las miserias humanas y la desigualdad social.

En su tercera etapa destacan películas como Viridiana, Belle de Jour y Tristana.

Neoplasticismo

Tras la aportación de Kandinsky y sus primeras obras abstractas, la abstracción deriva hacia la década de 1920 hacia una nueva tendencia denominada Neoplasticismo en la que Mondrian jugó un papel decisivo. Tomando los principios de Kandinsky, Mondrian defiende una concepción analítica del arte, que vaya más allá de las apariencias externas y plasme lo esencial de las formas.

Las características del Neoplasticismo son:

• Uso de líneas rectas horizontales y verticales, planos rectangulares y ángulos rectos.
• Uso de formas geométricas básicas y simples.
• Colores primarios más el blanco y el negro: rojo, amarillo y azul.
• Composiciones regidas por módulos sencillos como el cuadrado.

El Neoplasticismo es también conocido como De Stijl, El Estilo o también constructivismo holandés por ser Holanda el centro de este movimiento. Tuvo como máximos exponentes a Rietveld, Theo Van Doesburg, Klee y Mondrian.

En la aparente sencillez de las obras de Piet Mondrian subyace un profundo análisis de lo puro, lo universal, esa estructura básica que rige y ordena todo lo que vemos, eliminando lo superficial para centrarse en la esencia. Por eso utiliza sólo colores primarios y franjas verticales y horizontales de negro.