La Primera Fotografía y sus Pioneros

Joseph Nicéphore Niépce (1765-1833) es reconocido por conseguir las primeras imágenes negativas en 1816, utilizando papel tratado con cloruro de plata. Aunque no logró fijarlas permanentemente, sentó las bases para el desarrollo de la fotografía. Posteriormente, Niépce obtuvo las primeras imágenes positivas directas utilizando placas de peltre recubiertas de betún de Judea y fijadas con aceite de lavanda. En 1827, utilizando una cámara oscura, impresionó una vista del patio de su casa, considerada la primera fotografía permanente de la historia. A este procedimiento lo llamó heliografía (de helios = sol y graphos = dibujo).

En 1827, Niépce se asoció con Louis Daguerre, quien se interesó por su invento. Tras la muerte de Niépce en 1833, Daguerre continuó experimentando, volviendo a las sales de plata. En 1839, Daguerre presentó públicamente el daguerrotipo, un proceso que permitía obtener fotografías sobre una superficie de plata pulida. Este invento redujo significativamente los tiempos de exposición, haciéndolo más adecuado para retratos.

Características de los Daguerrotipos

• Eran positivos directos.
• Poseían una calidad extraordinaria en los detalles.
• Se propagaron por todo el mundo, abriendo el camino a la fotografía moderna.
• Las imágenes eran únicas e irreproducibles.
• Las superficies eran extremadamente delicadas, a menudo protegidas bajo un cristal.
• La imagen aparecía invertida lateralmente, como en un espejo.
• Los productos químicos utilizados (especialmente el vapor de mercurio) eran altamente tóxicos.
• Las imágenes eran difíciles de ver desde ciertos ángulos.
• Eran ideales para retratos.
• Se popularizaron entre la burguesía de la Revolución Industrial, al ser más económicos que los retratos pintados.

Paralelamente, William Fox Talbot en Inglaterra inventó el calotipo, un método que obtenía negativos en papel y permitía la reproducción de copias positivas. A partir de 1880, se desarrollaron las placas secas al gelatino-bromuro, que se producían industrialmente. Finalmente, en 1888, Kodak lanzó una cámara que utilizaba carretes de película enrollable, revolucionando la fotografía con el lema “Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”, dando inicio a la fotografía de aficionados.

El Romanticismo: Emoción y Naturaleza Sublime

El Romanticismo fue un movimiento cultural que surgió a finales del siglo XVIII en Alemania e Inglaterra, extendiéndose luego por Europa y América. Los artistas románticos exaltaban los sentimientos personales por encima de la racionalidad y la técnica, redescubriendo la naturaleza de forma subjetiva. El paisaje se convirtió en un género principal, expresando emociones humanas como la melancolía, la exaltación del yo y la pasión. Los artistas buscaban lo sublime en montañas, ruinas, nubes y rayos de sol.

Caspar David Friedrich: Caminante sobre un mar de nubes (1818)

• Autor: Caspar David Friedrich
• Título: Caminante sobre un mar de nubes
• Año: 1818
• Ubicación: Museo de Arte de Hamburgo (Alemania)
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Género: Paisaje romántico
• Estilo: Romanticismo Alemán

Esta obra muestra a un caballero elegante de espaldas, contemplando un paisaje sublime. La atalaya de rocas simboliza su fe cristiana. El caminante, en la cima de su camino, contempla la misteriosa y voluptuosa Naturaleza. El cabello del personaje, mecido por el viento, añade dinamismo a la escena. El espectador, al igual que el personaje, percibe la insignificancia del ser humano ante la grandeza de la naturaleza.

Los paisajes de Friedrich reflejan los sentimientos del artista, como la melancolía y la soledad. Sus personajes suelen estar de espaldas, cubriendo el punto de fuga, invitando al espectador a identificarse con ellos.

William Turner: Lluvia, vapor y velocidad (1844)

• Autor: William Turner
• Título: Lluvia, vapor y velocidad
• Año: 1844
• Ubicación: National Gallery, Londres, Reino Unido
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Género: Paisaje inglés con referencias a la Revolución Industrial
• Estilo: Romanticismo Inglés

Esta obra, admirada desde su presentación, tiene como protagonista la luz que se filtra a través de la lluvia. La luz, el vapor y la velocidad se combinan, disimulando los contornos del tren, que representa la modernidad. La pincelada de Turner es rápida y pastosa, reflejando un paisaje afectado por la Revolución Industrial. El contenido se desdibuja en beneficio del color, anticipándose al Impresionismo.

Turner, considerado a veces “loco” por la dimensión onírica de su obra, utilizaba composiciones en espiral y empastes elaborados, priorizando el color sobre el dibujo. Su técnica particular, con la que obtenía efectos lumínicos cambiantes, es inconfundible.

Théodore Géricault: La balsa de la Medusa (1818-1819)

• Autor: Théodore Géricault
• Título: La balsa de la Medusa
• Año: 1818-1819
• Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Género: Pintura histórica, basada en hechos reales
• Estilo: Romanticismo Francés

Esta pintura de gran formato (491 × 716 cm) representa el naufragio de la fragata francesa Méduse en 1816. De los 147 náufragos a la deriva en una balsa, solo 15 sobrevivieron, soportando calamidades que los llevaron al canibalismo. El suceso fue un escándalo internacional, debido a la incompetencia de la monarquía restaurada de Luis XVIII.

La escena capta el momento en que los náufragos divisan el barco Argus que los rescatará. La composición, basada en dos triángulos que se cruzan, crea tensión. Géricault investigó exhaustivamente el suceso, entrevistando a supervivientes y visitando hospitales y morgues para estudiar el color y la textura de la carne de los moribundos y los muertos. La obra recibió una medalla en el Salón de París de 1819 por su novedoso tratamiento de un tema histórico.

Eugène Delacroix: La Libertad guiando al pueblo (1830)

• Autor: Eugène Delacroix
• Título: La Libertad guiando al pueblo
• Año: 1830
• Ubicación: Museo del Louvre, París, Francia
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Género: Pintura histórica, basada en hechos reales
• Estilo: Romanticismo Francés

Esta obra muestra a una mujer (la Marianne francesa) representando la Libertad y la Justicia, con el torso desnudo, portando la bandera tricolor francesa y un rifle. La siguen miembros de diferentes clases sociales, representando la participación de toda la sociedad en el proceso revolucionario. La composición se inscribe en una pirámide, cuya base son los cadáveres. El cuadro se basa en los hechos ocurridos el 28 de julio de 1830, cuando los parisinos se levantaron contra el rey Carlos X por suprimir la libertad de expresión.

Considerado el primer cuadro político de la pintura moderna, su tema es la libertad, ligada al concepto de Patria. Delacroix, artista de gran éxito, se enmarca en el Romanticismo, realizando grandes obras y siendo un viajero influyente.

Francisco de Goya: El 3 de mayo en Madrid (1814)

• Autor: Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)
• Título: El 3 de mayo en Madrid (también conocido como Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo)
• Fecha: Terminado en 1814
• Ubicación: Museo del Prado, Madrid, España
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Dimensiones: 268 cm × 347 cm
• Estilo: Cuadro histórico que representa escenas de la Guerra de la Independencia (El Dos de Mayo de 1808 en Madrid)
• Movimiento: Prerromanticismo

El cuadro representa los fusilamientos de la madrugada del 3 de mayo de 1808 en la montaña de Príncipe Pío, a las afueras de Madrid, como represalia del ejército napoleónico por el levantamiento popular del día anterior.

La escena nocturna está iluminada por un farol que separa al pelotón de ejecución de los condenados. Goya utiliza una paleta cromática reducida (grises, ocres y blancos) para acentuar el dramatismo. La luz, de inspiración tenebrista, ilumina a los condenados, especialmente al hombre de camisa blanca que levanta los brazos, y a los cadáveres. Los soldados, de espaldas, forman una diagonal, deshumanizados, mientras que los ejecutados muestran una amplia gama de reacciones.

Goya toma partido por los perdedores, mostrando la crueldad de la guerra. La obra, llena de dramatismo, ha inspirado a numerosos artistas, como Édouard Manet en El fusilamiento de Maximiliano.

Goya, pintor y grabador español, evolucionó del Rococó al Neoclasicismo y al Prerromanticismo. Su pintura, personal y original, refleja la realidad sin idealismos. Influenciado por Velázquez y Rembrandt, Goya es considerado un precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX, especialmente del Expresionismo.

El Neoclasicismo: Retorno a la Antigüedad

El Neoclasicismo surgió a mediados del siglo XVIII como reacción al decorativismo del Rococó. La escultura neoclásica se inspiró en la tradición grecorromana, adoptando principios de orden, claridad, austeridad, equilibrio y propósito. Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce.

Antonio Canova: Venus Victrix (Paulina Bonaparte) (1805-1808)

• Autor: Antonio Canova (1757-1822)
• Año: 1805-1808
• Ubicación: Galería Borghese, Roma, Italia
• Técnica: Mármol blanco esculpido
• Género: Retrato de Paulina Bonaparte
• Estilo: Neoclasicismo

Venus Victrix es un retrato mitologizado de Paulina Bonaparte como la diosa Venus, en su advocación de Venus victoriosa. La figura, de tamaño natural, aparece casi desnuda, recostada en un diván de estilo imperio. Sostiene en la mano izquierda la manzana de la Discordia.

Canova utilizó un único bloque de mármol de Carrara. La base, adornada como un catafalco, contenía inicialmente un mecanismo que permitía rotar la escultura. La superficie encerada añade lustre al pulimento del mármol.

Antonio Canova, escultor y pintor italiano, es considerado el máximo exponente del Neoclasicismo escultórico. Su estilo, inspirado en la antigüedad, fue muy apreciado por sus contemporáneos.

El Impresionismo: Capturando la Luz y el Instante

El Impresionismo se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX, basándose en captar la luz, el instante y el movimiento. La escultura impresionista, al igual que la pintura, buscaba plasmar estos efectos.

Auguste Rodin: El Pensador (1881-1882)

• Autor: Auguste Rodin (1840-1917)
• Año: 1881-1882
• Ubicación: Museo Rodin, París, Francia
• Técnica: Bronce fundido
• Género: Figura humana, escultura de bulto redondo
• Estilo: Impresionismo

El Pensador, originalmente concebido como parte de Las Puertas del Infierno (encargo del gobierno francés realizado entre 1880 y 1917, con la colaboración de Camille Claudel), se inspiró en obras literarias de Dante, Baudelaire y Ovidio. Inicialmente un homenaje a Dante llamado El Poeta, Rodin le dio un nombre más abarcador. Representa un cuerpo torturado y un espíritu libre, trascendiendo a través de la reflexión.

La obra, con el toque majestuoso de Miguel Ángel, tiene un acabado no academicista. La piel palpita luces y sombras, y los músculos están tensos. Existen unas treinta esculturas de El Pensador en el mundo, fundidas en bronce a partir de un modelo original en escayola.

Rodin, considerado el padre de la escultura moderna, rompió con el canon académico del siglo XIX, adaptando el Impresionismo a la escultura, combinando superficies pulidas y rugosas para crear efectos de luces y sombras.

Claude Monet: Impresión, sol naciente (1872)

• Autor: Claude Monet (1840-1926)
• Fecha: 1872
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Ubicación: Museo Marmottan Monet, París, Francia
• Género: Paisaje
• Estilo: Impresionismo

Durante su servicio militar en Argelia (1861), Monet desarrolló un gusto por la luz y el color. De regreso a Francia, aplicó colores brillantes con pinceladas rápidas y expresivas para capturar “impresiones” de su entorno. En 1872, Monet pintó una serie de seis pinturas del puerto de El Havre, incluyendo Impresión, sol naciente.

Esta obra retrata con énfasis la luz y el color, y los efectos de un amanecer nebuloso en el agua. Siluetas de botes de remos aparecen en primer plano, y en el fondo, siluetas de barcos y chimeneas industriales.

Esta pintura no solo dio origen al estilo impresionista, sino que también le dio nombre al movimiento. En 1874, fue incluida en la Exhibición de los impresionistas, una exposición independiente que rechazaba las reglas de las beaux-arts y presentaba el trabajo de artistas como Degas, Renoir, Pissarro y Sisley. Esta exposición acercó Impresión, sol naciente a un público más amplio.

Monet creó más de 2500 obras, incluyendo pinturas, pasteles y dibujos. Sus temas abarcan desde su jardín en Giverny hasta paisajes en Londres. Sus obras son consideradas obras maestras por su ruptura con el academicismo, su enfoque experimental hacia la luz y el color, y su belleza estética.