Diferencias entre Arte, Artesanía y Diseño

El arte busca crear piezas u objetos únicos e irrepetibles. Es una forma de comunicar una ideología propia, una reflexión sobre la realidad o experiencias vividas por el propio artista, buscando expresar su visión del mundo. La artesanía, por otro lado, se caracteriza por un trabajo principalmente manual, empleando técnicas tradicionales. En el diseño, los objetos son producidos para escalas en masa y se emplea tecnología algo más avanzada en comparación con las artesanías tradicionales. El término diseño implica la materialización de una idea dirigida a dar respuesta útil a una necesidad concreta, la búsqueda de la forma más bella y agradable, la previsión de los materiales más idóneos para su construcción y la garantía de la utilidad del objeto.

Fases del Proceso de Diseño

El proyecto de diseño es un trabajo planificado y sistemático con varias etapas, dirigido por objetivos finales y determinado por condicionantes técnicos, económicos y temporales. Estas fases son:

1. Brief (“briefing”): En diseño gráfico, es el informe creado por el cliente, normalmente un particular, un departamento o empresa publicitaria, que define los objetivos.
2. Justificación: Establecer las condiciones del diseño, el problema que se quiere solucionar o el producto que se quiere fabricar.
3. Documentación: Investigación de otros diseños, sus formas y estilos. Analizar lo que se ha hecho antes permite aprender de los errores y aciertos de otros, facilitando la innovación.
4. Creatividad: Generación de bocetos variados en formas y estilos. Esta fase implica encontrar numerosas respuestas al problema y seleccionar las mejores opciones, ofreciendo al cliente varias alternativas e introduciendo mejoras. Se divide en la fase de bocetos, donde es importante el “brainstorming”, y la fase de estudio previo, donde se resuelven problemas técnicos.
5. Arte Final: Realización técnica. En esta fase es importante una realización metódica con un acabado cuidado y estético. La presentación del proyecto puede incluir maquetas, modelos y prototipos (no confundir con maquetación editorial), en diseño industrial e interiorismo, además de las representaciones lineales del producto.
6. Memoria explicativa: Junto con el arte final, se debe entregar una memoria que explique los aspectos formales (forma, tipografía, composición, color) y connotativos (mensaje, símbolos, retórica visual). Se deben entender todas las decisiones que ha tomado el diseñador.

Elementos y Principios del Diseño

La Línea

Una línea puede estar formada por algo más que un mero trazo. Casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Gracias a las líneas podemos crear tensión, separar el espacio gráfico o estructurar una composición. Las líneas también pueden encontrarse de forma no visible en los textos y párrafos alineados.

La Forma

Una forma es un espacio cerrado y plano, limitado a dos dimensiones, que se mide por anchura y altura. Podemos hablar de dos grupos diferentes de formas de la imagen:

• Formas Geométricas: Figuras que pueden dibujarse con ayuda de una regla o un compás, como triángulos, cuadrados y círculos. Se caracterizan por producir un sentimiento de orden y control. El cuadrado, en particular, es una forma muy estable y permanente, asociada a conceptos como estabilidad, honestidad, rectitud y equilibrio.
• Formas Orgánicas: Formas más libres, que se asemejan a las que podemos encontrar en la naturaleza, como la forma de una hoja. Se dibujan mejor a mano alzada.

En diseño gráfico, cuando colocamos dos formas juntas se crea una relación entre ellas. Esta relación permite generar emociones, comunicar mensajes, empatizar con una audiencia, enfatizar una parte de la composición o incluso evocar movimiento.

El Espacio

El espacio es la distancia o área alrededor o entre los elementos de nuestro diseño. Al trabajar en un diseño, se debe considerar no solo los elementos visuales (imágenes, tipografías, formas), sino también cómo ordenarlos y agruparlos dentro de la composición. Existen dos tipos de espacio:

• Espacio Positivo: Incluye las formas de los objetos o donde recaiga principalmente la atención del diseño.
• Espacio Negativo: Es la parte del diseño que no está ahí, el resto del espacio que está entre los elementos.

La Tipografía

En una tipografía, un carácter tipográfico está formado por la combinación de formas geométricas y orgánicas, resultando en una nueva forma. La tipografía no solo comunica palabras, sino que su estilo y disposición en el diseño también ayudan a otorgar más significado a las composiciones.

La Textura

Las texturas pueden crearse mediante el uso de patrones o repetición de imágenes. A través de la textura podemos conseguir que objetos planos luzcan realistas y tridimensionales.

El Color

El uso del color permite crear énfasis, generar más armonía en las composiciones e incluso alterar la percepción del tamaño de los objetos. Cada color puede evocar un significado diferente, de forma inconsciente y a veces personal, asociándose con una serie de conceptos o sensaciones (psicología del color). La teoría del color, con ayuda del círculo cromático, contiene pautas y reglas básicas para elegir colores, buscando conseguir más armonía en el diseño.

Énfasis o Punto Focal

El principio de énfasis establece un punto focal o centro de atención sobre un elemento. Para lograrlo, se debe romper la jerarquía visual y ayudarse de la forma, el uso del color o el tamaño. Es un principio clave para captar la atención de los espectadores.

Balance

• Balance Simétrico: Los elementos se disponen simétricamente a ambos lados de los ejes, horizontal o vertical.
• Balance Asimétrico: Los elementos no mantienen simetría por forma, pero sí por peso visual.

Un diseñador debe ser capaz de intuir cuando un diseño no tiene el equilibrio adecuado y corregirlo.

Ritmo o Movimiento

El principio del ritmo o de movimiento permite controlar el ojo alrededor de un elemento o espacio, dirigiendo la mirada de los espectadores dentro de la composición. El ritmo es la secuencia con que aparecen los elementos que componen el diseño: el orden, la repetición y la forma de organizarlos. Si se usa correctamente, puede asegurar una correcta lectura del diseño. El ritmo puede ser:

• Radial: Si los elementos se disponen de forma circular.
• Lineal: Si la disposición de los elementos da una forma de continuidad.

Proporción o Escala

El principio de proporción se basa en la relación del tamaño de los objetos con la composición final. Ayuda a comunicar la relación entre los diferentes elementos de diseño y a marcar como más importante alguna parte en concreto, ya que los elementos grandes captan más atención que los pequeños. Dentro del principio de escala, se pueden considerar tres subcategorías:

• Tamaño: Elementos de diferentes tamaños relacionados entre sí.
• Proporción: Elementos relacionados unos con otros, en una proporción visualmente armónica.
• División: Elementos divididos en diferentes tamaños, creando todos ellos una unidad.

Unidad o Armonía

Un buen diseño siempre está relacionado con un grupo de elementos relacionados y organizados entre sí, representando una unidad. El principio de unidad ayuda a comunicar el mensaje de forma coherente y armoniosa para lograr el objetivo. Dentro del principio de unidad, se encuentran los siguientes subprincipios:

a) Principio de Repetición

En diseño, la repetición crea un sentimiento de unidad y consistencia a través de la composición. Consigue un estilo particular que genera cohesión, énfasis, estructura, jerarquía y fortalece el diseño. La repetición es un tipo de lavado de cerebro: cuanto más vemos algo, más nos familiarizamos con ello. Un excelente ejemplo de repetición en diseño es un branding de marca.

b) Principio de Sucesión

Se logra cuando se usa recurrentemente un color o un elemento, donde uno de ellos mantiene el punto focal.

c) Principio de Proximidad

La proximidad es la disposición de elementos dentro de la composición. En diseño, se usa el principio de proximidad para crear y disipar conexiones.

Clasificación de las Tipografías

• Romanas: Antiguas, de transición, modernas, mecanos, incisas.
• Palo seco: Lineales sin modulación, grotescas.
• Rotuladas: Caligráficas, góticas, cursivas.
• Decorativas: Fantasía, época.
• Fuentes Sherif

Leyes de la Gestalt

1. Ley de proximidad: Los elementos que están a una distancia cercana suelen ser percibidos como un grupo o como un mismo objeto.
2. Ley de la semejanza: Las figuras parecidas (ya sea por su tamaño, forma o color) se suelen agrupar y percibir como una unidad.
3. Ley de continuidad: La mente tiende a seguir un patrón, aunque este haya desaparecido. Por ejemplo, en una foto con punto de fuga, los elementos que aparecen en planos alejados se reconocen gracias a los que aparecen definidos en primer plano.
4. Ley de simetría: Nuestro cerebro percibe las imágenes simétricas como iguales y, a la distancia, como un solo elemento.
5. Ley de cierre: La mente tiende a añadir los elementos que faltan para completar una figura que está incompleta.
6. Ley de contraste: Los elementos que se diferencian y que son singulares tienden a destacar, porque contrastan.
7. Ley de figura-fondo: Nuestro cerebro tiende a separar el fondo de los demás elementos importantes, pero se basa en la premisa de que no existe figura sin un fondo que la sustente.
8. Ley de la dirección común: La atención se centra donde se dirijan los elementos ubicados en la imagen. También se conoce como principio de destino común.
9. Ley de pregnancia: La mente es capaz de percibir formas incompletas o no del todo evidentes. Esta herramienta se utiliza mucho en publicidad y marketing.

Movimientos Artísticos

Arts & Crafts

La Revolución Industrial generó tensiones sociales y revueltas de los artesanos tradicionales, sobre todo del textil, contra la introducción de los telares mecánicos. El ludismo, a comienzos del siglo XIX, fue un movimiento contra los métodos de la nueva industria. A mediados de siglo, Marx y Engels formularían de manera más metódica el tema de la alienación del trabajo industrial. El movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña estaba compuesto por arquitectos, diseñadores, artistas y artesanos preocupados por el impacto negativo de la industrialización, tanto en las condiciones sociales y laborales como en la artesanía tradicional británica. Sus ideas se extenderían posteriormente a Europa y Estados Unidos.

El movimiento impulsó un amplio resurgir de las artes y los oficios, defendiendo un estilo de vida sencillo y cercano a la naturaleza. Las cuestiones que planteó acerca de la sostenibilidad de la producción industrial, la relación entre el trabajo y la vida, la honestidad de los materiales, la belleza de los objetos cotidianos y la protección de los edificios antiguos y del medio ambiente siguen vigentes en la actualidad. Realizaron trabajos artísticos de mobiliario, textiles, papeles pintados, joyas, vidrio, cerámica, metalistería, encuadernaciones, pintura, dibujo, grabado y fotografía.

A. W. Pugin, John Ruskin y William Morris tuvieron una gran influencia, dotándolo con sus ideas filosóficas, éticas y estéticas. William Morris, fundador de “Morris & Co.” en 1861, defendía un enfoque más simple y ético hacia el diseño y la industria. Desconfiaba de la producción mecanizada del capitalismo, que había convertido a los buenos artesanos en “esclavos del sueldo”. Mediante la artesanía, pretendían promover la democracia y la cohesión social como solución moral para trabajadores y consumidores. En su opinión, la división del trabajo minaba el bienestar de los trabajadores y debilitaba el arte en general.

El movimiento se inspiró en una amplia gama de objetos culturales e ideales, desde Pugin y el medievalismo de Ruskin hasta los objetos de cerámica y laca de Japón. Entre arquitectos y artistas surgen los primeros diseñadores, ya que diseñaron proyectos para la producción mecánica, cuando no de masas, lo que implicaba una contradicción con las ideas del movimiento. Solo aceptaba la mecanización si producía objetos de calidad y reducía la carga de los trabajadores en vez de incrementar solo su productividad. La paradoja era que los productos artesanales de Morris & Co. eran más caros de producir y solo podían ser adquiridos por la clase alta y solvente de la sociedad.

En las últimas décadas del siglo XIX, el arte de la ebanistería se volvió más ligero con la influencia del estilo japonés. La Red House, en Londres, es donde surge la actividad de Morris que daría lugar al Arts & Crafts. Morris puso en práctica su idea de una decoración integral que incluía muebles, papeles pintados o elementos de arquitectura interior. Se trataba de crear un espacio bello y habitable, negando la división entre artes mayores y menores. El edificio es un canto al estilo gótico, considerado el verdadero estilo cristiano frente al paganismo neoclásico. A pesar de su goticismo, dejó escritas algunas reglas que rechazaban todo ornamento innecesario y exigían la verdad de los materiales. Estas ideas influirían en toda la modernidad, incluyendo la Bauhaus de Weimar y Dessau.

El aspecto exterior del edificio es de ladrillo rojo cálido sin revestimientos, y la creación de los volúmenes surge directamente de la necesidad de cumplir las funciones interiores. En el interior predominan la madera, los azulejos y el vidrio, materiales naturales que le dan un ambiente acogedor. Los diseños recuerdan un mundo medieval y vegetal.

Art Nouveau (Modernismo)

El Art Nouveau (arte nuevo) o Modernismo fue un movimiento artístico que surgió a fines del siglo XIX y se proyectó hasta las primeras décadas del siglo XX, entre 1880 y 1914. Surgió como un movimiento de renovación, buscando crear una nueva estética inspirada en la naturaleza y en la revolución industrial, utilizando líneas curvas, asimetría, sensualidad y complacencia de los sentidos. En arquitectura, es frecuente el uso del hierro y el cristal. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño. Se conoce con distintos nombres según los países: Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession en Austria, Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, Modernismo o Estilo modernista en Cataluña, etc.

Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía. Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla íntimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau

• En el color, se prefiere el contraste entre el negro y los tonos pastel. También se utilizaba el amarillo o el azul para acentuar las formas. Gracias a este movimiento, el color se comenzó a introducir con fuerza en la arquitectura.
• Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
• Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo (en el que destaca Alfons Mucha), la impresión, etc. Con el uso de nuevos materiales industriales como el hierro y su aplicación más variada, y la tendencia de usar muchos materiales en un mismo edificio (piedra, ladrillo, cerámica, vidrio, madera), la variedad de colores y la búsqueda de agrupar más sectores productivos. La relación con la naturaleza es tan importante que su organicidad inspira la propia conformación arquitectónica.
• Estéticamente, resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza. Se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial. Este énfasis en la ornamentación y el patrón lineal no es meramente decorativo. Para los artistas del Art Nouveau, la esencia del estilo era el contenido simbólico en el patrón ornamental. Los patrones ornamentales reflejan el optimismo y la fatiga, simbolizados por dos movimientos, uno ascendente y otro descendente, que se presentan juntos en los sinusoides serpentinos entre dos polos que atraen alternativamente.
• Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.