Movimientos Artísticos del Siglo XX

Cubismo (1907)

Nace de la mano de Pablo Picasso, Juan Gris y George Braque.

Las figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen las normas clásicas de la figura humana.
Se caracteriza por destruir la óptica renacentista como único punto de vista.
La génesis se encuentra en “Las señoritas de Avignon” (1907) de Picasso, que se considera una obra protocubista.
Las ilusiones espaciales y de la perspectiva dan lugar a un giro ambiguo de planos bidimensionales.
No trata de captar la realidad, sino que crea a partir de ella una imagen nueva, cargada de la propia perspectiva del artista.
Puedes diferenciar el cubismo analítico, que utiliza formas geométricas más marcadas, del cubismo sintético, en que las formas se fusionan y crean una especie de collage. Cada elemento de la obra se analiza de forma individual.

Surge como reacción al impresionismo y al naturalismo.

Predomina la “expresión” (exteriorización de la dimensión interior) frente a la “impresión” (plasmación de la realidad).
El hombre trata de expresar el desasosiego y la angustia que siente frente a una naturaleza fundamentalmente hostil e inhumana.
Forma, color y textura están al servicio de la transmisión de los estados de ánimo del autor.
Deforma y exagera con el fin de plasmar una ‘mirada’ subjetiva.
En Múnich, evitan copiar la naturaleza, tendiendo a la abstracción: colores arbitrarios, pintando las cosas como las ven y no como son. Pretende mostrar los sentimientos del artista.

Surge con el manifiesto escrito por Filippo Marinetti y publicado en 1909 en el periódico parisino “Le Figaro”.
Exaltaba la modernidad, lo tecnológico y lo mecánico, defendiendo las cualidades estéticas de los objetos industriales.
Sus mayores exponentes fueron Umberto Boccioni, Gino Severini y Giacomo Balla.
Sus objetivos son crear un arte nuevo, acorde con el nuevo tiempo, la nueva mentalidad y las nuevas necesidades de la sociedad.
Se toman como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización.
Tras la I Guerra Mundial, algunos de sus componentes radicalizan sus posiciones y se relacionan ideológicamente con el fascismo italiano.
Tuvo gran resonancia en movimientos como el Dadaísmo, el Constructivismo ruso y el Surrealismo. Busca transmitir la sensación de movimiento.

Nace en Zürich (Suiza) con el anarquista Tristan Tzara, quien iba en contra de cualquier norma social, moral o estética, de manera contundente, destructora y provocadora.
Se basa en lo absurdo, lo elemental, lo casual y lo azaroso. De hecho, la palabra ‘dadá’ se escogió de modo arbitrario.
Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época.
Uno de los máximos representantes fue Marcel Duchamp que, a través de los denominados ready-mades, trató de ridiculizar la veneración pasiva y poco crítica hacia el arte del público burgués.
Otros grandes representantes fueron el fotógrafo Man Ray y el pintor Max Ernst.
Gracias a este movimiento, el arte abrió sus fronteras y aceptó otros modos de expresión artística.
Acabó superando sus propios límites y agotándose, pues ya nada resultaba nuevo ni impactante.
Muchos de sus miembros y seguidores acabaron introduciéndose en el surrealismo. Poseyendo un fuerte elemento destructivo, rechaza toda tradición y busca la libertad total.

De origen holandés, el grupo que lo desarrolló recibió el nombre de “De Stijl” (el estilo) debido al nombre de la revista en la que trabajaban sus componentes y en la que publicaban sus escritos.
Conocido también como “constructivismo holandés”, fue una prolongación de los valores estéticos del constructivismo ruso, aunque sin su ideología y compromiso político.
Sus principales componentes fueron Theo van Doesburg y Piet Mondrian.
Con ánimo de huir de las referencias naturales, recurrieron a las formas geométricas puras y a los colores saturados, especialmente los primarios y el negro para dar contraste.
Los militantes de esta vanguardia buscan:
- Representar la belleza y el mundo de manera universal.
- Plasmar únicamente lo elemental, sin adornos.
- Generar asimetría, pero sin perder el equilibrio.
- Prescindir de trazos diagonales y curvilíneos.
No existe la profundidad ni ningún tipo de referencia figurativa; solo existe la línea y el color, unidas en un mismo espacio.
Defiende la no implicación del arte en la reproducción de imágenes sin referentes reales.

El término lo acuña el escritor Apollinaire en “Las tetas de Tiresias. Drama surrealista” (1917), y viene a querer representar aquello que está por encima de lo real.
Al desarrollarse en el periodo de entreguerras, los intelectuales tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente.
Para los surrealistas, la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control.
Se busca, a través de las distintas disciplinas, conceder importancia al particular tratamiento estético de lo representado, siendo el proceso un acto más subconsciente que premeditado.
Trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional.

El constructivismo, con alta carga política e ideológica propia de la revolución rusa, pretende la unión entre las artes, pintura, escultura y arquitectura.
Los artistas del movimiento, a través de la revolución de Octubre, vieron la posibilidad de romper el aislamiento entre el arte y las masas y construir un nuevo arte para una nueva sociedad.
Sus autores principales fueron Vladimir Tatlin, El Lissitzky, Antoine Pevsner y Naum Gabo.
Consideran que la obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella.
Existe un “culto del material”, en el que destacan las relaciones de peso y tensión dentro de la construcción.
Destaca la tendencia al minimalismo, así como el uso de pocos colores y muy sencillos.
Se aplicó al diseño de propaganda política soviética, utilizando fotomontajes y estando al servicio de la revolución.
Su objetivo era reemplazar la composición por la “construcción”, creando imágenes nuevas a partir de fragmentos que, aislados, no tenían un significado propio.