Paul Cézanne (1839-1906): Transición y Simplificación Geométrica

Cézanne representa la transición entre la concepción artística académica del siglo XIX y el mundo artístico del siglo XX, con las propuestas nuevas y radicalmente diferentes de las vanguardias. Estaba interesado en la simplificación de las formas, reduciéndolas a su esencia geométrica.

Tras unos primeros lienzos de concepción romántica, comienza el período impresionista de Cézanne. Destacan las fuertes influencias estilísticas de la obra del pintor Pissarro, quien había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces, así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Empezó con las típicas series impresionistas de paisajes a diversas horas del día. Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad. Su tema favorito son los paisajes.

Obras Destacadas de Cézanne

• La casa del ahorcado (1873): Óleo sobre lienzo. Trabaja en esta obra un impresionismo diferente, al aire libre en Auvers-sur-Oise, con su amigo Pissarro, en una época de estrechez económica. Pissarro le enseña el amor por la naturaleza y a aclarar la paleta en la pintura de paisaje, suprimiendo ocres y marrones. La presenta en la primera exposición de los rechazados en 1874 en el estudio de Nadar y se expuso también en la Exposición Universal de París de 1889.
• Manzanas y naranjas (1899): Cézanne trató el tema del bodegón, pero son especialmente apreciados los de su etapa de madurez. Este forma parte de una serie de 6 naturalezas muertas realizadas en 1899 en su taller parisiense. Comprime y crea una tensión dinámica entre las formas con un inicio de geometrización.
• La montaña Sainte-Victoire (1882 – 1906): Serie de pinturas. Estas pinturas forman un hito en la evolución del arte moderno. Desde diferentes estudios en Aix-en-Provence pinta el paisaje que rodeaba la montaña. En estas obras da estructura, orden y claridad a esa escena natural sin abandonar del todo el realismo. En las primeras representaciones da importancia al dibujo, mientras que las últimas son estructuras más abstractas.
• Bañistas (1890): A partir de los años 70, Cézanne realiza composiciones con el tema de los bañistas. Su gran ambición es lograr la fusión total de la figura humana y del paisaje. Cada elemento está tratado con la misma importancia, buscando un nuevo clasicismo a partir de la composición y el color.
• Jugadores de cartas (1890 – 1895): Serie de pinturas. Son una serie de 5 cuadros sobre el tema de la partida de cartas. Se aprecia en ellos una evolución desde formas y estructuras más complejas a formas y composiciones más sencillas. Sus 3 últimas versiones tienen los volúmenes totalmente definidos por formas geométricas. Una de ellas logró el récord de precio más alto pagado por una pintura, 191,6 millones de euros en 2012.

Vincent van Gogh: Técnica y Emoción

La técnica que empleaba Van Gogh era diferente según el efecto que quería conseguir. Cubría los planos con colores claros, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En otras ocasiones trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas. Según le interesara, acentuaba las líneas o el color, el trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.

Estilos y Técnicas de Van Gogh

• Paleta oscura: La obra de Van Gogh de su periodo holandés temprano se centró en la vida de los campesinos y en los trabajadores pobres. Utilizó técnicas de iluminación fuertes en estas pinturas, junto a una paleta oscura, de tonos tierra, que sugiere una atmósfera melancólica, como se ve en “Los comedores de patatas” (1885).
• Impresionismo: Cuando Van Gogh comenzó a estudiar arte en París en 1886 conoció a Gauguin, Pissarro y Monet. En Francia, el artista comenzó a aligerar su paleta y la pintura con breves pinceladas. El impresionismo es un estilo en el que el color y la vitalidad son el foco. Los artistas capturaron sus imágenes usando colores vivos en lugar de pintar con detalles.
• Expresionismo: El arte de Van Gogh también encarna el estilo altamente emotivo del expresionismo. En lugar de la realidad objetiva, los expresionistas representaban las emociones subjetivas y las respuestas suscitadas por los objetos y los eventos. En este estilo, el artista transmite su interpretación y percepción del mundo que nos rodea a través de su arte.
• Puntillismo: Van Gogh empleó una pincelada corta y ondulante en sus pinturas, una forma modificada del puntillismo que le dio a su pintura un sentido extravagante y de movimiento. Este método de aplicación del color o de pincelada se desarrolló a partir del movimiento impresionista. El uso de pequeños puntos de color le daba a la técnica una sensación de vibración cuando se veía desde una distancia.
• Empaste: Van Gogh pintó una serie de cipreses, campos de trigo, huertos florecientes y florales usando empaste pintado. Estas obras incluyen “Huertas en flor”, “Olivos con el Alpilles”, “Cipreses”, “Campo de trigo con cipreses” y “La noche estrellada”. Esta técnica de pintura utiliza pintura densamente texturada, lo que produce una impresión visible de cada trazo de pincel. Este método de pintura se puede explicar como una escultura en la tela y que los trazos pueden ser más importantes que el sujeto mismo del tema.

El Cubismo: Rompiendo con la Perspectiva Renacentista

El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con los férreos condicionantes de la perspectiva renacentista vigente hasta principios del siglo XX. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Sus principales características ya se podían observar en Paul Cézanne en su obsesión por la simplificación de las formas naturales en su esencia geométrica. Se adopta así la llamada perspectiva múltiple, ya no existe un punto de vista único, sino que se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso aparecían al mismo tiempo y en el mismo espacio diversos puntos de vista de lo representado.

Tipos de Cubismo

• Cubismo analítico: Fue la etapa inicial del movimiento, cuyas pinturas eran casi todas monocromas y grises, enfocadas en el punto de vista y no en la cromaticidad. Este enfoque era tal, que en muchos casos las obras se volvían prácticamente abstractas, ya que los planos se hacían irreconocibles e independientes del volumen del objeto pintado. Esto ocasionó que el nuevo estilo recibiera mucho rechazo de los sectores tradicionalistas de la pintura, al mismo tiempo que el entusiasmo de los artistas de vanguardia y de personalidades de la cultura como Guillaume Apollinaire y Gertrude Stein, quienes escribieron piezas críticas sobre la importancia del cubismo naciente.
• Cubismo sintético: Nace a raíz de la tendencia de Braque a incorporar, a partir de 1912, números y palabras en sus cuadros, así como la utilización de maderas, papeles decolorados y otros materiales. Ese mismo año Picasso realiza su primer collage, y esta incorporación de otros elementos añade color a la tendencia cubista hasta entonces monocroma. Los cuadros cubistas se vuelven entonces más figurativos y por ende más sencillos de interpretar, más dóciles, y en ellos los objetos son reducidos a sus características elementales, en vez de a volúmenes y planos superpuestos. Ésta es considerada la etapa más imaginativa del cubismo.

Pablo Picasso: Periodos Artísticos Clave

• Período Azul (1901-1904): La primera etapa artística de Pablo Picasso agrupa una serie de pinturas realizadas entre 1901 y 1904. Afectado por el suicidio de su amigo Carles Casagemas, los cuadros de esta época retratan las condiciones de vida de las clases marginadas de Barcelona y París de principios del siglo XX. En ellos predomina una profunda melancolía, transmitida por una gama cromática fría y fondos desnudos. También se destaca por la presencia equilibrada del realismo social y el expresionismo, representados a través de personajes lánguidos, esbeltos y desolados de cabeza agachada, en los que se percibe cierta influencia de la figuración del Greco. Algunas de las obras de Picasso del período azul son: Dos hermanas (1902), El viejo guitarrista ciego (1903), La vida (1903) y La tragedia (1903).
• Período Rosa (1905-1906): El período rosa de Picasso lleva este nombre por el cambio cromático que experimentan sus pinturas creadas entre 1905 y 1906. Influenciado por el ambiente bohemio que encontró en el barrio de Montmartre en París, por sus visitas al cabaret “El conejo ágil” y el Circo Medrano, sus cuadros adoptan un tono cálido y pastel. Los protagonistas de sus pinturas son ahora cómicos ambulantes, actores, acróbatas y arlequines. Y aunque no abandona del todo la tristeza de los rostros, las formas son menos angulosas, más graciosas y llenas. La familia del acróbata (1905), El Actor (1904) y La Bella Holandesa (1906), son parte de su etapa rosa.
• Cubismo (1909-1919): De los períodos artísticos de Pablo Picasso, el Cubismo fue el más representativo de toda su obra y abarca desde 1909 hasta 1919. Desarrolló este movimiento junto a George Braque y en él, ambos artistas rechazan el uso de los cánones clásicos, representando a la naturaleza a través de formas geométricas, esquematizando la realidad e incorporando los diferentes ángulos desde los que puede ser observado el objeto dibujado. Dentro de este período se distinguen varias fases. Entre 1909 y 1911, el cubismo de Picasso fue analítico. El artista se centra en el análisis profundo del motivo, el cual llega a descomponerse en varios planos planteados desde diferentes puntos de vista, como se aprecia en Paisaje con dos figuras (1908). Entre 1911 y 1912 surge el cubismo hermético. En esta fase, Picasso incluye el mayor número de planos posibles e incorpora el tiempo como una nueva dimensión. También incorpora la técnica de collage en algunos de sus trabajos. El cubismo sintético abarca desde 1912 hasta 1919. En esta etapa sus pinturas se caracterizan por tener mayor color y claridad, siendo piezas más decorativas que conceptuales, como es el caso de La bouteille de Bass (1914) y Guitarra, clarinete y botella sobre una mesa (1916).
• Etapa Surrealista (1925-1935): Si bien el artista malagueño nunca se consideró surrealista, entre 1925 y 1935, Picasso realizó algunas obras que se enmarcan en este estilo influenciado por las obras de Joan Miró, Ives Tanguy, Salvador Dalí y los escritos de André Breton. El Picasso de la etapa surrealista incorpora monstruos, representa el mundo onírico, figuras sin sentido aparente y metáforas plásticas que transmiten temor y sufrimiento, como se puede ver en Mujer sentada al borde del mar (1930) o en La danza (1925).